Spanish Opera

Este trabajo presenta un análisis estadístico de la actividad operística en España centrado en la programación y en el formato productivo de las óperas representadas en los últimos cinco años. Si bien existen trabajos académicos sobre la programación operística en España, no se ha encontrado literatura concerniente a los aspectos productivos, por lo que se pretende compensar el vacío académico.
Para poder efectuar este estudio primero se ha realizado un vaciado de las producciones representadas en los seis principales teatros españoles: Teatro Real de Madrid, Gran Teatre del Liceu de Barcelona, Palau de les Arts de Valencia, ABAO-OLBE, Ópera de Oviedo y Teatro de la Maestranza. Para ello, se ha elaborado una cartelera que incluye parámetros relativos a la programación y a la producción  a fin de cuantificar, analizar y comparar la actividad operística. De esta forma, el análisis estadístico permite reflejar (1) los compositores más programados y el nivel de variedad e inclusión de la programación y, (2) la variedad de formatos productivos, la presencia de instituciones nacionales y extranjeras, la interacción entre los teatros nacionales, y la relación entre la programación y los formatos productivos.

We propose an analysis of the pasodoble as a musical and theatrical topic in stage repertoires (i.e., zarzuela and opera) during the 19th and 20th centuries. In the most common case of popular genres, such music appears linked to contexts of merry celebrations, often as a token of national or regional praise. However, this rhythm is also ironically used as a metaphor of irrational violence and passion, in some heavier works. That critical sense can sometimes be credited to the «anti-flamenco» stream raised among the intelligentsia in the environs of the «generation of 1898». In that regard, we find highly explanatory the case of Manuel Penella’s opera 'El Gato Montés' (Valencia, 1917), together with the circumstances and reception that surrounded its own premiere. Finally, the ambivalent semantics of the theatrical pasodoble is displayed at full blast in the work of Pablo Sorozábal (1897-1988), an author that somehow represents the last word of that Spanish stage tradition. Moreover, we observe some remarkable gender and political connotations in many of those titles, due to the historical bounds of the pasodoble with military and bullfighting milieus.
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Análisis de la presencia del pasodoble como tópico músico-teatral de los repertorios líricos (zarzuela y ópera) de los siglos XIX y XX, en relación con su contexto escénico y social. En el caso mayoritario de los géneros más populares, se comprueba que tales músicas aparecen ligadas a situaciones de celebración festiva, a menudo con un claro componente de exaltación nacional o regional. Sin embargo, otras obras de talante más trágico también hacen usos irónicos de este ritmo como metáfora de violencia y pasión irracionales. Este sentido crítico puede relacionarse con el discurso «antiflamenquista» común a intelectuales del entorno de la llamada «generación del 98». A este respecto, resulta muy ilustrativo el caso de la ópera El Gato Montés (Valencia, 1917), de Manuel Penella, incluidas las circunstancias y la recepción que acompañaron a su estreno. Por fin, la ambivalencia semántica del pasodoble escénico alcanza su punto culminante en la obra del último gran representante de la tradición lírica española, Pablo Sorozábal (1897-1988). De especial interés son las connotaciones políticas y de “género” que muchas de estas expresiones adquieren en virtud de la histórica asociación del pasodoble a entornos militares y taurinos.

El objeto de la presente Tesis doctoral es el estudio y análisis de las óperas españolas producidas en Madrid en su etapa embrionaria, es decir, desde 1868 hasta 1878, período en el que se produjeron las primeras óperas del segundo estilo romántico español, 'Don Fernando el Emplazado' de Valentín Mª de Zubiaurre, y 'Una Venganza' de los hermanos Manuel y Tomás Fernández Grajal, compuestas en torno al Concurso organizado a finales de 1867 para premiar óperas escritas en castellano y compuestas por artistas españoles. Se trata de la década que supondrá el inicio de la verdadera etapa de auge de la ópera nacional española, protagonizada por autores tales como Ruperto Chapí, Tomás Bretón, Valentín Mª de Zubiaurre, Emilio Serrano y los hermanos Grajal, entre otros.
El enfoque adoptado no es el meramente analítico desde el punto de vista tanto musical como literario, sino que aparece contextualizado dentro del repertorio operístico internacional y del autóctono (zarzuela y género chico), se reflexiona sobre las diferencias entre el género de la ópera española y de otros de carácter autóctono como la zarzuela, se estudian las motivaciones y aspiraciones que tuvieron sus creadores, los gustos de la sociedad en la que se pretendió implantar el nuevo género, la ideología imperante que determinó la razón de ser del mismo, las infraestructuras con las que contaban los compositores en Madrid, el papel jugado por las instituciones y su viabilidad empresarial.
Por otro lado, el análisis exhaustivo de las óperas conservadas ha permitido establecer dos corrientes diferenciadas (la popular o nacionalista, que pretendía fundar el nuevo género a partir de la restauración de la zarzuela grande; y la universalista, que partía de modelos europeos con el fin de trascender las fronteras nacionales, sin menoscabo del recurso en mayor o menor medida a los bailes y cantos populares españoles), dar luz sobre el estilo adoptado por los compositores españoles (desde el más puro estilo lírico de Bellini/Donizetti/Verdi hasta el drama Wagneriano y el uso del 'leitmotiv' por parte de Chapí en su última ópera de juventud, pasando por la adopción del lenguaje más contemporáneo de la escuela operística francesa), y reflexionar sobre las causas del fracaso económico de la ópera nacional en España.
Finalmente, en un segundo volumen se aportan las ediciones críticas de tres de las óperas que se estrenaron en esta década: 'Don Fernando el Emplazado' de Zubiaurre, y 'Las naves de Cortés' y 'La hija de Jefté' de Chapí.

