ópera

En el año 1889 se comercializaron en EEUU los primeros cilindros de cera que contenían grabaciones musicales. Estas grabaciones podían escucharse con auriculares de tubo mediante el fonógrafo de Edison en salones fonográficos y otros espacios urbanos ubicados en las zonas de ocio de numerosas ciudades del país. Sin embargo, fue a partir de 1896 cuando estos reproductores musicales comenzaron a tener un uso doméstico. Aprovechando la presencia de artistas españoles en el continente americano, la National Phonograph Company y la Columbia Phonograph Company realizaron numerosas grabaciones que contienen música extraída de la zarzuela, el género chico,  la canción de salón y el folclore regional.
Con el título De cera y Goma Laca. La producción de música española en la industria fonográfica estadounidense (1896-1914), Kiko Mora, profesor de semiótica audiovisual de la Universidad de Alicante, elabora un estudio preliminar, con entronque cuantitativo e historiográfico, de la producción musical española de carácter comercial en la primera mitad de su etapa acústica en los Estados Unidos de América.
¿Cuál fue el volumen total de producción musical y cuáles fueron los años más relevantes? ¿En qué ciudades se grabaron las piezas musicales y cuáles fueron sus contextos de producción? ¿Quiénes fueron los artistas y los compositores españoles más prolíficos? ¿Qué géneros y piezas musicales fueron los predominantes? Este libro ofrece respuestas a estas preguntas y abre un nuevo itinerario para otros estudios relacionados con la presencia de la música española y su interacción con otras músicas en los inicios de la industria discográfica más más influyente del siglo XX.

Esistono certamente diversi modi di studiare il rapporto tra geografia e fiction; questo libro lo fa da un punto di vista del tutto particolare che mette in primo piano la territorializzazione configurativa in quanto ambito della rappresentazione artistica ed emozionale. L’idea di base che lega i saggi qui raccolti è che la fiction rappresenti una simulazione di territorialità in cui non si tratta tanto di imitare l’esistente quanto di formulare ipotesi sui possibili, ossia su ciò che non è ma che potrebbe essere. In quanto experimentum mundi, la fiction può dunque essere letta attraverso l’apparato metodologico di quella teoria geografica della complessità che ha nei concetti di territorio, territorialità e territorializzazione i suoi elementi fondanti e in autori come Claude Raffestin, Angelo Turco, Giuseppe Dematteis e Alberto Magnaghi i suoi principali interpreti.
Il ricorso alla “cassetta degli attrezzi” che soccorre il geografo nel suo la-voro di decifrazione degli assetti territoriali attuali si giustifica qui con l’esigenza di soddisfare i criteri basilari che una “teoria geografica della fiction” deve rispettare: 1) essere inequivocabilmente geografica, vale a dire riconoscibile come tale; 2) proporre un metodo, cioè basarsi su una teoria e su regole precise e dichiarate; 3) rappresentare un valore aggiunto, ossia metterci nella condizione di vedere qualcosa che altrimenti non vedremmo. Ci sarebbe in realtà un quarto criterio di cui dobbiamo costantemente tenere conto nella nostra disamina della simbolica del territorio e delle sue molteplici configurazioni topiche, paesaggistiche ed ambientali: la necessità di rispettare sempre la specificità del medium affrontato, qualunque esso sia, scansando la tentazione di ricondurlo ad un “testo”.
Dopo i primi due capitoli, nei quali si definisce l’impianto teorico-metodologico del lavoro, i successivi sono dedicati di volta in volta ad un particolare caso di studio: l’opera con Die Zauberflöte di Wolfgang Amadeus Mozart, il cinema di Wes Anderson, le canzoni di Paolo Conte e i graphic novel di Gipi – tutte simulazioni di territorialità in cui le qualità geografiche gioca-no un ruolo di primo piano, fissando le condizioni di possibilità della narrazione.
Prefazione di Angelo Turco

La niña helada, crónica de una ópera contemporánea


Resumen

Crónica sobre la génesis, creación y producción de La niña helada, ópera de cámara experimental interdisciplinaria, con libreto de Mariano Saba y música de Patricia Martínez, encargada por el Staathsteater Darmstadt, luego de que la compositora fuera seleccionada en el Concurso Internacional de Teatro Musical de Darmstadt (Alemania, 2015). Fueron estrenadas las primeras ocho escenas en el marco del mítico Curso Internacional de Nueva Música de Darmstadt, y la versión completa en el Centro Cultural Recoleta en 2017.


