CAR - Ene 23

EL ARTE EN TODAS SUS FORMAS… Y CON TODOS SUS RETOS

Esta edición es, sin duda, una de las más especiales que hemos hecho en los 20 años que lleva CARAS. Decidimos hacer todo un ejemplar dedicado al arte contemporáneo en nuestro país. Siempre a la vanguardia e innovando, en el mes de enero, nuestro protagonista de portada es Eugenio López, Presidente Ejecutivo de Grupo Jumex y Presidente de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo, un coleccionista y visionario, quien nos recibió en su casa para contarnos todas las experiencias vividas a lo largo de estos 10 años que lleva el Museo Jumex, en la Ciudad de México. Este 2023, celebramos una década de su apertura, y más que eso, celebramos 10 años en los que este recinto ha transformado el panorama artístico y cultural de nuestro país, y nos ha traído exposiciones de grandes artistas contemporáneos nacionales e internacionales. Por ello, quiero agradecer a Eugenio por dejarnos entrar a su hogar, y por contarnos anécdotas nunca antes dichas, así como detallarnos todo el esfuerzo que hubo detrás de este gran logro: el Museo Jumex.

Siguiendo por la línea de los personajes inspiradores, CARAS se ha dado a la tarea de destacar el papel de la mujer en la sociedad, por ello les traemos un listado de las mexicanas más destacadas en la escena artística del país, empezando por

la fotógrafa Graciela Iturbide y siguiendo con las arquitectas Frida Escobedo, y Tatiana Bilbao, la Directora del Museo Tamayo, Magalí Arriola, la diseñadora Carla Fernández, la creadora de la Galería Labor, Pamela Echeverría, la Directora del MARCO en Monterrey, Taiyana Pimentel, la fundadora de Zona Maco, Zélika García, las artistas Pía Camil y Bárbara Sánchez-Kane y la curadora y crítica de arte, Ana Elena Mallet.

También te traemos en exclusiva la cobertura de la inauguración del nuevo espacio de la Galería Kurimanzutto en Nueva York, en donde Mónica Manzutto y José Kuri, fueron los anfitriones del evento.

Para los amantes de los deportes, no se pueden perder una analogía entre el arte y el deporte y un artículo sobre la colección de arte de los Windsor, que es una de las más grandes e importantes del mundo.

Quiero agradecer eternamente, al autor intelectual de este concepto de hacer una edición de arte, mi querido Rafa Micha, quien, durante un desayuno, plante ó esta maravillosa idea y que hoy llevamos a cabo con una emoción total.

Gracias a ustedes lectores que siempre están al pendiente de nuestras historias, porque es gracias a ustedes, que nosotros nos retamos día a día, a traerles lo mejor de lo mejor.

La más grande figura de la gimnasia artística es Nadia Comaneci, primera en conseguir una calificación perfecta en Juegos Olímpicos.

ARTE Y DEPORTE: DOS

MUESTRAS DE LA CREATIVIDAD HUMANA

Aunque solemos verlos como mundos separados, el arte y el deporte han caminado de la mano durante milenios. A continuación exploramos la relación entre estos dos conceptos y celebramos el talento y las habilidades de quienes los emplean para expresar y generar emociones.

Los artistas siempre han encontrado inspiración en el deporte y en los individuos que lo practican. Esta dinámica puede apreciarse en cada una de las siete bellas artes, empezando por la escultura. El Discóbolo de Mirón, por ejemplo, obra griega del siglo V que representa a un lanzador de disco y que hoy puede encontrarse en el Museo Nazionale Romano, es fruto de esta relación. Lo mismo puede decirse de ejemplos contemporáneos como el monumento que retrata a Michael Jordan en pleno vuelo y que se puede admirar en el United Center de Chicago.

En cuanto a la pintura, si uno ve “Les Courses à Longchamp”, la célebre obra de Édouard Manet que representa una carrera de caballos y que actualmente está en el Art Institute of Chicago, resulta evidente la emoción que dicho evento generó en el genio impresionista. Algo similar debe haber sentido el laureado cineasta Martin Scorsese respecto al boxeo que lo llevó a filmar, con Robert De Niro en el papel protagónico, el clásico Raging Bull que sigue la carrera y vida del boxeador Jake LaMotta. Un ejemplo más del séptimo arte es Rush de Ron Howard, cinta de 2013 que aborda la rivalidad entre James Hunt y Niki Lauda, grandes ídolos de la Fórmula 1.

¿Qué hay de la música? Basta con escuchar un par de acordes de Chariots of Fire de Vangelis, el tema principal de la película del mismo nombre, para sentir una descarga de adrenalina y ganas de correr tan rápido como puedan llevarnos nuestras piernas. Por supuesto, la literatura tampoco es ajena a las grandes gestas de los atletas. El boxeo hace su aparición en varios textos de Ernest Hemingway, desde cuentos como Fifty Grand hasta su célebre novela The Sun Also Rises. Por otro lado, todo amante del deporte blanco deberá leer alguna vez Roger Federer as Religious Experience, el ensayo publicado en New York Times Magazine en el que David Foster Wallace analiza con lujo de detalle al recién retirado genio suizo.

En cuanto a la arquitectura, un vistazo a los grandes estadios en los que se han jugado las Copas del Mundo, desde Maracaná en Río de Janeiro hasta el Olympiastadion de Berlín o Lusail en Qatar es suficiente para advertir el lazo que une a quienes diseñan los recintos y aquellos que los convierten en sitios sagrados con su entrega y talento.

Finalmente, la danza. Entre las artes, esta es la más cercana al deporte en cuanto a ejecución y cualquiera que ponga en duda los méritos atléticos de los bailarines no está poniendo atención. Estas personas combinan gracia, sutileza y belleza con una enorme capacidad física. Son individuos que, al igual que los deportistas, se expresan mediante sus cuerpos. Esa es, precisamente, la segunda manera en que arte y deporte están relacionados: en su capacidad de generar un impacto emocional tanto en quienes los realizan como quienes los disfrutan.

Así como una pieza musical puede conmover al melómano hasta las lágrimas, para un amante del deporte aquella rutina ejecutada a

El Príncipe Hubertus Von Hohenlohe, esquiador olímpico mexicano, fotógrafo y cantante es un ejemplo de alguien que se desempeña tanto en el deporte como las artes.

la perfección sobre las barras asimétricas por la entonces adolescente Nadia Comaneci, que le valió un 10 en 1976, es capaz de detonar un torrente de emociones que culmine en el llanto. Mientras que el pintor tiene como herramienta un pincel, el músico emplea un instrumento y el fotógrafo echa mano de una cámara, el atleta utiliza su propio cuerpo para expresarse y el resultado es igual de impresionante.

ARTISTAS OLÍMPICOS

Un dato que pocos amantes del deporte (o del arte) conocen es que durante las primeras ediciones de los Juegos Olímpicos modernos, a principios del siglo XX, se entregaban medallas también a pintores,

escultores y escritores. Los asistentes podían deleitarse con una reñida pelea de boxeo, una carrera en la pista y una detallada escultura, todo en el mismo evento. Esto respondía a la visión del barón Pierre de Coubertin, responsable por el movimiento olímpico, la cual englobaba ambas dimensiones del desarrollo humano y no veía una separación clara entre ellas.