An overview and analysis of the music theatre of Pablo Luna (1870-1941), first published in 'El arte de teatro' (Madrid, Fundación Guerrero, 2016 ed. Alberto González Lapuente and Alberto Honrado Pinilla) {{ISBN|978-84-617-4100-7}. The chapter was slightly revised in April 2021.

El artículo relata el proceso de recuperación de una ópera inédita de José de Nebra, Venus y Adonis (Madrid, 1729), desde la investigación documental en archivos y el estudio crítico de fuentes hasta la preparación de una edición crítica para el estudio y una edición práctica destinada a la interpretación. El proceso concluye con la interpretación, en salas de conciertos, de la obra y su grabación y transmisión por diversos medios. El artículo incluye una reflexión sobre los criterios y
límites de la recuperación de patrimonio musical histórico.

This paper deals with the process of recovery of an unpublished opera by José de Nebra, Venus y Adonis (Madrid, 1729), starting from the documentary research in archives and the critical study of sources and continuing with the preparation of a critical and practical edition for both study and performance. The process concludes with the performance, in concert halls, of the work and its recording and transmission by various media. The article includes a reflection on the criteria and limits of the recovery of historical musical heritage.

The essay considers the Royal Theatre of Madrid from the point of view of the impresario Ramón de Michelena, who managed it by himself from 1884 to 1894. New documents coming from his familiar archive are used. To beging with, an account of the Theatre in these years is presented paying attention to the main problems affecting the production of opera, as for instance the continuity of an old-fashioned repertoire and the splitting of the public into opposing groups that contested the impresario decissions. Texts by critics and composers leading musical debates at the time are used to achieve this goal. The main issues of Michelena’s management are then discussed. Finally, several documents of the archive are used in order to reconstruct the process of recruitment of singers, with emphasis on the evaluation of the voices and the role played by theatrical agents and music editors, as Ricordi, based in Milan.

[Del programa de mano] Esta coproducción de Los elementos de Antonio de Literes (1673-1747) supone la primera incursión del formato Teatro Musical de Cámara en el suntuoso mundo del barroco musical hispano. Con un elenco exclusivamente femenino y una orquesta de dimensiones reducidas –según convenciones de la época–, esta ópera fue compuesta en Madrid para celebrar el cumpleaños de la duquesa de Medina de las Torres. En la privacidad de su palacio tuvo lugar el estreno alrededor de 1705. Es, así, un ejemplo paradigmático de la ópera de cámara del barroco español tan infrecuente hoy en nuestros escenarios.