Palabras clave: nueva ópera, ópera contemporánea, La niña helada, ópera experimental, teatro musical, interdisciplina, arte interdisciplinario.



Abstract

Chronicle about the genesis, creation and production of La niña helada (The frozen Little girl), interdisciplinary experimental chamber opera, with a libretto by Mariano Saba and music by Patricia Martínez. It was commissioned by Staathsteater Darmstadt, after the composer was selected at the International Music Theatre Competition Darmstadt (Germany, 2015). The first eight scenes were premiered in the framework of the legendary International Summer Course for New Music Darmstadt, and the full version at the Recoleta Cultural Center in 2017.


Key words: new opera, contemporary opera, The frozen girl, experimental opera, Music theater, interdiscipline, interdisciplinary art.



Resumo

Crônica sobre a gênese, criação e produção de La niña helada (Menina gelada), ópera de câmara experimental interdisciplinar, com um livreto de Mariano Saba e música de Patricia Martínez, encomendada por Staathsteater Darmstadt, depois que o compositor foi selecionado no Concurso Internacional de Teatro de Música Darmstadt (Alemanha, 2015). As primeiras oito cenas foram estreadas no marco do lendário Curso Internacional de Música Nova em Darmstadt, e a versão completa no Centro Cultural Recoleta em 2017.


Palavras-chave: nova ópera, ópera contemporânea, menina gelada, ópera experimental, teatro musical, teatro musical, interdisciplinar.

Por ejemplo, un encuentro “cara a cara” con un cóndor o un huemul es hoy una experiencia mucho más rara que cuando fuera diseñado el escudo nacional. Sin embargo, cuando decidimos salir de las salas de clases, las oficinas, la internet, la televisión y los diversos edificios con sus ambientes artificiales, térmica y físicamente aislados, para recorrer praderas y matorrales, escalar montañas, bucear en el litoral, caminar explorando en el intermareal, las turberas o los bosques, volvemos a asombrarnos con la inaprensible ...

Composing for Voice: Exploring Voice, Language and Music, Second Edition, elucidates how language and music function together from the perspectives of composers, singers and actors, providing an understanding of the complex functions of the voice pedagogically, musicologically and dramatically. Composing for Voice examines the voice across a wide range of musical genres (including pop, jazz, folk, classical, opera and the musical) and explores the fusion of language and music that is unique to song. This second edition is enlarged to attract a wider readership amongst all music and theatre professionals and educators, whilst also engaging an international audience with the introduction of new co-author Maria Huesca.

New to the second edition:

A review of the history of singing
An overview of the development of melisma
A chapter designed to help performers understand each other, as singers and actors often receive disparate educations
Case studies and qualitative research around song, lyric and meaning
A discussion of the synthetic voice
An introduction to the concept of embodied composition
Interviews with composers and singers
Summaries of various vocal styles, including bel canto, the lyric voice, the belt voice, the rap voice, the dramatic voice, the virtuoso voice, the folk voice, the crooner, the live voice and the actor’s voice
A website with many of the links and performances of music discussed, as well as related workshops and seminars: www.composingforvoice.com
Composing for Voice: Exploring Voice, Language and Music, Second Edition,articulates possibilities for the practical exploration of language, music and voice by composers, singers and actors.

Table of Contents
Chapter 1. Words

Chapter 2. Composers and Singers

Chapter 3. Singing and Text

Chapter 4. Voice/Music/Text I

Chapter 5. Voice/Music/Text II

Chapter 6. The Singer and Actor; and Beyond

Chapter 7. Vocal Examples

Chapter 8. Interviews with Singers

Chapter 9. Conclusions and a Way Forward

Chapter 10. Educational Activities

Don Giovanni is an opera buffa composed by Wolfgang Amadeus Mozart with an Italian libretto by Lorenzo Da Ponte in 1787. It is an opera after Gluck’s opera reform. This essay will compare the recorded stage performance produced by The Metropolitan Opera released in 2000, and the film production by Joseph Losey released in 1979.