El evento, como lo concibió de Coubertin, dejaba espacio a lo que podría describirse como el “Uomo Universale”, es decir el hombre, o la mujer, del Renacimiento, aquella persona interesada y hábil en una multitud de disciplinas. Un referente previo son los filósofos griegos que veían una enorme importancia en el desarrollo del cuerpo

a la par de su labor intelectual y artística. “Es vergonzoso envejecer por descuido, antes de ver qué clase de hombre se habría podido llegar a ser con la mayor hermosura y fortaleza física”, fue, de acuerdo con Jenofonte, la respuesta de Sócrates al ver que Epígenes, uno de sus acompañantes, estaba en una pobre condición física. El mismo Sócrates, quien estaba en buena forma y era un guerrero, escribió poesía en sus últimos días, dedicándola al dios Apolo.

El arte y el deporte no sólo no son excluyentes, sino que son complementarios y nos regalan espectáculos memorables. Son la evidencia más clara de que el ingenio y el talento humano no tienen límites. En CARAS lo celebramos.

Guerreras del arte

Genialidad, compromiso y talento son las constantes que definen a estas 11 mujeres que, con su quehacer en el mundo del arte, no solo han exaltado sus propios nombres y profesiones, sino que han llevado en alto el nombre de México.

Tatiana Bilbao

Hasta la raíz

Fue el escultor de origen indio Anish Kapoor, quien recomendó a su amiga, la diseñadora Stella McCartney, a la arquitecta mexicana para remodelar su casa y tienda en la calle Old Bond Street de Londres. Sin conocerla en persona, Kapoor ya sabía del trabajo de Tatiana Bilbao, quien en la primera década de los años 2000 ya contaba con una reputación internacional que la reconocía como una arquitecta con responsabilidad social cuya base era la sustentabilidad.

Hoy, el despacho de Tatiana atiende no solo a celebridades, sino que trabaja codo a codo con artistas como Ai Wei Wei. Proyectos en China, Francia, España y Estados Unidos, además de dar clases en universidades como Yale, consolidan su trayectoria.

SOBRE TATIANA

-En sus primeros años trabajó para el gobierno de la CDMX, en SEDUVI (Secretaría de Desarrollo Urbano y Vivienda).

-Su zona favorita de la CDMX es Paseo de la Reforma.

Ana Elena Mallet

Madame diseño

La investigadora, promotora, conferencista, curadora, escritora, Ana Elena Mallet ha hecho de todo para difundir el arte, pero también, para impulsar nuevos talentos y crear conexiones entre ellos.

Con proyectos que se encadenan unos a otros, Ana Elena no para, ya sea en la cátedra con sus alumnos o con los directores de museos. Habla de crear un museo del diseño en México y guió a la UNAM para empezar una pequeña colección para formar un acervo. Su nombre ya quedó escrito en la historia que ella misma nos está contando.

SOBRE ANA ELENA

Graciela Iturbide

Una leyenda más que viva

Sus fotos se sienten como el viento denso de polvo, que enmaraña el pelo de las mujeres seri del Desierto de Sonora, como la intimidad del cuarto en Juchitán donde un hombre vestido de mujer se mira al espejo, como la humedad del pecho moreno de una mujer zapoteca después de amamantar a su hija. Las imágenes de Graciela Iturbide son registros vivenciales, que nos convidan su complicidad con los retratados; que nos hace sentir la piel chinita como la de las iguanas que carga una juchitana en la cabeza. Qué sería del arte sin provocar tal emoción, y qué sería de nosotros sin esta fotógrafa excepcional que nos pone en trance al asistir con sus imágenes al ritual ancestral de la muerte o al desvarío del festival de rock de Avándaro.

El legado de Graciela nos regala la identidad más bella, desde su mirada femenina, la fotografía se sublima, blanco y negro con exceso de sorpresa, como aquella Mujer Ángel con un transistor en la mano, o los hallazgos del baño de Frida Kahlo, abierto 50 años después de su muerte, más recientemente, el camino del río de lava de un volcán en Lanzarote.

Graciela es capaz de dejar bien claro que detesta los clichés, para afirmar que su obra no tiene nada de magia (la han querido denominar como realismo mágico), que los lugares comunes la limitan; para decirnos que su cámara –siempre análoga– más que su herramienta de trabajo es su aliada para conocer la vida, no importa si ya llegó a los 80 años.

Gracias, Graciela, por transformar la luz en legado, porque sin tu ímpetu para recorrer lugares remotos, sin tus ángulos insospechados y tu esencia antropoética, no entenderíamos eso intangible de nuestra realidad.

SOBRE GRACIELA

-Ganó el Premio Hasselblad en 2008, el mayor reconocimiento internacional a la fotografía.

-Fue alumna y asistente de Manuel Álvarez Bravo.

-Tomó fotografías en París a lado de Henri CartierBresson, quien fue su amigo.

-Tiene colecciones permanentes en el Centro Pompidou de París y en el Museo Getty de Los Ángeles.

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Zélika García Influencer del arte

Hace unos años a Zélika se le reconocía por ser la mente maestra tras la creación de Zona Maco. Hoy, su mérito está en haberla mantenido, haberla crecido y haberla consolidado. Se dice fácil, pero lograr convencer año con año a galeristas, artistas, coleccionistas, críticos, curadores que México y Latinoamérica son terreno fértil del mercado del arte, solo se sostiene con hechos.

Claro que no lo ha hecho sola, entre sus aciertos está el saberse rodear de gente brillante en la materia, que no duda en acudir a su llamado. Su influencia ha crecido tanto como la feria. Y así ha sido a lo largo de casi 20 ediciones, Zona Maco se ha convertido en el evento de su género más importante de la región, mismo que ha provocado que la Ciudad de México se mueva entorno a la feria y que todos estemos hablando de arte contemporáneo, por lo menos en la Semana del Arte.

SOBRE ZÉLIKA

-El antecedente de Zona Maco fue Muestra I, feria que organizó Zélika en 2002, en su natal Monterrey.

Magali Arriola

Un fabuloso destino

Es probable que en sus días como estudiante de historia del arte en la Sorbonne, Magali no adivinara hasta dónde la llevaría este destino genial que comenzó a escribirse en París. Ella quería ser politóloga, pero la relación cada vez más cercana y envolvente con el arte la hizo descubrir su verdadero camino.

Como curadora pasó por el Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Jumex y Museo Tamayo, del que hoy es directora. No sobra decir que bajo su batuta el museo se ha vuelto un referente entre las más jóvenes audiencias continuando así, una labor generacional.

También le alcanza el tiempo para tener proyectos como curadora independiente. Ya van dos ediciones que es la encargada de curar la sección Meridians de Art Basel Miami, donde se muestran obras de gran escala cuyo formato es impactante y no pasa desapercibido en la feria.

Lo que Magali ha logrado en el mundo del arte, deja un precedente que inspira y motiva a seguir sus pasos, a todas las interesadas en la materia.

SOBRE MAGALI

Carla Fernández

Original desde el origen

“La moda no es efímera”, el discurso de Carla sobre su quehacer como diseñadora, dista mucho del mainstream, “Podemos demostrar que otro sistema de moda es posible, que hay forma de producción que resp eta al planeta y a las personas que trabajan en todas las etapas”.

Visionaria y solidaria, Carla trabaja con maestras artesanas de Chiapas, Oaxaca, Guerrero, por mencionar algunos estados. A partir de textiles, sus diseños devienen en arte, gracias a su imaginario creativo y colectivo, muestran a un México sofisticado y vanguardista que parte de su legado tradicional. Su belleza ha merecido ser exhibida en exposiciones individuales en las capitales extranjeras más importantes.

