Neobarroco

O livro de Denilson Lopes desenvolve, em uma perspectiva sócio-histórica e transdisciplinar, a relação entre melancolia e neo-barroco. A melancolia – sensibilidade estética, catastrófica, antiutópica – se define pela aflição diante da passagem do tempo. Trata-se de uma sensibilidade cristalizada como um imaginário no período barroco e que retorna na segunda metade do século 20 como neo-barroco.
Dentro da fragmentação do texto é possível vislumbrar cinco partes: neo-barroco, camp, dandismo, viagens e leveza. E para sua análise o autor escolheu três romances – A Menina Morta, de Cornelio Penna, Crônica da Casa Assassinada, de Lúcio Cardoso, e Ópera dos Mortos, de Autran Dourado – e quatro filmes – O Leopardo, Ludwig e Violência e Paixão, de Luchino Visconti, e Salão de Música, de Satyajit Ray.
A partir das categorias tempo, espaço e subjetividade, a obra é realizada por duas mediações: a imagem material, poética e cronotópica da casa como ruína, labirinto, teatro do mundo (espetáculo e artificialidade); e o personagem alegórico dos herdeiros e príncipes despojados de poder. Linhagem que inclui os poetas ultra-românticos, os dândis decadentistas, os punks góticos e todos aqueles que não se adequam ao império da velocidade e efemeridade contemporâneas. Os que delicadamente se afastam do centro das atenções.
Os romances traduzem uma tradição do Barroco no Brasil, distinta da expressa na literatura hispano-americana contemporânea. Já os filmes, ao diluir ou perverter as fronteiras entre cinema clássico e moderno, constituem um solo sobre o qual pode ser pensada uma narrativa de pós-vanguarda.
Para além de interesses acadêmicos, o livro é um acerto enviesado e pessoal com os anos 80, uma viagem pela dor e pela solidão, um confronto com a fugacidade dos afetos e uma busca quase desesperada de beleza e leveza. Para Denilson Lopes, a melancolia constitui, neste fim de século, uma porta de entrada para repensar nossa época por meio da arte, o que levaremos para o próximo milênio, o que queremos.
Silviano Santiago escreve a respeito de Nós os mortos: “A melancolia foi tomada no belo trabalho de Denilson não como tema objetivo extraído de textos teóricos e de obras artísticas, mas como matéria para um narrador em primeira pessoa escrever uma prosa ficcional erudita. Para evitar o suicídio da estirpe dos melancólicos, exige-se a autocontemplação estilizada dos pares. A pulsão de morte do narrador neutraliza a pulsão de vida do leitor. Nós os mortos. “O que somos sem essa pedagogia da morte?” – o narrador pergunta

Paradójicamente, dos formas básicas de este ensayo histórico y civilizatorio que llamamos capitalismo son la apatía y la diversión. Ambas características tienen que ver con la naturaleza de los elementos centrales que constituyen nuestra socialidad: las mercancías.

Estas formas alcanzan, una y otra vez, los puntos culminantes de toda la historia del capitalismo: la configuración de la mercancía bélica y el consecuente acto de guerra, conquista y terror. Aquí la apatía se vuelve crueldad, y la diversión, sofisticación técnica.

Este trabajo intenta establecer parámetros novedosos para el estudio de estos fenómenos y otros similares -la mercancía de la escritura, del amor, del erotismo, de la fiesta, del arte o de la pornografía- que se dan en la vida dañada, el espacio condicionado por la acumulación de capital.

Este trabajo propone un análisis del papel del cuerpo en los relatos cortos de Silvina Ocampo.. A la falta de un espacio propio y a la limitación de su agencia, los personajes se refugian en su cuerpo y lo usan como herramienta discursiva, llevando a sus últimas consecuencias la disciplina corporal a la que están sometidos. En otras palabras, la ultradisciplina a la que someten a sus cuerpos cuestiona la norma y evidencia los defectos del sistema. En ese contexto, la muerte o metamorfosis que sufren la mayoría de los personajes, casi siempre deseada, no sería un castigo sino que constituiría una última rebelión, al mostrarse el sistema incapaz de un control total de los cuerpos.