Koroglu is an opera by Uzeyir Hajibeyov. History of opera in Azerbaijan, epic of Koroglu comparing the libretto opera, the background of its composer also his role in music revolution, Arias and Opera, Azerbaijani music by itself with musicians’ viewpoints on this matter are main topics of this article.

مبحث اپرای کوراغلو اثر "ئوزیر حاجی‌بَی‌اُف"، ضمن ارائه تاریخ اپرا در آذربایجان به بررسی اجمالی زندگی مصنف می‌پردازد؛ در این گفتار کوراغلو و داستان حماسی او به طور مختصر گنجانیده شده و تفاوت‌هایش با لیبرتوی اپرا ذکر می‌شود. آریاها و موسیقی اپرا، نقش "ئوزیر بَی" در تاریخ تحولات موسیقی، به همراه بخش‌هایی کوتاه از پارتیتور، مطالب بعدی این مقاله است. چشم‌انداز جهانی آثار موسیقیِ آذربایجانی، و آراء و نظریات بزرگان هنرِ موسیقیِ آکادمیک درباره جایگاه این اثر از دیگر موضوعات این گفتار می‌باشد.

Este trabajo presenta un análisis estadístico de la actividad operística en España centrado en la programación y en el formato productivo de las óperas representadas en los últimos cinco años. Si bien existen trabajos académicos sobre la programación operística en España, no se ha encontrado literatura concerniente a los aspectos productivos, por lo que se pretende compensar el vacío académico.
Para poder efectuar este estudio primero se ha realizado un vaciado de las producciones representadas en los seis principales teatros españoles: Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Palau de les Arts de Valencia, ABAO-OLBE, Ópera de Oviedo y Teatro de la Maestranza. Para ello, se ha elaborado una cartelera que incluye parámetros relativos a la programación y a la producción  a fin de cuantificar, analizar y comparar la actividad operística. De esta forma, el análisis estadístico permite reflejar (1) los compositores más programados y el nivel de variedad e inclusión de la programación y, (2) la variedad de formatos productivos, la presencia de instituciones nacionales y extranjeras, la interacción entre los teatros nacionales, y la relación entre la programación y los formatos productivos.

Personalità della prestazione e regole contrattuali nella disciplina dei rapporti della lirica Sommario: 1. Tradizione e innovazione nel contratto di scrittura teatrale-2. La scelta dell'artista-3. La scritturazione dell'artista-4. Le prove-5. La protesta-5.1 I soggetti legittimati alla protesta-5.2 Forma ed esercizio della protesta-5.3 Impugnabilità della protesta-6. Le recite-7. Verso un nuovo modello di scrittura teatrale: le modifiche auspicate dagli artisti al contratto attualmente in uso 1. Tradizione e innovazione nel contratto di scrittura teatrale Negli ultimi anni sono comparse numerose pubblicazioni che profe-tizzano la fine dell'opera lirica e che, più in generale, descrivono la grave crisi in cui versa la musica classica nel mondo occidentale. Il primo apocalittico descrittore di questa realtà è stato Norman Lebrecht autore di due bestseller degli anni Novanta intitolati When the music stops e Who Killed Classical Music?: Maestros, Managers, and Corporate Politics; in tempi più recenti, sul tema è tornato il celebre critico musicale americano Conrad L. Osborne, che, nel libro Opera as Opera: the state of the art, afferma che «There is the sense of end times hovering about opera and classical music». È interessante notare come tutti questi scritti individuino, tra le cause del crepuscolo della musica colta, oltre che il calo degli ascoltatori e il progressivo invecchia-mento del pubblico, anche l'eccessiva "divizzazione" degli artisti. Direttori d'orchestra, cantanti e concertisti sono divenuti delle stars attorno alle quali ruotano managers, segretari, agenti e pubblicitari che spesso finiscono per mettere in secondo piano l'aspetto artistico culturale. Mi sembra interessante soffermarsi su un'affermazione di Osborne, il quale sottolinea che chi andava a teatro ai tempi di Mozart, Rossini o Verdi ci andava prima di tutto per sentire la musica, mentre chi va a teatro oggi ci va principalmente per sentire il divo o la diva di turno che cantano Mozart, Rossini o Verdi. Sulla veridicità di questa affermazione si potrebbe dissentire:

Written more than two hundred years ago, Wolfgang Amadeus Mozart and Lorenzo Da Ponte’s Le Nozze di Figaro addresses unequal social power. While Pierre Beaumarchais and Da Ponte clearly criticized class divisions in the original play and the libretto adaptation, scholars still debate whether Mozart commented on class conflict through the music. As a Gesamtkunstwerk, an opera must be reviewed thoroughly––its music, text, character development, dramatic flow, historical and social references, and performance practice––to fully understand. In this article, I examine musical setting in relation to its implied social gesture in four arias sung by the four leading characters in Figaro. I also discuss the character of the roles reflected by the music and their relationship with other leading roles. This study contributes to a more comprehensive understanding of Figaro and further discussions on this opera.

En los últimos tiempos, la gestión de públicos se ha convertido en una necesidad en el sector cultural. La época de crisis en la que nos hallamos inmersos, con los recortes en las subvenciones públicas y privadas, no ha hecho sino poner de manifiesto esta cuestión. La ópera, la más cara de todas las artes escénicas y con un público minoritario y envejecido, representa, probablemente, el caso más extremo de todos y, por tanto, un reto para sus gestores.

Durante la sesión, profundizaremos en las estrategias de gestión de públicos aplicadas al ámbito de la ópera, ilustrando cada una de ellas con buenas prácticas especialmente centradas en el contexto europeo. En concreto, repasaremos tres estrategias que dan respuesta a tres objetivos básicos: diversificar audiencias (atraer públicos con perfiles sociodemográficos distintos al de nuestro público actual); ampliar audiencias (atraer más personas del mismo tipo de público que ya asiste a nuestro teatro) e intensificar audiencias (público que ya asiste y al que queremos fidelizar incrementando su nivel de implicación).

O artigo investiga a performance do ascendente cantor falsetista Jakub Józef Orlinski para elaborar maneiras de trabalhar conflitos de gênero a partir das problemáticas de voz. Assim, volta-se para aparições e enquadramentos midiáticos do cantor, discutindo como embates hegemônicos sobre voz constituem sua presença. Neste processo, são agenciados debates sobre classificação vocal, tecnologias de corpo e mídia e sobre escuta, apontando como constituem problemas de gênero. Finalmente, reflete-se sobre como a voz é uma tecnologia pela qual nos atualizamos enquanto sujeitos e demonstra-se que ela pode abrir feixes pelos quais gênero se expõe como um processo contínuo de práticas discursivas e corporais. Este processo abre, no caso de Orlinski, espaços que enfatizam a fabulação sobre sua sexualidade.

With the operas "Frossini", "Markos Votzaris", "Despo" and dozens of songs of national character, Pavlos Carrer as a composer lays “the groundwork for the Hellenic melodrama” and takes decisive steps toward the creation of an independent Greek music school. He is a typical case of the pan-European national music school. Just like his Russian, Bohemian or Scandinavian colleagues, Carrer also gives precedence to opera and vocal music which he considers as the appropriate musical vehicle, he turns to local colour and national subjects, choosing the plots of his operas from episodes from the recent Greek history, featuring local and national heroes.

Resumen
A mediados del siglo XIX, el tema de la instauración del género lírico nacional preocupaba a los compositores españoles. Entre los as- pectos necesarios para conseguir el a anzamiento del género, el más controvertido fue cómo lograr eludir la in uencia de la hegemonía lírica italiana a nivel compositivo. En este contexto, Joaquín Espín y Guillén escribió Padilla o El asedio de Medina (1845), considerada por sus con- temporáneos como la primera ópera española. La ópera —ambientada en la época de emperador Carlos V— trata sobre el movimiento de los comuneros y presenta como uno de los personajes centrales a María de Pacheco, mujer del héroe Juan de Padilla. En este artículo se estudian las características del rol femenino encarnado por María de Pacheco en relación con el estereotipo femenino romántico (especialmente en aquellas óperas italianas decimonónicas basadas en una temática his- tórica), y la pertinencia de este rol femenino en la construcción del gé- nero lírico nacional.
Palabras clave: Ópera, nacionalismo español, Padilla, comuneros, rol femenino.