Moda en estado natural, emprendedora social, una artesana moderna que no permanece estática jamás.

SOBRE CARLA

-Taller Flora es un libro donde analiza la indumentaria indígena y explica los procesos de los artesanos para crear textiles. -Cuenta con dos flaghip store en la colonia Juárez (Marsella 72) y Roma (Álvaro Obregón 200).

Frida Escobedo

Su nombre la valida

No tiene un despacho de renombre que respalde su trabajo, tampoco demasiados años en el mundo de la arquitectura, sin embargo, Frida Escobedo fue la elegida dentro de una terna de cuatro firmas rimbombantes, como la de sir David Chipperfield (arquitecto del Museo Jumex), para diseñar un nuevo pabellón de arte en el Metropolitan Museum de Nueva York (MET).

El logro la coloca a la par de los más grandes del mundo, pero, ¿qué vieron los neoyorquinos en Frida, la joven arquitecta mexicana para confiarle 500 millones de dólares para el proyecto? Su director afirma, sin más, que su talento.

El MET, es conocido por su acervo de obras de “grandes maestros”, por lo que su colección de arte actual no es lo que más atrae a sus visitantes –aquí es donde entra Frida en acción–, su creatividad e instinto casi felino para lo contemporáneo la hace capaz de volver relevante cualquier espacio que diseña.

SOBRE FRIDA

-Es la primera mujer arquitecta que eligen para crear un espacio en El MET.

-A los 38 años diseñó una estructura para la Serpentine Gallery de los jardines de Kensington.

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Bárbara Sánchez-Kane

La belleza del caos

El arte como medio de expresión en México nunca había sido tan extrovertido, ideológicamente hablando, como en la praxis de Bárbara: contra el machismo, la homofobia, el odio… y no, no hablamos de los forzados discursos de moda que a todos acomoda, sino del arte-acción que esta artista manifiesta en sus piezas.

Ya sea en performance, pintura, poesía, escultura, instalación, cuestiona la relación entre lo femenino y la hegemonía patriarcal, y es a través de la identidad de género que se apropia del diseño de moda masculina para deconstruir y construir nuevos significados. Arte conceptual que nos invita a la reflexión y al cuestionamiento.

SOBRE BÁRBARA

Pamela Echeverría

Una labor como ninguna

Todo empezó en un lugar para jugar billar y donde solían tocar bandas de rock, pero Pamela ya veía el potencial de ese espacio, arriba del Salón Tijuana, de la colonia Roma, como exhibidor de arte.

Así nació Labor, la galería cuyo nombre viene de sus remembranzas de infancia: su abuela chilena la mandaba a recoger su cuarto, a hacer su “labor”. Hoy ese quehacer es muy distinto al de su niñez, consiste en promover artistas, exhibirlos en México y el mundo y vender sus piezas. Sin embargo, no se concibe como una comerciante de arte, sino como una mediadora entre el creativo y el comprador.

Dice que Labor es la galería de los nerds, ya que son artistas muy estudiosos que investigan antes de crear. En su cartera tiene hasta 20 “nerds” geniales en representación, cuyos nombres van de la excéntrica Jill Magid y al pragmático Pedro Reyes.

Aquellos tiempos de la colonia Roma quedaron atrás, hoy Labor se encuentra frente a la casa Luis Barragán en la colonia Daniel Garza de la CDMX, y también se encuentra en el más alto estatus de las galerías más prestigiosas a nivel internacional.

SOBRE PAMELA

Pia Camil

El arte del consumo

Desde que llevaba cámara en mano, el interés de Pia era retratar el paisaje urbano, no con la intención de una instantánea que exaltara algún rasgo estético, sino aquellos vestigios que, por el desgaste, se transforman en diversas y coloridas manchas, pensamiento abstracto sobre su relación personal con la ciudad, que más tarde serían geometrías escultóricas y textiles reinventados.

Desde luego, no está exento un discurso acerca del consumismo, tan característico de la generación millennial, a la cual pertenece, y que tanto denuncia.

Asimismo y asociado al espacio urbano, su tema, explora las ruinas, como obras inconclusas en una carretera o las vallas publicitarias abandonadas. Las dota de una nueva energía y belleza que la han llevado al reconocimiento internacional y a ser carta fuerte en diversas ferias en representación de la galería OMR.

SOBRE PIA

-Es una artista multidisciplinaria performance, arte-acción, cerámica y pintura forman parte de su trabajo.

Taiyana Pimentel

Curar en todos los sentidos

Llegó a dirigir el Museo Marco de Monterrey sin saber que se avecinaba una tormenta, apenas seis meses antes del c onfinamiento por la pandemia, pero sus ganas de continuar no menguaron y, a diferencia de como reza el dicho, la calma no llegó para Taiyana, quien parece estar aprovechando el tiempo a marchas forzadas para mantener bien vivo al icónico museo del norte del país, en lo más alto de la escena cultural.

Su labor no solo se enfoca en elegir próximas exposiciones, sino en conseguir apoyos, en hacer uso de nuevas tecnologías que modernicen el recinto, equilibrar la equidad de género entre los artistas que exponen y tomar en cuenta tanto a estudiantes interesados en el quehacer museístico como en promover artistas que ya pasan de los 45 años.

SOBRE TAIYANA

10 AÑOS DESPUÉS, DE LA APERTURA

EUGENIO

LÓPEZ

Fue en el año 2013, cuando Eugenio López Alonso abrió las puertas del que hoy, es el proyecto que más satisfacciones le ha dado, el Museo Jumex. A 10 años de su apertura, el coleccionista de arte contemporáneo y Presidente de la Fundación Jumex, nos abre las puertas de su casa para platicarnos sobre los retos y logros que han conllevado hacer un recinto de esta magnitud, de cómo ha contribuido el museo en el panorama del arte contemporáneo en México y sobre las satisfacciones que le ha dado en su vida, el haber creado este recinto.

“Hace más de 25 años, yo no conocía nada de esto. El tema del arte fue algo que me fascinó y fui aprendiendo en el camino. Y entendí que era algo que se tenía que tomar muy en serio”, nos dice Eugenio desde la biblioteca de su casa, en una entrevista íntima para CARAS. En 1994, adquirió su primera obra de arte mexicano y de esta forma empezó la primera pieza de la colección de la Fundación Jumex. Y fue también en aquella década, que Eugenio se dedicó a viajar, a conocer galerías, artistas nacionales e internacionales, para entender cómo podría conformar una colección de arte, siempre pensando en apoyar las prácticas artísticas de su generación en nuestro país. Fue entonces cuando

la Fundación Jumex se creó con el objetivo de fomentar el arte contemporáneo, en marzo del 2001, año en que presentó la primera muestra de la colección en la Galería Jumex, en Ecatepec. “La prensa internacional fue quien primero dio difusión a la Fundación Jumex”, nos cuenta. Ésta apoyó a curadores y artistas que actualmente forman parte del panorama de arte contemporáneo en México y en el mundo. Después surgió la gran idea de hacer un museo, en donde se pudieran conocer las obras de reconocidos a nivel internacional con un proyecto creado por el arquitecto británico, David Chipperfield, en donde los mexicanos pudieran tener acceso a lo que se ve en los mejores museos del mundo. De esta manera, Eugenio López, crea el Museo Jumex en 2013, el cual, en 2023, cumple una década mostrando a los mexicanos las grandes colecciones de arte contemporáneo global.