Vivimos tiempos de crisis. La Postmodernidad se presenta como una crítica al proyecto moderno que tuvo como bandera el ideal de progreso; además, esgrime como sus principales banderas la “sordera” histórica, signo más que manifiesto de su ruptura con el pasado, un irracionalismo que rememora el pasado romanticismo, un hedonismo galopante, es decir, una cultura del placer, cuyo principal síntoma es el esteticismo dominante (narcisismo) y la decadencia de la “moderna” y “kantiana” cultura del deber. Esto conformaría la existencia de dos paradigmas total y radicalmente distintos. Quizás no pase de ser simple apariencia y por detrás de una supuesta ruptura con dicho proyecto, y su consecuente crítica por parte del Postmodernismo, podamos advertir la trama de una subyacente continuidad, cuyo signo más evidente sea el hecho de que hemos arribado al momento cúlmine del proceso de secularización operado por la conciencia moderna. Paralelamente a este proceso se observa otro no menos evidente: la extinción de las utopías. Analizamos el proceso de secularización de la conciencia moderna, comparándolo con el camino recorrido por el pensamiento utópico durante la Modernidad, concluyendo con la prevalencia de ciertos valores de la Postmodernidad que se han instalado en el ideario cosmológico del sistema eco-cultural-religioso conocido como la New Age.

Los cuentos de Silvina Ocampo son el perfecto
ejemplo de cómo la mirada no es libre, sino que
el acto de escribir siendo mujer nace de la
divergencia. La lectura crítica aquí propuesta es
como una telaraña que busca patrones temáticos
entrecruzados: la muerte, el olvido, los cuerpos
disciplinados o las identidades frágiles son algunos
de los motivos recurrentes. Todos los cuentos de
Silvina Ocampo suscitan preguntas universales,
pero enunciadas desde la especificidad innegable
de la escritura de mujeres.

Il coraggio della contaminazione ragionata fra discipline e il coraggio dell’esemplificazione trasversale si uniscono, in Omar Calabrese, con il coraggio della teorizzazione. Abbracciare con un unico sguardo, all’interno di un volume densissimo ma pur sempre limitato, l’intera produzione culturale di un’epoca, o perlomeno delle sue linee di tendenza più evidenti, richiedeva infatti un’ipotesi di lettura articolata ma forte, che consentisse a Calabrese d’innestare su un nucleo comune una molteplicità multiforme di manifestazioni del senso. L’ipotesi che l’autore trovò per realizzare questa complessa strategia interpretativa è proprio quella che dà il titolo al volume, ovvero il neobarocco. Questa ipotesi si può oggi valutare secondo due criteri.

El objetivo del presente artículo es estudiar la supervivencia del tema del homo bulla en prácticas artísticas contemporáneas vinculadas al neobarroco. El artículo aborda la actualidad del barroco en el contexto de la posmodernidad y el modo en que una antigua metáfora sobre la fragilidad del cuerpo adopta nuevos significados.

De los muchos escritores que en el ámbito hispanoamericano se han servido de Góngora y su poética para desarrollar o sustentar la propia, quizá sea el caso de Severo Sarduy el que resulte más peculiar, tanto desde el punto de vista teórico como práctico. Un uso que, partiendo de lo intelectual, del rigor y la seriedad que caracterizan los textos ensayísticos del cubano, no excluye lo afectivo, lo lúdico ni, tan siquiera, lo disparatado. Góngora lo acompañará, así, desde sus inicios literarios hasta los últimos años de su vida y le servirá no solo para erigir su teoría del neobarroco, sino también para dar cauce, de los más variados modos y maneras, a algunas de sus obsesiones vitales y artísticas, mostrándose siempre capaz en esta empresa de, si no superar, sí distanciarse de los que lo precedieron —muy especialmente de José Lezama Lima— y particularizar así su gongorismo. Sarduy pone en funcionamiento, además, todo un programa de actualización de Góngora que, lejos de leerlo tradicionalmente en su contexto
barroco, pretende convertirlo en abanderado privilegiado de su presente neobarroco, proyectando sobre él toda una serie de categorías estéticas radicalmente contemporáneas.