Abstract
In the Mid-Nineteenth-century, Spanish composers were concerned about the establishment of a national lyric genre. Among the issues per- taining to the consolidation of the genre, the most controversial was how to avoid the in uence of the hegemony of the Italian opera at the com- position level. In this context, Joaquín Espín y Guillén composed Padilla o El asedio de Medina (1845), considered to be the  rst Spanish opera by his contemporaries. The opera —set in the period of Carlos V— deals with the revolt of the comuneros (commoners) and María de Pacheco, wife of the hero Juan de Padilla, is presented as one of the principal characters. This article studies the features of the female role embodied by María de Pacheco in relation to the female romantic stereotype (particularly in nineteenth century Italian operas based on historical themes) and the re- levance of this female role in the construction of the national lyric genre.
Keywords: opera, national, Spanish, Padilla, comuneros, female role.

Cavour definì la lirica come una vera e grande industria che ha ramificazioni in tutto il mondo. L’affermazione dello statista, valida ancora oggi, non solo dimostra l’importanza economica di questa complessa forma d’arte, ma implica necessariamente il ricorso a un vasto corpus normativo che ne consenta il funzionamento.
Il presente volume intende, pertanto, analizzare le regole di diritto privato che disciplinano l’attività di un teatro lirico, concentrandosi, in particolar modo, sugli aspetti contrattuali. L’opera evidenzia la forte influenza che gli usi originati nella prassi teatrale esplicano ancora oggi e avanza alcune proposte di riforma tese a rendere più efficiente il sistema della lirica in Italia e a riequilibrare la situazione di svantaggio nella quale, di norma, l’artista lirico si trova ad operare.
Una riflessione su questi aspetti appare oggi di particolare interesse, stante l’annunciata adozione, da parte del Ministero dei beni culturali, di un Codice dello Spettacolo che andrà a ridisciplinare anche il funzionamento dei teatri lirici.

Вокальная техника является технологическим звеном «вокально-интерпретационной
модели», «продуктом» многосторонней работы певца по интерпретации музыкального
произведения. Характеристики голоса могут быть качественными только на основе еди-
ного комплекса всех остальных эффективно функционирующих компонентов. В эпоху
Барокко выбор приемов звукоизвлечения, звуковедения и пр. осуществлялся самими во-
калистами в соответствии с общепринятыми тогда правилами.

Para salir del bucle de la identidad que idea fronteras personales y políticas, construye un 'otro' extraño, exótico y peligroso, es necesario deconstruir ese fantasma para encontrar la persona que se encuentra detrás con la que poder dialogar e intercambiar, con la que subsumirse en una nueva personalidad mestiza que supere el miedo mediante la empatía.

The Janitor — what is it?  Well, it is not about religion, politics, socio-economics, or the newest world order… it is about the universal concepts of love and the intersection of music, science, poetry/literature.  This is a comic opera as we watch two people overcome their jobs, bosses, temptation, and lots of people who ‘think they know’ in order to engage in the simplest of actions.  Along the way we’ll upend everything from our views of Creation and the Universe, to the Scholars who try to explain it to us, and even the most beloved of Fairy Tales and Airline safety as the Janitor takes us on a universal and personal odyssey - with some inspiration from Kurt Vonnegut.  This comic opera premiered in September 2019 at the El Camino College Campus Theater, Torrance, California.

What exactly is the relation between music, our origin(s) and our end(s)? Is the danger intrinsic to music that philosophers and thinkers like Pascal Quignard, Deleuze and Guattari, and even neuroscientists like Daniel Levitin related to our musical relation to our fantasied births and deaths? Focusing particularly on Wagner's music, but also on musicians like Diamanda Galas, Laibach, Lingua Ignota, and Dorian Electra, this essay examines the dangers of archephonai or "originary sounds," as well as--through their dangerous nature--their potential as pharmaka.