Eugenio siempre contó con dos pilares fundamentales en su desarrollo personal y profesional; sus padres. Eugenio López Rodea e Isabel Alonso de López, a quienes les está absolutamente agradecido, (cada vez que habla de ellos en esta entrevista se le llenan los ojos de lágrimas al mencionar los recuerdos tan bonitos y las entrañables enseñanzas que adquirió de ellos).

“Fue muy difícil que nos hicieran préstamos de la Tate Gallery, del Museo de Arte Moderno de Nueva York o del Chicago Institute, pero logramos traer varias obras que nunca habían llegado a nuestro país, y México quería ver eso. De eso sí me siento muy orgulloso”.

Eugenio, ¿qué ha cambiado en ti en estos 10 años?

Ha cambiado todo en mi vida. Empecé en el mundo del arte hace 25 años y no conocía nada, sin embargo, me fascinó y fui aprendiendo en el camino. Me di cuenta de que era algo que me tenía que tomar muy en serio. Después vino la idea de crear la Fundación Jumex, y luego el museo. La gente podría creer que esto fue muy fácil de hacer y que fue un capricho de un día para otro, pero ojalá supieran por todo lo que pasé para hacer este museo. Hice un recinto artístico con un arquitecto internacional, porque en México no había edificios de arquitectos de talla global. Es maravilloso ver cómo los arquitectos mexicanos tienen edificios en Italia o en Francia, y yo quería tener un museo de un arquitecto extranjero en México.

¿CÓMO FUE EL PROCESO DEL MUSEO JUMEX, EN SUS INICIOS?

Para empezar, el tema del arquitecto, resultó bastante difícil. Fue un placer trabajar con David Chipperfield, aunque el último mes tuvimos problemas porque no estaban listas las cosas. Eso sí, la apertura del museo, me la hubiera ahorrado, no la pasé nada bien. (risas). Pasé por muchas angustias, como en el tema del terreno, del presupuesto, pero ¿te digo algo? Si lo tuviera que volver a hacer, me lo aventaría de nuevo, porque valió la pena y no hay nada que me haya causado más alegría que este recinto.

¿CÓMO FUE LA RELACIÓN CON TU PADRE, DURANTE ESTE PROCESO DE CREAR EL

MUSEO?

Lo más importante que me ha pasado en la vida, es haber tenido a mis padres, sin ellos no sería nada. Durante todo este proceso, mi papá y yo tuvimos muchos problemas, a pesar del gran amor que nos teníamos. Cuando llevábamos un año de construcción del museo, le dije a mi papá: “yo ya no puedo,

porque esto está afectando nuestra relación, y se está viendo mermada con gritos y enojos”, porque subía el presupuesto. Le dije que yo lo haría después, pero no quiso. Créeme que no fue el capricho de una persona que quiso hacer una colección y luego un museo, porque pierdes el respeto de la gente. Fue algo en lo que de verdad yo creía.

¿CÓMO HA CAMBIADO EL PANORAMA DEL ARTE EN ESTA ÚLTIMA DÉCADA, GRACIAS AL JUMEX?

Creo que hemos contribuido mucho porque se han juntado varios factores. Ha venido mucha gente de fuera a ver lo que tenemos en México. Y la prensa internacional fue la que hizo famoso al Museo Jumex. Desde el principio se interesaron mucho en Estados Unidos por un proyecto que estuviera en Ecatapec, de un mexicano que tenía 28 años. Las cosas se fueron dando poco a poco; se estaban formando galerías como la Kurimanzutto, y estaba resurgiendo una nueva generación de artistas muy importantes.

¿CÓMO VES EL MUSEO JUMEX EN OTROS 10 AÑOS?

Lo veo ahí, eso sí. Todo depende de cómo se vaya manejando. Nosotros somos los dueños del museo, pero por ejemplo, yo no puedo ser el curador, decidir qué artista quiero o pedir las piezas, pues nadie me tendría respeto. Tiene que haber un equilibrio en todo esto. Cuando llegamos a Polanco con este museo, ya no solo podíamos tener una colección, sino que teníamos que traer artistas internacionales, y fue muy difícil que nos hicieran préstamos; de eso si estoy bien orgulloso, de tener colaboraciones con la Tate Gallery, con el Museo de Arte Moderno de Nueva York o con el Chicago Institute, pues vienen sus comisarios y checan que el museo cuente con todos sus requerimientos; aún así, logramos traer varias obras que nunca habían llegado a nuestro país, y México quería ver eso.

¿CUÁL ES TU MAYOR SATISFACCIÓN EN ESTOS 10 AÑOS QUE HAN PASADO DESDE QUE SE FUNDÓ EL MUSEO?

El que tú estés aquí y que estén interesados en mí. Esto es, de algún modo, un sueño que se ha ido haciendo en conjunto con muchas personas, y el ver que tu semilla da resultado se siente muy bien; yo me siento muy feliz de ver que he podido contribuir en algo. Hemos hecho una colección muy

bonita y de grandes artistas de los 50. También, otra gran satisfacción es cuando ves que hay filas de gente que quiere entrar al museo. Qué mayor regalo hay, que la gente pueda gozar del arte, generación tras generación.

¿TE IMAGINASTE ESTE ÉXITO?

Ya cuando estaba hecho, sí. Confiaba en que tendríamos una buena respuesta, pero nunca imaginé que estarían 410 mil personas viendo a Jeff Koons; tampoco esperé las 350 mil para Andy

Warhol, o 320 mil para Urs Fisher. Eso si no me lo imaginé. Así que, de alguna forma, necesitamos tener un nivel de traer superestrellas, artistas mexicanos, y estar balanceando, porque no es fácil.

AHORA LA ENTRADA AL MUSEO ES GRATUITA…

De hecho al principio cobrábamos un dólar. Se tenía que cobrar algo para que fuera significativo y que la gente lo apreciara, pero al final, si va una familia de cinco personas, ya son cinco dólares. Debatimos mucho todo esto, y ahora, la entrada es gratuita.

¿HA CRECIDO LA COLECCIÓN JUMEX?

Mucho; hemos sumado como tres mil obras. A veces me pregunto, ¿para qué son?, ¿para que se queden en bodegas y nadie las vea? Hay que conservarlas, asegurarlas y cuidarlas. Yo quiero que todo esto se quede en México.

LA GENTE EN MÉXICO HA APRENDIDO SOBRE ARTE A TRAVÉS DEL MUSEO JUMEX Y HA LOGRADO VER A ARTISTAS QUE, DE OTRA MANERA, LES SERÍA IMPOSIBLE VERLOS, ¿CÓMO TE SIENTES?

Como me sentí cuando fui al Museo de Arte Moderno, al Chicago Institute, o cuando fui al Boston Fine Arts. Yo iba a esos lugares y me preguntaba quién habría donado todo eso. Más adelante conocí a tantos artistas, viví en ese mundo y me enamoré.

¿HACIA DÓNDE SE ESTÁ MOVIENDO EL ARTE CONTEMPORÁNEO?

Se está moviendo a las personas más marginadas. A la gente abusada, a la comunidad LGBT, a las mujeres, a la gente de color, y a países donde no los habíamos volteado ni a

ver. Se tiene que hacer, pero creo que se está sobre haciendo. Creo que va a bajar un poco esa tendencia.