El compositor, director y empresario Pablo Sorozábal permanece en la memoria de entendidos y aficionados como uno de los más brillantes y carismáticos músicos teatrales de su generación. Formado entre la Belle Époque donostiarra y la convulsa Alemania de entreguerras, la trayectoria de quien ya era firme promesa de la música vasca experimentó un giro vertiginoso a raíz del estreno de su opereta Katiuska (Barcelona, 1931), verdadero icono de la escena republicana. A partir de ese momento, el autor volcó toda su energía en actualizar y dignificar una tradición lírica amenazada por la competencia de nuevas formas de ocio, aunque amada por sectores del público amplios y diversos. Su legado en este terreno compendia todas las formas y géneros dramáticos vigentes en su tiempo, del sainete a la ópera; y constituye, en la práctica, el último eslabón creativo del rico entramado artístico y comercial de la zarzuela hispana.
El estudio de este repertorio nos acerca así a todo un capítulo de la historia teatral, musical y sentimental de un pasado aún reciente, retratando la carrera profesional del músico en su necesaria adaptación a las violentas transformaciones de la sociedad española durante las décadas centrales del siglo XX. Además, ofrece al investigador un privilegiado muestrario documental para comprender los complejos mecanismos expresivos por los que la música comunica significados concretos que alcanzan el corazón y la razón de sus oyentes. El presente libro se articula en dos ejes complementarios, histórico y analítico, con el fin de desentrañar las claves semióticas y estéticas del discurso sonoro de un corpus de veinte títulos originales, sin perder de vista su contexto escénico ni el entorno cultural en que surgieron.
En una era de creciente hermetismo artístico, Sorozábal no dudó en desarrollar su ideal de “música humana” de forma ecléctica y heterodoxa, hasta reivindicarse como “un músico del pueblo”. Tres décadas después de su fallecimiento, el duradero éxito de estas propuestas certifica el talento, sabiduría e inspiración de su creación, y corrobora su interés como objeto musicológico.

An aesthetic analysis of Pablo Sorozábal's theatrical output, focused on his two operas 'Adiós a la bohemia' (1931) and 'Juan José' (1969) as key tokens of Spanish cultural challenges during the 20th Century.
In: "La zarzuela y sus caminos: del siglo XVII a la actualidad" (Tobias Brandenbergen, Antje Dreyer, eds.). Münster, LIT Verlag, 2016, pp. 281-305.

Frente a persistentes sombras de subdesarrollo y decadencia, la sociedad española avanzó a lo largo de la segunda mitad del s. XIX en una dinámica ascendente de modernización y europeización que culminó en una auténtica “Edad de Plata” de la cultura y las artes durante las primeras décadas de la centuria siguiente. Este proceso suscitó controversias entre puristas de la tradición “castiza” y defensores de la inevitable asimilación de “barbarismos” externos, según una dialéctica explicitada ya en 1895 por Miguel de Unamuno (En torno al casticismo). En el terreno musical, la doctrina nacionalista apuntalada por Felipe Pedrell a finales de siglo induciría a una mayoría de compositores a esforzarse por legitimar sus creaciones invocando supuestas esencias históricas o populares; una tendencia que a menudo ha conducido a obviar o incluso minusvalorar el profundo cosmopolitismo subyacente en muchas de sus propuestas.
Paralelamente, el desarrollo de formas y estéticas de vanguardia implicó, como en el resto de Europa, una drástica escisión entre los gustos de una élite intelectual y los del gran público de masas; un dilema de recepción que Ortega y Gasset definió en 1925 como “deshumanización” artística. Entre tales coordenadas desplegó su teatro lírico Pablo Sorozábal (1897-1988), quien realizó ejemplares ejercicios de compromiso para aunar su vocación de modernidad y popularidad, adaptando con éxito modelos de opereta y Zeitoper centroeuropeas al contexto hispano. En concreto, el análisis musical y dramatúrgico de sus dos únicas óperas, Adiós a la bohemia (1933) y Juan José (1969), nos revela la faceta más personal de este autor en su afán por actualizar y trascender la tradición del “género chico”; así como los límites y contradicciones de los varios discursos estéticos y circunstancias que condicionaron su producción.

Se trata de la segunda ópera del catálogo del compositor de origen vasco Valentín Mª de Zubiaurre, considerada a su vez la primera ópera nacional española decimonónica, compuesta a raíz del concurso surgido a finales de 1867 para premiar óperas escritas en castellano y de compositor español. Fue estrenada en el Teatro del Alhambra el 12 de mayo de 1871 y repuesta en el Teatro Real de Madrid el 5 de abril de 1874, en una versión reducida. El reparto en la noche del estreno en la Alhambra fue el siguiente: Clara Nueros de Hunt (Estrella, soprano), Carmen González de Neda (Violante, soprano), Guillermo Hunt (Fernando IV, barítono), Antonio Oliveres (Pedro de Carvajal, tenor), Juan Fernández Cortés (Rodrigo, tenor), Javier Galardi (Juan de Carvajal, bajo), Vicente Polo (paje, tenor).
Para más información se puede consultar la Tesis titulada 'La ópera en la escena madrileña (1868-1878)', pp. 227-325.
También se puede consultar una grabación existente (organizada por el autor de la edición) a partir de la recuperación de los momentos más destacados de la ópera para soprano y barítono, en versión para piano y canto (disponible en YouTube con el título "Joyas de la ópera española. Zubiaurre").