La lógica de Copi es neobarroca. ¿Pero de qué clase de barroco hablamos al decir algo semejante?
Leído en el Congreso de la Latin American Studies Association (LASA 2016/ LASA del cincuentenario) que se realizó en la ciudad de Nueva York entre los días 27 y 30 de mayo de 2016)

El artículo analiza las performances poéticas de Marosa Di Giorgio a través del vínculo con los recitales y las obras teatrales de la infancia, que la poeta desarrolla en su obra poética "Los papeles salvajes".Para ello se relevó, a lo largo de su obra poética completa, la relación entre poesía y teatralidad y en una segunda instancia se analizaron las prácticas teatrales de la autora y sus performances, en relación al imaginario de la teatralidad de la infancia que su obra poética propone. Se arriba a dos conclusiones: 1) la relación entre teatralidad, poesía y vida es consustancial a su autofiguración de "rara" y 2)la relación entre sus performance y su modo de plasmar lo teatral en la poesía se da a través de una representación "literal"

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perspective some of Silvina Ocampo stories that explore the use of bodies as texts.
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surprising that in anthologies and studies Silvina Ocampo has been excluded, whose fantastic narrative
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This work will focus on the bodies that refuse to submit to an invisible external authority, the leitmotif of
the analysed stories. These characters do not seek to challenge the established order, but to survive in it.
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innocence are used as masks, and at the same time, weapons. It is a quiet and constant rebellion seeking to
expand the periphery of the acceptable; however, it always ends uo with the death of the character, which
is actually a way to prove how the system needs to control anomalies and parallel narratives in order to
legitimise itself

La posmoderna actualidad del barroco es un fenómeno que ha sido puesto de relieve por autores como Calabrese o Anceschi. Si el barroco fue el arte de los sentidos, su actualidad da una vuelta de tuerca al uso del gusto y nos plantea ejemplos en los que se trata de saborear la idea misma de barroco, como si la comida fuese un medio como la pintura o la escultura en el que transmitir imágenes. Instalaciones como “Invención” de Greta Alfaro, en la que con merengue se reconstruye el interior barroco de una iglesia con la intención de ser devorado por el visitante, hablan de los sentidos y del papel del espectador en términos enraizados en la cultura barroca. Por otra parte, el vídeo “In ictu oculi”, también de Alfaro, reelabora el tema de la vanitas y el banquete en una obra que remite a Valdés Leal y a los bodegones y naturalezas muertas barrocas. Fuera del ámbito artístico, un postre de burbujas de chocolate del chef Aduriz en Mugaritz, el tercer mejor restaurante del mundo, se inspira en el tema del homo bulla y la tradición visual barroca de niños haciendo pompas de jabón para plantear una metáfora en un plato. Todos ellos tiene, sin embargo, un elemento en común: la comida como vehículo en el que sostener la actualidad del barroco. Con ellos, además, lo efímero y la conciencia de vanitas se articulan en la gastronomía y en las propuestas artísticas de hoy en día, pues se trata de obras e intervenciones en las que el paso del tiempo determina la completa comprensión de los mismos. Los límites que imponían el lienzo barroco quedan, de este modo, traspasados por las posibilidades de las nuevas tecnologías.

El punto de partida de este trabajo es una comparación entre los libros Barroco de Severo Sarduy y La cultura del barroco de José Antonio Maravall, publicados ambos casi el mismo año (1975 y 1974 respectivamente). En este marco, el artículo evalúa los alcances de las interpretaciones sobre el siglo XVII que propone Sarduy. Como hipótesis, se afirma que la mayor parte de estas interpretaciones están históricamente equivocadas o carecen de fundamentos documentales. Pero a la vez, y como segunda hipótesis, se propone que ese error es el fundamento desde el cual Sarduy compone su concepción anacrónica del neobarroco. A partir de una demostración de esa perspectiva, se elaboran reflexiones sobre el alcance de esa propuesta para comprender el siglo XVII y la actualidad.

Este texto tiene dos partes. Esta primera parte describe las ideas mediante las cuales algu-nos críticos, escritores e intelectuales del siglo xx comprendieron la literatura y la cultura del xvii. Nuestra hipótesis es que, en este período, hay dos perspectivas para interpretar el Barroco. Por un lado, hay autores que proponen que el Barroco retorna en la época contemporánea; por el otro lado, hay críticos que sostienen que sus características prin-cipales son inseparables del contexto histórico del 1600. En las conclusiones, se extraen algunas ideas compartidas por ambos enfoques.