¿QUÉ VIENE PARA EL MUSEO?

Viene Gego (Gertrud Goldschmidt), Lari Pittman, Jannis Kounellis, la Colección Jumex… También tendremos próximamente, una expo de moda que se está preparando, porque la gente quiere ver eso. Y creo que, trabajando con armonía, todo se puede hacer. Hoy día estamos trabajando muy cómodos en el museo.

TUS PADRES TUVIERON LA OPORTUNIDAD DE VER TU LOGRO EN EL MUNDO DEL ARTE…

Tres o cuatro meses antes de morir mi papá, habló conmigo por teléfono y me dijo las cosas más bonitas que nunca antes había expresado. No sé de dónde vinieron, estaba enfermo, no sabíamos cuánto iba a vivir, él no sabía que estaba tan mal, pero me dijo unas cosas que jamás voy a olvidar; comentó lo orgulloso que estaba de mí, que si volviera a tener un hijo, me elegiría a mí, y que sería nada más uno. Sabía que yo era un hombre de bien y que si se iba de este mundo, él estaría muy contento. Varias palabras muy halagadoras. Mi padre ahora ya no está, pero me quedé tranquilo de que mi papá vivió muy bien durante 87 años y solo tuvo 4 días malos; fue muy feliz. Hoy sé que el amor más bonito que pude haber tenido en mi vida fue el de mi padre y mi madre. Además, como no tengo hermanos, no les quedaba de otra, yo era el consentido de la casa. Estoy realmente muy agradecido con la vida por ellos y por todo lo que me dieron.

“La gente podría creer que esto fue muy fácil de hacer y que fue un capricho de un día para otro, pero ojalá supieran por todo lo que pasé para hacer este museo”.

DELAÑOSJUMEX

Junto a grandes amigos e invitados especiales, en 2013, Eugenio López inauguró el Museo Jumex.

DISEÑO INTERNACIONAL

El arquitecto británico, David Chipperfield fue el encargado del proyecto del Museo Jumex, siendo ésta su primera obra en México y Latinoamérica.

celebraciones

Así lucía el after party de la apertura del Museo Jumex.

Es considerada la colección privada de arte más importante del mundo y, tras la muerte de Isabel II el pasado 8 de septiembre, la titularidad de ésta pasó a manos del rey Carlos III.

Enrique VIII nunca pensó que su gusto por el arte llegaría tan lejos y les redituaría tanto a sus descendientes. Este monarca inició la gran Royal Collection en el siglo XVI con obras de importantes artistas principalmente extranjeros, como los italianos, quienes eran considerados los mejores de aquella época.

C onforme fue pasando el tiempo los reyes de la época, fueron aumentando poco a poco la colección, hasta convertirla el día de hoy en el acervo privado más grande del mundo. Si bien, hubo momentos de costosas pérdidas como, por ejemplo, durante el destronamiento de Carlos I en 1649, donde algunas obras se vendieron, la verdad es que todos los monarcas ingleses realizaron importantes adquisiciones de incalculable valor.

Cabe destacar que la única casa real que es dueña de su colección de arte justamente es la inglesa, pues las demás monarquías no tienen la titularidad y sus valiosos tesoros pertenecen a museos estatales como es el caso de la Colección Real de España, la cual está resguardada en el Museo del Prado en Madrid, o la de Francia en el Museo de Louvre de París.

Aquí la Picture Gallery del Palacio de Buckingham donde se encuentran las principales obras de pintores italianos, principalmente del renacimiento.

Un miembro del personal de Buckingham sostiene el boceto de Leonardo da Vinci “Los músculos del cuello y hombre” que data del año 1510-1511. Se calcula que el valor de la Royal Collection supera los 12 mil millones de dólares.

Personal coloca el cuadro del pintor neerlandés, Rembrandt, “Agatha Bas” elaborado en 1641.

60 años. Detrás de ellos Felipe de Edimburgo, Camilla y los príncipes William y Harry.

UNA FORTUNA EN ARTE

Tras la muerte de Isabel II, la titularidad recayó en manos de su heredero, el actual rey Carlos III, quien no puede venderla, heredarla y mucho menos dividirla. No obstante, sí tiene la obligación de preservarla, conservándola intacta o, en el mejor de los casos, aumentarla agregando más obras. De hecho, se sabe que el actual monarca es gran amante del arte y desde su juventud ha adquirido importantes obras que seguro sumará a la Royal Collection.

Por ejemplo, en el reinado de Isabel II se adquirieron varias decenas de obras que, principalmente, fueron regalos de otras naciones, compras en subastas o encargos directos a los artistas. Isabel II era admiradora del arte contemporáneo y tenía obras de Lucian Freud, Anish Kapoor y Andy Warhol al cual le compró cuatro coloridos retratos de ella misma en 1985.

La monarca en vez de utilizar parte de su patrimonio en ampliar sustancialmente la colección de arte mejor prefirió destinar ese capital a la restauración de muchos cuadros. La conservación fue su prioridad, así como el acceso al público.

La Royal Collection está conformada por 7 mil pinturas, 45 mil acuarelas, 150 grabados antiguos, porcelanas, grabados, fotografías, muebles, esculturas, joyas, porcelanas, relojes, armas, armaduras, tapices y otros objetos. Se dice que su valor supera

Aquí limpian el marco del cuadro de la obra “Landscape with Saint George and the Dragon” de Sir Peter Paul Rubens. A la izquierda “El constructor de barcos y su esposa” de Rembrandt, éste era el cuadro favorito de Isabel II.

“Lady at the Virginal with a Gentleman, The Music Lesson” del pintor holandés Johannes Vermeer que data del 1670-1672.

El rey Carlos III, aunque es titular de la Royal Collection no puede dividirla, ni heredera y mucho menos vender piezas. De hecho, se cree que agregará piezas de su colección personal a la familiar.

El rey Carlos I con Henrietta María y sus hijos mayores, los príncipes Carlos y María. Una pintura de Anton van Dyck.

los 12 mil millones de dólares. Estas obras se encuentran ubicadas en las diferentes propiedades de la corona como el Palacio de Buckingham, el Castillo de Windsor, Casa Frogmore, Clarence House, Palacio de Holyroodhouse, Hampton Court, National Gallery y Victoria and Albert Museum. Algunas están exhibidas y abiertas al público, pero otras tantas, aunque se encuentran en los mismos edificios históricos, están ubicadas en dependencias privadas a las que solo tienen acceso la familia real y visitantes ilustres.

La reina Isabel II no invirtió tanto en obras de arte más bien se concentró en restaurar las obras que lo requerían y facilitó el acceso al público.

En las obras más importantes de esta colección de arte de los Windsor se encuentran cerca de 600 dibujos de Leonardo da Vinci, convirtiéndose en los mayores coleccionistas del italiano en el mundo. Del artista renacentista Miguel Ángel tiene 20 dibujos y de Rubens, el pintor barroco, conservan 13 cuadros. De Rembrandt, el pintor neerlandés, poseen seis pinturas incluidas el retrato de “Agatha Bas”. El único impresionista en la colección es Claude Monet. También poseen obras de arte de Giovanni Bellini, Orazio Gentileschi, Tiziano Vecellio, Hans Memling, Joos van Cleve, Antonio Moro, Nicolás Poussin, Rafael Sanzio, Van Dyck, Canaletto, entre muchos otros.