A survey of audio and video recordings of Sorozábal's 1936 zarzuela, 'La tabernera del puerto', from the year of its premiere until 2006. The essay covers complete recordings, conducted by the composer and others, as well as fragments (including the famous tenor 'romanza' 'No puede ser'.)

Opera or zarzuela? That was the question posed by Spain’s intelligentsia in the middle years of the 19th century. Would the nation’s artistic reputation be best served by imitating other European states and national movements, in developing distinctively Spanish, through-written forms through the creation of a National Opera? Or should Spain continue to develop zarzuela, the country’s popular, vernacular form? In 1864, two substantial pamphlets by leading composers Rafael Hernando and Francisco Barbieri crystallised the arguments; and although the debate itself may have been consigned to history, the vigour with which they address the creation of opera and music theatre, its production and reception, still has much to tell us. Christopher Webber's English translations for Couthurst Press (2021) are supported by an Introduction and full notes to both pamphlets.

En el presente libro se pueden encontrar editadas por primera vez las “comedias con música” de Las amazonas de España (1720) y La hazaña mayor de Alcides (1723), de José de Cañizares, así como también las piezas breves que acompañaron a estas representaciones en el Coliseo del Buen Retiro. En el caso del festejo de 1720, las puertas del Coliseo se abrieron para celebrar el nacimiento del infante don Felipe de Borbón, mientras que en 1723 la comedia formó parte de los festejos que se hicieron con motivo del compromiso matrimonial –nunca consumado– del infante don Carlos de Borbón (futuro Carlos III) con la princesa Felipa Isabel Borbón-Orleans, segunda hija de Felipe de Orleans regente francés durante la minoría de edad de Luis XV. Ambos textos se acompañan de un innovador estudio que, desde la perspectiva de los estudios de la corte, hace especial hincapié en las circunstancias materiales del teatro palaciego, así como el papel desempeñado por la temprana ópera española en la diplomacia de la corona del rey Felipe V.

Employing current theories of ideology, propaganda and musical reception, Transatlantic Arias examines the development and impact of early opera in Spain and the Americas through close examination of the New World’s first three extant operas. What emerges is an amazing history of extraordinarily complex lyrical and musical works for their time and place, which are also critical for illuminating inimitable perspectives on the cohabitation and collaboration of indigenous groups and Europeans.

En este artículo se sugieren algunas de las relaciones textuales, paratextuales e intertextuales –tanto de forma, como de contenido– que se establecen entre un sainete escrito en 1924 y su primera adaptación cinematográfica publicada al año siguiente.

El libreto original, escrito por Antonio Estremera y Carlos Arniches, con música de Jacinto Guerrero, fue fuente de inspiración para el afamado director Manuel Noriega, quien se apoyó en un guion de Carlos Primelles –hoy en paradero desconocido– para llevarla a la gran pantalla.

Esta película, que se creía perdida, fue adquirida en 1991 por la Filmoteca de Zaragoza, quien la compró junto a otras joyas cinematográficas al coleccionista aragonés Raúl Tartaj.

Por primera vez en casi noventa años, y en el seno de su restauración por inciativa y colaboración de varias instituciones, se presentan algunas de sus características fílmicas y se muestran algunas peculiaridades de su composición artística y narrativa.

Manuel Manrique de Lara (Cartagena, Murcia, 1863; St. Blasien, Alemania, 1929) es uno de los personajes más singulares de la España de la Restauración, con una biografía fascinante en la que la pasión por el arte se entremezcla con sus deberes militares, como General de la Infantería de Marina, participando en algunos de los acontecimientos históricos más significativos de su época.

Este libro constituye el estudio global de la obra y figura de Manrique de Lara, personaje destacado en la vida cultural madrileña a inicios del siglo XX, cuya sensibilidad y talento para el arte se manifestó de manera versátil en diversas vertientes artísticas. Hay que destacar sus facetas de crítico y compositor, que desarrolló con demostrada coherencia entre ambos tipos de discursos, y cuyo análisis permite en este libro nuevas lecturas sobre procesos de recepción y asimilación de nuevas corrientes musicales de la época. Manrique de Lara se presenta como un esteta, mientras la crítica musical experimentaba un momento de profesionalización en la prensa, donde el autor defendió unos ideales homogéneos, de tendencia idealista e inspiración nacionalista.