¿Qué es poesía? ¿Qué es Lezama? A través del estudio de tres zonas del pensamiento de José Lezama Lima sobre poesía y conocimiento (memoria, archivo, ética) este ensayo señala algunos aspectos que rodean el logos poético como concepto clave de la experiencia de lenguaje que la obra de Lezama es y propone que es la conexión el procedimiento fundamental a través del cual poesía y conocimiento se anudan.

El texto aborda las relaciones de Lezama Lima con La Habana y las reflexiones e intimidades que consigna en sus voluminosas cartas. En este sentido, me refiero a los afectos y a las visiones sobre la literatura y el trabajo intelectual, pero también a los vínculos siempre tensos y problemáticos con la política, especialmente después del triunfo de la Revolución de 1959.

¿Cuáles son los efectos de conectar, o reconectar, la Máquina psicoanalítica con la Máquina barroca? La revisión de los cruces entre la obra de Jacques Lacan y Severo Sarduy permite constatar que mientras Lacan es una fuente fundamental de conceptos y figuras para la elaboración del Neobarroco de Severo Sarduy, el (Neo)Barroco es también una fuente fundamental no sólo de conceptos y figuras, sino también de colocaciones en los partages de la historia moderna. Es decir, en ese doble movimiento o cruce, cuando Lacan, en 1973, se coloca “del lado del Barroco” produce, al menos, tres efectos: acusa recibo de una conexión que Sarduy ya había propuesto; pone nombre (Barroco) a un interés que desde los 60 estaba presente en su obra; hace que el psicoanálisis absorba una fuerza nueva e inesperada –aquella que, desde fines del siglo XIX, provenía de la guerra entre lo clásico y lo barroco.

ABSTRACT
The Brazilian Haroldo de Campos discussed and regretted the lack of approaches between writers and intellectuals of Hispanic America and Brazil, whose cultural productions
coexisted for a long time, nearly without finding points of contact. De Campos tried to build cultural bridges between the two sides in his triple role as poet, translator, and critic. In
the second half of the 20th century, he established fruitful contacts with several Hispanic American poets and writers, such as Octavio Paz, Severo Sarduy and Julio Cortázar. In our analysis, we would like to emphasize correspondences, common themes, and creative dialogues among these four authors.

KEY WORDS: Haroldo de Campos, Octavio Paz, Severo Sarduy, Julio Cortázar, Brazil and Hispanic America, baroque, transcreation.

RESUMEN
El brasileño Haroldo de Campos tematizó y lamentó en varias ocasiones la escasez de aproximaciones entre los escritores e intelectuales de Hispanoamérica y Brasil, cuyas producciones culturales coexistieron durante mucho tiempo casi sin encontrar puntos de contacto. De Campos intentó construir puentes culturales entre ambas partes en su triple función de poeta, traductor y crítico. En la segunda mitad del siglo XX, estableció contactos fructíferos con varios poetas y escritores hispanoamericanos, entre ellos Octavio Paz, Severo
Sarduy y Julio Cortázar. En nuestro análisis, nos gustaría enfatizar las correspondencias, los temas en común y los diálogos creativos entre estos cuatro autores.

PALABRAS CLAVE: Haroldo de Campos, Octavio Paz, Severo Sarduy, Julio Cortázar, Brasil e Hispanoamérica, barroco, transcreación.

En este texto, abordo las primeras décadas de la obra de Severo Sarduy, es decir, sus años en Cuba y su exilio en Francia. Propongo mirar sus textos en íntima relación con la política, para destacar tanto sus vínculos con la revolución política, que Sarduy apoyó fervorosamente en 1959, como su adscripción a la revolución cultural de los años '60 y '70.

¿Cuál es la forma que adopta la hipotética dimensión latinoamericana de la experiencia de Roland Barthes? ¿Cuáles son los trazos que permiten definir esa dimensión? La amistad de Roland Barthes con Severo Sarduy (y a través de éste, su inscripción barroca) es, probablemente, la vía más directa de acceso a esa experiencia (un auténtico deseo de ser descolocado) y permite comprender que si bien América Latina no figura, en principio, entre las preocupaciones centrales de Barthes, se vuelve una de las claves que permite leer de otro modo la mayor definición de principios con respecto a lo moderno (la inclinación a apoyarse en las " fuerzas excéntricas de la modernidad " que Barthes pronuncia en el comienzo de la Lección inaugural) y, sobre esa base, redefinir la concepción barthesiana de la modernidad. 