La Royal Collection es financiada con los ingresos que generan las entradas al público al Palacio de Buckingham y el Castillo de Windsor.

LUCÍA MÉNDEZ

“Mi luz, mi luz” solicita Lucía Méndez al iniciar nuestra sesión. Una expresión que ya es un clásico y referente de la actriz y cantante quien recientemente celebró 50 años de carrera. “Decía el señor Azcárraga: ‘dependiendo de la luz, puedes ser una estrella o ser estrellada’”, nos confiesa, mientras da algunas indicaciones para perfeccionar la iluminación en la locación. Sin embargo y por encima de dicha petición, la gran sorpresa de tal sesión fue conocer a una diva completa, que se conoce de pies a cabeza, pero que, por encima de todo, no pierde el piso y nos otorgó momentos únicos.

¿Cómo te encuentras en este momento de tu vida?

Estoy muy equilibrada. Recién terminé de filmar una serie muy importante con gente de Hollywood y ahora voy a grabar mi nuevo disco. La verdad es que estoy muy feliz, emocionada y agradecida.

¿Cómo vives 50 años de carrera?

Antes que nada, pienso que es mucho tiempo, pero por encima de ello, me siento realizada. También, agradezco al público que me sigue y que siempre está conmigo en todo lo que hago.

¿Cuál ha sido el mayor aprendizaje que has adquirido en todo este tiempo?

El aprendizaje más importante es tener los pies en la tierra, pues de lo contrario y si se te sube, comienza tu fracaso. Mientras más triunfas, más humilde, ubicada, generosa y bondadosa debes ser, porque la vida te está dando demasiado y tú tienes que dar algo de regreso.

¿Qué te hace mantener los pies en la tierra?

Saber que mi vida no es mi carrera artística; mi vida también es mi familia, mis amigos y los momentos lindos. La vida también es tener salud, es ser leal, es tener cerca a gente que te quiere. Definitivamente, es muy importante y linda la carrera, pero en realidad, lo que más me interesa hoy día

es salir, convivir y disfrutar con la gente que más quiero. Quizá, cuando ya eres una mujer madura, te pones a pensar que lo mas importante es vivir. Claro que agradezco todas las nuevas oportunidades y proyectos laborales que llegan, pero lo más importante es estar bien conmigo misma y con mi círculo cercano.

“Mientras más triunfas, más humilde, ubicada, generosa y bondadosa debes ser”.

personalidades

¿Cómo es tu vida en familia?

Me gusta estar cerca de ellos y siempre busco compartir nuevos momentos. Por ejemplo, los fines de semana que no trabajo, disfruto de estar con mi familia, con mi hijo, mi nuera, mis nietas y mis hermanos. Somos una familia muy unida, nos queremos mucho y nos apoyamos. Definitivamente, mi fuerza es mi familia.

¿Qué tanto te gusta compartir tu vida privada con tu público?

Claro que me gusta compartir con mi público. Y aunque debo aceptar que soy un poco hermética, a mi público me gusta darles todo. Ellos siempre están a mi lado y yo siempre estaré con ellos.

¿Cómo reaccionas ante los haters, las notas rojas o la gente que te critica?

Siendo honesta, no me interesa. Simplemente no le hago caso; no tengo tiempo para ver lo negativo. Además, generalmente no es de mi vida privada de lo que hablan, pues no creo exponer mucho de eso; son más los inventos o los comentarios de compañeras que a veces te atacan sin razón. Más allá de eso, no sé vivir de una forma negativa. No le hago daño a nadie, yo soy paz y amor.

¿Qué te hace ser fiel a ti?

Ser honesta conmigo misma. Por ejemplo, cuando me ofrecen un proyecto, lo acepto siempre y cuando sea algo que siento dentro, en mi corazón y en mi cabeza. Cuando va con mi esencia y me hace sentir segura y plena. Tengo una sensibilidad para saber elegir lo que me hace bien a mí.

¿Qué es lo que más disfrutas a nivel profesional?

Me gusta mucho cantar. Y claro que me encanta la actuación, pero sin duda alguna, la música ocupa un lugar muy especial.

¿Qué representa la música en tu vida?

La música me cambia el ánimo y me hace muy feliz. Ahora vamos a empezar a grabar un nuevo disco de boleros y rancheras, estoy emocionada con este proyecto.

¿Qué sueño tienes pendiente? No creas que sueño mucho. Vivo aquí y ahora. Nunca sabes qué va a pasar. Hoy estoy, mañana no sé. Elijo vivir el presente intensamente. Ahora disfruto de mi serie, mi nuevo material musical y de los proyectos que vienen.

¿Qué representa para ti ser una diva?

Ser una diva es tener una gran trayectoria. En mi caso, es tener cine, televisión, sucesos, tener una estatua de cera en Hollywood, haber cantado en los más grandes escenarios. Es el poder triunfar en todas las facetas del arte. Es ahí cuando realmente te permiten ser una diva. Es mucho trabajo y mucho esfuerzo. A mí me ha costado mucho ganarme ese título, pero gracias a mi trabajo lo he conseguido.

¿Existe cierta presión por ser una diva?

Definitivamente. Exige mantenerte bien y al día. El público no quiere que te estanques. Hay que ser vigentes en cuanto a proyectos y trabajo.

¿A qué prejuicios te has enfrentado por llevar el título de diva?

Al ser una diva, la gente suele pensar que eres pesada, especial, arrogante o inalcanzable. Sin embargo, yo creo que una diva moderna sí puede ser un poco hermética en su vida, pero eso no te da el derecho de ser una mala persona. Ser una diva es un tema de carrera, no de actitud.

“Ser una diva es triunfar en todas las facetas del arte. Es ahí cuando realmente te permiten serlo... Es un tema de carrera, no de actitud".

ENTRE LA COMPLEJIDAD Y LA CREATIVIDAD

Platicamos con Alexa Schilz, Brand Strategy Director de Montblanc, quien nos cuenta todo al respecto de su nuevo proyecto: Montblanc Haus.

“Todo lo que hemos hecho desde el inicio ha sido escribir, por ello, cuando comenzamos con el proyecto, la intención siempre fue el transmitir nuestra pasión a través de las historias y piezas claves que han consolidado a la Maison”, expresa con emoción Alexa, respecto a su nueva exhibición

Cuéntanos acerca de Montblanc Haus. Es una oportunidad única para la Maison, para permitirle a los visitantes conocer su legado y pasión por la escritura. Cuando me invitaron a formar parte del proyecto, me pidieron crear toda una experiencia para resaltar el ADN de la firma, pero también, para ir más allá y poder cautivar y expresar lo que para nosotros representa la escritura y crear una narrativa en la que la gente quiera volver al papel y la pluma. Básicamente, el proyecto fue creado para experimentar un viaje único en el que podamos conocer a la firma y compartir a través de nuestro legado e historias.

¿A qué retos te enfrentaste para realizar este proyecto? Cuando investigas todo el legado con el que a la fecha cuenta la firma, te encuentras con mil narrativas, por lo que resultó que teníamos más historias que contar que espacio para plasmarlo, por ello, el verdadero reto fue hacer una elección de las piezas clave e historias que nos han marcado. Lo antes mencionado, con la finalidad de compartirlo, tanto con la gente que nos conoce desde siempre, como con quienes apenas tienen los primeros acercamientos, desde los más jóvenes hasta los más grandes. La idea es que, quien sea que visite Montblanc Haus, se sienta inspirado y disfrute de la visita. Este balance entre los diversos públicos, las múltiples historias por contar y más, fueron los principales retos.