El magisterio de Ruperto Chapí fue determinante para Manrique de Lara, tanto en su orientación estética como en el dominio del oficio compositivo. No en vano, fue considerado el heredero directo de Antonio Peña y Goñi en la crítica musical por su confeso wagnerismo, desde las páginas de El Mundo, entre otras cabeceras. En este libro se analiza la propuesta crítica de Manrique de Lara en un estudio transversal, a partir de los temas que más influyeron en sus escritos, y en conexión con los principales movimientos culturales y filosóficos del momento, para entender, al fin, la idea de modernidad del músico. La revisión de la labor de Manrique de Lara en el asentamiento de Wagner en la capital española, así como su valor como introductor de la música de Richard Strauss en España, o la ambivalencia de su discurso en torno a Verdi, mientras rechazaba frontalmente el moderno arte francés -tanto en la vertiente musical como pictórica-, se plantean en algunos de los capítulos clave de este libro, para entender la postura del autor, dentro del panorama crítico-musical de su época, que fue donde ejerció especial influencia.

Asimismo, en el libro se reevalúa la labor de Manrique de Lara como compositor, y su peso en la música instrumental, a través de obras como La Orestiada, teniendo en cuenta la tradición de la música sinfónica española y también de cámara en el siglo XIX. Paralelamente, se realizan aportaciones al patrimonio musical, con análisis de las obras instrumentales y de teatro musical hasta ahora inéditas del autor, como el poema sinfónico Leyenda o la zarzuela en tres actos, El ciudadano Simón. Como refleja el libro, en la obra compositiva de Manrique de Lara se traduce un claro avance hacia la composición del drama lírico nacional, en paralelo al apoyo hacia los proyectos asociacionistas de su maestro, Chapí. Junto con Chapí, Marcelino Menéndez Pelayo fue la otra gran figura de la cultura española que más influyó en Manrique de Lara, mientras éste abría paso a sus investigaciones romancísticas.

La composición del drama lírico Rodrigo de Vivar, que pretendía ser la síntesis del programa artístico de Manrique de Lara, dirigió sus investigaciones hacia la tradición lírica popular, en relación a la poesía épica castellana, lo que derivó en su interés por el Romancero, dentro de la vertiente histórica y filológica de orientación nacionalista del Centro de Estudios Históricos que dirigió Ramón Menéndez Pidal. Así, en este libro se incide en el interés de Manrique de Lara por recuperar, interpretar y difundir el patrimonio musical e histórico español, influido por ideas krausoinstitucionistas. De este modo, se analiza la labor de Manrique de Lara como folklorista en el contexto de su vida y obra, especialmente en relación a su proyecto regeneracionista de ópera española. En este sentido, el libro muestra cómo se entrecruzan sus trabajos como folklorista y musicólogo, poniendo en valor el caso de Manrique de Lara junto a otros autores españoles de intereses similares.

Con este libro se busca, en suma, cubrir huecos a través del estudio de autores hasta ahora poco transitados por la musicología española, como es el caso de Manrique de Lara -a quien debemos su redescubrimiento al querido Luis G. Iberni-, para conducirnos, sino a posibles replanteamientos, a una comprensión más completa de una época de la música española.

El objeto de la presente Tesis doctoral es el estudio y analisis de las operas espanolas producidas en Madrid en su etapa embrionaria, es decir, desde 1868 hasta 1878, periodo en el que se produjeron las primeras operas del segundo estilo romantico espanol, 'Don Fernando el Emplazado' de Valentin Ma de Zubiaurre, y 'Una Venganza' de los hermanos Manuel y Tomas Fernandez Grajal, compuestas en torno al Concurso organizado a finales de 1867 para premiar operas escritas en castellano y compuestas por artistas espanoles. Se trata de la decada que supondra el inicio de la verdadera etapa de auge de la opera nacional espanola, protagonizada por autores tales como Ruperto Chapi, Tomas Breton, Valentin Ma de Zubiaurre, Emilio Serrano y los hermanos Grajal, entre otros. El enfoque adoptado no es el meramente analitico desde el punto de vista tanto musical como literario, sino que aparece contextualizado dentro del repertorio operistico internacional y del autoctono (zarzuela y...

Crítica de 'Las golondrinas', de Usandizaga y Martínez Sierra, en el Teatro de la Zarzuela de Madrid (octubre-2016).
Review on Usandizaga and Martínez Sierra's 'Las golondrinas' at Madrid Teatro de la Zarzuela (oct.-2016) - trans.: Christopher Webber.