What is the form of the hypothetical Latin American dimension of the experience of Roland Barthes? What are the strokes that let us define that dimension? Roland Barthes's friendship with Severo Sarduy (and through him, its baroque registration) is probably the most direct path to that experience (a true desire to be moved). This friendship allows us to understand that although Latin America is not listed, in principle, between the central concerns of Barthes, it becomes one of the keys that make possible to read otherwise his most important confession about the modern (the inclination to " draw upon the eccentric forces of modernity" that Barthes pronounced in the start of the Leçon) and, on that basis, to redefine his conception of modernity.

O objetivo do trabalho é discutir as possibilidades de aplicação da teoria desenvolvida pelo semioticista italiano Omar Calabrese, na obra A Idade Neobarroca (1981), aos estudos de cinema e audiovisual que se fundamentam metodologicamente na análise fílmica. Ao trabalhar com o conceito de barroco e discutir criticamente as contribuições de diferentes historiadores da arte ligados ao tema, Calabrese ofereceu uma chave interpretativa para um grande número de fenômenos culturais típicos das culturas pós-industrializadas. As narrativas audiovisuais no cinema ou na televisão são abarcadas nas análises do semioticista, que relaciona ao barroco um conjunto de características formais presentes em objetos da experiência estética contemporânea, e daí investe na identificação de suas ocorrências em obras de grande repercussão nos anos em que A Idade Neobarroca foi escrito. Em nossa comunicação, pretendemos sublinhar a relevância das conclusões de Calabrese a respeito da complexidade narrativa como um componente neobarroco de obras audiovisuais de boa circulação na cultura de massa. Em suas interpretações, Calabrese observou a formulação dessa complexidade em produções como a série televisiva Dallas (1978-1991) ou o filme O Iluminado (Shining, Stanley Kubrick, 1980). Da nossa parte, a título de exemplo, vamos indicar os desdobramentos do princípio da complexidade em obras recentes como as séries Arrested Development (2003-2006/2013) e Mad Men (2007-2015). Ao comentar estes produtos à luz das questões levantadas por Omar Calabrese, temos como principal objetivo uma discussão sobre a pertinência das contribuições do autor para a análise fílmica, espelhando-as no trabalho de autores do presente, como os teóricos norte-americanos David Bordwell e Jason Mittell.

En este trabajo propongo un abordaje de los textos ensayísticos del escritor cubano José Lezama Lima a través de una descrip-ción puntual del libro Analecta del reloj (1953). En este sentido, abordo sus ideas sobre la poesía, el ensayo, la crítica y la historia. Asimismo, examino sus propuestas sobre la cultura cubana.

Además de ser un escritor clave para la literatura mexicana contemporánea, Carlos Fuentes siempre ha reconocido sus deudas con la literatura española también. Más en concreto, se ha perfilado como continuador de lo barroco, un concepto que ha ayudado a articular y elaborar, tanto en sus ensayos como en sus textos literarios, a partir de la experiencia específica de la modernidad en América Latina. Su contribución al debate actual sobre lo barroco como experiencia transhistórica, particularmente vinculada a la postmodernidad, es fundamental, pero aún no había recibido la atención que merecía. Este libro constituye el primer estudio sistemático de la sensibilidad barroca en la narrativa de Fuentes, y propone un método de lectura original y consistente para acercarse a ella analizando cuatro novelas representativas de la obra del autor: Aura, Constancia y otra novelas y vírgenes, La frontera de cristal y Todas las familias felices.

Comentarios críticos sobre las relaciones de José Lezama Lima con el Barroco.
Capítulo publicado en el libro Lecturas críticas sobre el Siglo de Oro: hacia Lope de Vega. Marta Villarino, Graciela Fiadino y Mayra Ortiz Rodríguez (comps). Mar del Plata: Universidad Nacional de Mar del Plata, 2015.