¿Cuáles son las expectativas del público que los visitA? Muchas de las personas que nos visiten se sorprenderán ante el hecho de que Montblanc produce un sinfín de instrumentos relacionados con la escritura. La belleza radica en sorprenderlos con una experiencia completa que permita a los asistentes conocer nuestra historia y las pasiones que nos han incitado a construir un gran legado.

¿Consideras que el valor de la escritura ha cambiado con el paso del tiempo? Completamente. Ha cambiado, pero no necesariamente para bien o para mal. Por ejemplo, durante la pandemia, cuando la forma de relacionarnos no era tan fácil o cercana, mucha gente encontró en la escritura, la forma de expresarse y conectar; además, resultó un gesto muy especial. Más ahora que la forma de hablar con otros es instantánea. Sin embargo, la escritura a mano mantiene un lugar muy especial. También, es una forma de desconectarnos un poco del mundo digital. Si viajamos al pasado, la escritura a mano era una forma clásica de transmitir y expresar ideas. Hoy día, resulta un complemento para

la comunicación digital, por lo que creo que es una elección personal, dependiendo de lo que escribes y a quién lo escribes, para elegir hacerlo a mano. Sin duda alguna, el valor de la escritura prevalece, pero hoy tiene un significado diferente.

¿Cuál es el valor que Montblanc le da a la escritura a mano? La escritura está en todo lo que hacemos como firma y fue el inicio de todo. Fue la forma de conectar con gente y permitirnos transitar de la A a la B, lo que esperamos como firma. Hoy día, cuando Marco Tomasetta, director creativo de Montblanc, lleva a cabo una nueva colección, siempre busca la forma de llevarla de la mano con la escritura. También, cuando queremos inspiración para toda nueva creación, siempre recurrimos a esta herramienta que, sin duda alguna, es uno de nuestros más grandes legados y referentes.

Personalmente, ¿cuál es tu parte favorita del proyecto?

Montblanc Haus es la definición perfecta del encuentro entre la complejidad y la creatividad. Hablando desde mi lugar, el proyecto me gusta por su dualidad que nos permite transitar entre el legado y la complejidad de su historia, al tiempo que conseguimos transmitirlo al presente de la forma más creativa posible. Nos permite participar y continuar con el legado de la Maison, para seguir contando y construyendo nuestra historia.

PABLO Y LUCIO USOBIAGA

Celebran la cena por las chinampas del proyecto Arca Tierra en el Ex Convento de San Hipólito.

Por María del Mar Barrientos Fotos Einar González

COVADONGA HERNÁNDEZ Y MARTHA SOPHIA

Crean una colaboración con Marqco y presentan en un Open House para las fiestas decembrinas.

Por María del Mar Barrientos Fotos Einar González

MACARENA BARROSO Y REGINA LEGORRETA

Celebran el tercer aniversario de Velominata, emprendimiento con el cual han conseguido hacer del ciclismo, un deporte accesible para todo México.

MAR ABASCAL Y BÁRBARA GONZÁLEZ

Encabezan el evento “Web3 para ellas”, en el que reunieron a 50 mujeres líderes de distintas industrias en México, para crear una comunidad femenina sin igual.

ALESSANDRA AMBROSIO Y ALEJANDRO BAILLÈRES

Encabezan un brunch organizado por GNP y Vivir es increíble, al cual asistieron grandes invitados.

Por Patricio Chávez Varela Fotos Einar González

GABRIEL OROZCO Y ABRAHAM CRUZVILLEGAS

En la inauguración de la expo TODOS JUNTOS, en el nuevo espacio de la Galería Kurimanzutto en Nueva York.

Por Staff Caras Fotos Cortesía Casa Dragones

MIGUEL CALDERÓN

Por María del Mar Barrientos Fotos Héctor Arjona

Da un recorrido privado por su actual Expo en el Museo Tamayo, en colaboración con Ediciones Marea.

celebraciones

CARLOS

RIVERA

En exclusiva, nos comparte fotos y una reseña de lo que fue su viaje a Walt Disney World, en compañía de sus hermanos, Norma, Gil y Gonzalo.

Curiosamente y contrario a lo que cualquiera pudiera imaginar, al ser parte de la familia Disney y con todas las oportunidades que en su vida y carrera se han presentado, nunca antes, el cantante había visitado el lugar más mágico del mundo, pues, aunque claro está, tuvo muchas posibilidades para hacerlo, desde chico, estando en su casa en Huamantla, Tlaxcala, siempre fue un sueño que quería compartir por primera vez en compañía de sus hermanos y no fue sino hasta ahora, que pudieron lograrlo. “Es un viaje que para nosotros es muy especial,

principalmente porque era uno con el que soñábamos desde que éramos niños. Yo había tenido muchas oportunidades de visitar los parques, pues de cierta forma he sido y soy parte de la familia Disney por El rey león, Coco y más, sin embargo, siempre dije que no, porque el plan siempre fue ir con mis hermanos y no fue sino hasta ahora que pudimos lograrlo tal como lo habíamos soñado”.

Lo antes mencionado sucedió poco tiempo después del fallecimiento de su padre, Gilberto Rivera, un suceso que, en sus palabras, “ha sido el momento más doloroso de mi vida”. Sin embargo, también resultó una motivación para querer cumplir un

Con mucho orgullo, Carlos agradece ser parte de la familia Disney, gracias a sus múltiples colaboraciones en proyectos como El Rey León y Coco.

sueño en familia. “Ahora que falleció mi papá, obviamente para nosotros fue muy duro, entonces vi prudente hacer este viaje y tener una distracción y alegría. Fue un viaje que hicimos los cuatro hermanos, una experiencia única y un apapacho al alma”.

Sobre la mejor parte del viaje, con gran emoción y abrazando a su niño interior, nos comenta. “El estar juntos fue lo más importante. Lo especial del viaje era que estábamos en familia y pudimos platicar y volver a reconectar, pues algunos ya estamos casados y con diversos proyectos, por lo que a veces es difícil juntarnos y estar solo los cuatro hermanos. Además, visitar el lugar más mágico del

mundo fue muy especial, fue como volver a ser niños otra vez. Nos hizo olvidarnos un poco de lo que estamos viviendo y disfrutar, además de emocionarnos por el simple hecho de ver a Mickey Mouse”. Asimismo, nos confiesa que, gozar de algunas atracciones como las de Star Wars y Guardianes de la Galaxia fueron grandes momentos de su viaje, pero, sin duda alguna, un momento sin igual fue cuando visitó el castillo. De esta manera, nos deja ver que, aún con toda la fama y el reconocimiento con el que hoy día cuenta, Carlos Rivera continúa siendo un hombre sencillo que persigue y cumple sus sueños. Además de reconocer

que los momentos más importantes los goza en compañía de su familia. “Hacemos muchas cosas juntos, viajamos y buscamos siempre compartir en familia, por ejemplo, la Navidad y el Año Nuevo, me gusta siempre pasarlos con ellos. Hay quien quizá está más desapegado, pero yo no, mi familia siempre va primero, ellos son mi mayor apoyo”.

Ahora, luego de haber celebrado las fiestas decembrinas en familia, Carlos está listo para iniciar el año con mucho trabajo, pues ya prepara su nuevo álbum y una gira con la cual promete visitar muchas localidades y países tanto en América Latina como en Europa.