Antônio Carlos Gomes (1836-1896), estudou no Conservatório do Rio de Janeiro e no Conservatório Real de Milão onde iniciou exitosa carreira como operista. Suas relações de identidade, sua obra e seu papel como compositor ilustrado na formação de uma identidade nacional para o Brasil tem sido alvo de estudos (VOLPE, 2002). Seu maior sucesso foi Il Guarany, estreada no Teatro alla Scala em 19 de março de 1870. Baseada no romance de Jose de Alencar de temática indigenista, o libreto de Antonio Scalvini, complementado por Carlos D’Ormeville, permitiu trânsito seguro ao compositor para aborda-lo musicalmente dentro da estética de grand-opéra e do exotismo. Provavelmente este aspecto, combinado com a fluência melódica de Gomes, tenha lhe garantido substancial e duradouro sucesso. O desejado exotismo está centrado nas figuras de Pery e do Cacico, dois dos pontos cardinais do pentágono dramático completado por Cecilia, Don Antonio de Mariz seu pai e Gonzales. Ao longo das décadas, diferentes apropriações dessas duas figuras exóticas constam na iconografia. Se as ilustrações tem forte conteúdo de percepção autoral, as fotografias atestam um fato mais concreto, porém ainda perceptivo. Essas fontes permitem observar a relação entre realidade, a transformação da realidade no conceito de otherness (segundo Said, 2007) e a interpretação dessa trans-formação nos periódicos da época. A distância entre a realidade do índio e sua representação no palco é incomensurável, compreensível e parte integrante da licença da arte operística, particularmente no que se refere à ópera italiana do século XIX. Mesmo na aceitação do irreal, a análise iconográfica permite discutir a relação entre ditas três con-dições. Se o primado do exótico era fonte de interesse à ópera do século XIX, a melhoria das comunicações e de deslocamento rápido ao longo do século XX modificou a percepção do exotismo, contribuindo para uma menor aceitação de obras como Il Guarany de Gomes e, por conseguinte, o relativo esquecimento a que foi relegada.

Antônio Carlos Gomes (1836-1896), one of the most famous opera composers of Italian Opera from the Americas during his lifetime, is still largely unknown outside his home country of Brazil. Gomes lived and trained in Milan for several years, starting in 1864, with four of his operas premiered at La Scala. His output spans the heights and collapse of the Brazilian empire, and the rise of the so-called Italian Risorgimento. Gomes’s operas are here situated during these transitional times in both Brazil and Italy. The focus of this study is Gomes's opera Lo schiavo (The Slave), premiered in Rio de Janeiro in 1889, and it reevaluates Gomes’s artistic achievements within Italian musical and dramatic traditions. Lo schiavo is shown to be not only an exemplar of contemporary musical practices; it points forward to verismo operas such as Cavalleria rusticana (1890) by Pietro Mascagni (1863-1945), Pagliacci (1892) by Ruggero Leoncavallo (1857/58-1919), and La bohème (1896) by Giacomo Puccini (1858-1924). At the same time, Lo schiavo displays Brazilian influences, broadening our cultural understanding of Gomes’s creative output. An abolitionist and multiracial individual, Gomes aimed in Lo schiavo to celebrate the abolition of slavery in Brazil, declared one year before the premiere of his opera. On account of complex political developments in the country and because of references to the old regime in the libretto, the opera was not performed in Brazil in the following years, while copyright issues prevented Lo schiavo from being performed in Italy. Not only the opera reflects the subject of slavery during and before the time it was composed, Lo schiavo's subject also remains relevant today, as issues concerning racial inequality and conflict in both Brazil and the United States continue to be observed. In the four main chapters of this study, I situate Lo schiavo in Gomes's life and work, analyze key musical and dramatic features of the opera in the context of then current Italian opera traditions and other national influences, and finally explore aspects of the opera that are distinctively Brazilian. With this project I aim to stimulate a revival of interest in Gomes's music outside of Brazil and to promote reconsideration of Lo schiavo, not only for its musical riches but also for its historical lens on social issues of ongoing importance.

This study is a documentary contribution to the history of aesthetics in Argentina. It collects, comments, and contextualizes the programs of the courses taught by Mariano Antonio Barrenechea as Professor of Aesthetics at the Faculty of Philosophy and Literature of the University of Buenos Aires between 1922 and 1930.

En este artículo se analiza Parsifal (1882), última obra del compositor
alemán Richard Wagner, centrando la atención en una peculiar concepción del Tiempo manifestada principalmente por el material musical, en profunda articulación con texto y escena. Con ayuda de esto se intenta desvelar el sentido de las últimas palabras de la obra, “Erlösung dem Erloser”, como expresión de la decadencia de un orden imposible de restaurar a pesar de la intervención de Parsifal, idea determinada por laisintomatología de toda una época que está en la raíz del proyecto wagneriano.

The colourful life of Giacomo Puccini and his weakness towards women has been confirmed in documents and letters that have intrigued researchers for a long time. His flamboyant character, fame and social position attracted the attention of women, among whom were both famous
persons, such as Sybil Seligman, and common girls, such as Doria Manfredi,the young servant in Puccini's house. The jealous Elvira Puccini suspected Doria of having an affair with her husband, which pushed the latter to suicide as a result of slanderous accusations. The character of
Doria is presented by Liu in "Turandat". Her story, however, hides a certain theme, which may have escaped the biographers' remarks. The following article attempts to uncover the identity of the mysterious woman with whom Puccini bonded emotionally and ascertain whether the character
of Minnie from "La Fanciulla del West" can be considered her musical reflection.

Pavlos Carrer [Paolo Carrer] decided to compose "Despo" in summer 1875 after visiting the then newly-founded Athens Conservatoire. As part of his high mission to establish a national music school with opera as its crowning achievement, according to the model of European national music schools, the composer undertook to set to music a melodramatic work, entitled "Despo", written by a drama teacher at the Conservatoire, Antonios Manousos, in order for it to be used as a practice piece by the “students of vocal and instrumental music”. Apart from being a drama teacher, the Corfiot Antonios Manousos was also a prolific poet, author and translator, distinguished for his contribution to the collection and publication of folk songs. As a result, the one-act play he suggested to Carrer, The tragic death of Despo and her daughters-in-law at Dimoula’s tower, is imbued with his hands-on and in-depth contact with the Greek folk literary tradition, and theatre.

In this chapter I address both classical and quantum mechanical modeling approaches to psi phenomena including those pertaining to the role of psi phenomena such as the psi-mediated instrumental response (PMIR) and relative need-serving qualities of psi, psychokinesis as a pri- mary psi process, and psi as a product of evolution via Darwinian theory. In addition, I address classical models including electromagnetic models, energy field models, and the zero-point field model. I address the associations of psi phenomena with quantum theory, and new approaches to such phenomena via quantum mechanical modeling. Also included is an overview of funda- mental quantum mechanical laws, principles, and issues in regards to psi such as the Heisen- berg uncertainty principle, superposition, quantum computation, decoherence, entropy, infor- mation processing, wave function collapse, and the measurement problem. I elaborate on the essential role of quantum information theory in regards to psi phenomena, the view of compu- tational living systems, the macroscopic challenge for quantum computation and psychical re- search, the quantum efficiency of psi, and the non-local communicative nature of psi. In addi- tion, I address the part played by Nature in regards to the mediation of psi via my own hypo- thesis addressing Nature as an experient accessible universal information processing and sto- rage system with features of four dimensionalism. I address geomagnetic entanglement and permanent and seemingly macroscopic entanglement in regards to psi. Importantly, I briefly call for a redefinition of precognition, that does not defy the principle of causality (arrow of time), as a result of experient access to Nature’s probabilistic computations in real-time (i.e. once we start to view Nature as a quantum computational system, or similar to the human brain e.g. in regards to predictive coding, we will begin to see that it may not be the “future” experients of precognition receive, but rather probability based on past and real-time events calculated by the system).

Key Words: psi phenomena, role of psi, psi-mediated instrumental response, psychokinesis, evolution, Darwinian theory, electromagnetic models, energy field models, zero-point field, quantum theory, Heisenberg uncertainty principle, superposition, quantum computation, decoherence, entropy, information processing, wave function collapse, measurement problem, quantum information theory, non-local communication, mediation of psi, univer- sal information, four dimensionalism, geomagnetic entanglement, macroscopic entanglement, precognition, prin- ciple of causality, arrow of time, predictive coding, probability.