"ESTE VIAJE CON

MIS HERMANOS FUE UNA EXPERIENCIA ÚNICA Y UN APAPACHO AL ALMA”.

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Celebramos el inicio de año con una selección de productos ideales para darle la bienvenida un nuevo ciclo con mucho estilo.

LA PATRONA DE

LOS ARTESANOS MEXICANOS

Recordamos la última entrevista que nos otorgó Marie Thérèse Hermand de Arango, quien desde su llegada a nuestro país, a los 17 años, se interesó en el trabajo de los artesanos, los impulsó y logró posicionar su arte, para más tarde, fundar el Museo de Arte Popular de la Ciudad de México (MAP).

Basta poner un pie en el precioso edificio de estilo art déco , para ser testigos de su vasta iluminación proveniente de grandes muros blancos y del domo que cubre el patio central del que cuelgan diversos papalotes, fabricados en papel de china en llamativos colores, y figuras que resguardan alebrijes de gran tamaño. Sus tres plantas se encuentran repletas de las piezas en exhibición que, por sí solas, cuentan historias y tradiciones de comunidades indígenas.

“ Yo venía de Egipto, un país rico en artesanía, pero no tanto como México. En aquel tiempo (1966), había mucha gente en la calle con trabajos no tan profesionales, poco a poco, y de una manera entrelazada descubrí el país que sería mi casa. Me enamor é de sus tradiciones, forma de vida, comunidades y artesanías. El arte popular era de poco interés para los mexicanos, unas cuantas familias de abolengo tenían colecciones de joyas, textiles y cerámica”, afirmó Marié Thérèse Hermand de Arango.

Así, una de las tareas más puntuales del Museo de Arte Popular ‒ desde su creación ‒ es dar a conocer el minucioso y bello trabajo de los artesanos.

ENTRE VIAJES Y OBRAS DE ARTE

Marié Thérèse se casó con Manuel Arango, talentoso empresario y filántropo –quien apoyó a su esposa de manera incondicional–. Ella, una joven con deseos de conocer a México, sus culturas y tradiciones, comenzó a viajar por los estados de la república. Las costumbres, gastronomía y, sobre todo, el arte y técnica de elaborar objetos que se producen a mano o con aparatos sencillos, logró cautivarla.

Conforme Marié Thérèse visitaba a las diferentes comunidades descubría que sus miembros poseen una infinidad de talentos requeridos para elaborar objetos artesanales, que por la dedicación, destreza y ensamble son considerados unas joyas.

“Para los artesanos, sus creaciones son un oficio que heredaron. Debemos remontarnos al siglo XV, incluso a la época precolombina para comprender que, los ‘diseños’ que se plasman en manteles, vasijas y artículos de decoración popular son narrativas de la vida de cada región”, comentaba Marié Thérèse.

México es un país muy rico en cultura y artesanías, por lo que es importante dividirla en zonas. “Probablemente, es el norte en donde menos menestralías encontramos.

Al principio me enamoré de Oaxaca por su diversidad, disponen de textiles, vidrio y barro negro, entre muchos otros; sin embargo, Michoacán es un estado que, actualmente, es más auténtico, trabajan las clásicas catrinas, manejan la hoja de oro como en pocos lugares del mundo, la cerámica es extraordinaria y en los estados del sur, también hay mucha variedad”, afirmó Hermand.

Concursos, talleres y exposiciones de piñatas, papalotes y alebrijes forman parte de las actividades que realizó en el MAP.

EL SUEÑO HECHO REALIDAD

Durante el gobierno de Luis Echeverría se fundaron las tiendas del Fonart, bajo la dirección del señor Tonatiuh Gutiérrez, amigo de Manuel Arango, quien le presentó a María Teresa Pomar, la mujer que le ayudó a Hermand a conocer y diferenciar la verdadera artesanía.

El señor Gutiérrez albergaba en su casa unas reuniones semanales en las que se encontraban miembros del entonces Populart, entre ellos, María Esther Echeverría, Alfonso Soto Soria y Marta Turok, entre otros. La idea era la creación de un museo de arte popular, sin embargo, no se concretó nada en esas tertulias.

“Fue hasta que me habló Rafael Tovar, entonces presidente de Conaculta, para invitarme a formar un patronato con la finalidad de ayudar a las comunidades indígenas. Junto a José Iturriaga y después de muchas pláticas le dimos formalidad ante notario. Mi esposo, que ha cuidado y mantenido su honestidad y reputación al máximo, me dijo que me apoyaba, pero que no quería oír de un solo peso mal gastado. Desde el principio la institución se rige con auditorías, notarios, abogados, contadores, etcétera”.

A lgunos de los primeros patronos fueron Cecilia Barbará de Moctezuma, María Luisa Barrera de Serna, Sonya Santos, Elías Sacal Cababie, Liliana Melo de Sada, Marinela Servitje y algunos miembros fallecidos, como Pedro Armendáriz, Miguel Cervantes, Germán Dehesa Violante, José Carral Escalante, Francisco Toledo, María Teresa Pomar, Guillermo Tovar y de Teresa y Carlos Fuentes, entre otras personalidades.

La confianza, un motor para los artesanos

El presentarse en las comunidades e interesarse por sus trabajos era algo poco común, Marié Thérèse realizó varias visitas –junto a su tocaya María Teresa Pomar– para profundizar en su conocimiento y discernimiento de la buena artesanía, así visitó comunidades indígenas y se ganó la confianza de los maestros artesanos.

La compra de las primeras piezas se dio hace 20 años, iniciando con un árbol de la vida que se encuentra en la entrada del museo, fabricado por Alfonso Soteno, y así, con la orientación de su amiga, su exquisito gusto, los conocimientos y la donación de un importante empresario regiomontano se logró un acervo importante con más de 1,500 piezas con las que contó la primera exposición formal del Museo de Arte Popular.

El paso de los años y el tiempo trajo a algunos benefactores que han aportado piezas para formar

parte de la colección permanente del recinto. “En la parte personal, he comprado obras antiguas –hasta de cinco siglos atrás–, de los años en los que nació el arte popular y que, en la actualidad, ya casi no existen. Mi ilusión es rescatar estas técnicas ancestrales para que no se pierdan”.

UN ESFUERZO EN CONJUNTO

L a necesidad de recaudar fondos fue, desde un inicio, muy importante. Marié Thérèse no descansó en organizar eventos, seminarios, talleres, visitas guiadas, e incluso, nos record ó una campaña que hizo

“Mi sueño es consolidar a un grupo de gente joven y comprometida que se identifique con la hermosa artesanía mexicana, para preservar el trabajo de los artesanos, con salarios justos y dignos, así como alimentar los conocimientos de las futuras generaciones posicionando las exposiciones y el nombre de México en distintos museos del mundo”.

junto con Aurrera, en la cual, por un par de meses colocó alcancías para fomentar una colecta, con gran aceptación en las colonias populares.

Su esfuerzo y constante misión la llevaron a trabajar arduamente, involucrando a la sociedad a valorar el trabajo de nuestros artesanos, a eliminar el regateo y rescatar las tradiciones de los pueblos, para que estas no se olviden. Una importante fuente de ingresos es la tienda del MAP, junto al museo y el patronato destinan lo recaudado a la mejora de las viviendas, talleres, hornos de cerámica, insumos y materiales de buena calidad que garanticen la excelencia y belleza de cada pieza

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