Ephemeride

Les 100 meilleurs batteurs de tous les temps

Publié

16/07/2023

Par

Samuel Regnard

Des rois du rock au princes du punk, voici les 100 meilleurs batteurs de tous les temps, selon Rolling Stone

16 juillet 1952 : Naissance de Stewart Copeland, batteur de The Police

100 – Christian Vander

Le musicien et compositeur Christian Vander fait partie des batteurs qui ne sont pas forcément connus pour leur jeu. Il est connu en particulier pour être le cofondateur du groupe Magma. « La musique de Magma est née un jour de printemps de mon amour pour John Coltrane et de ma profonde tristesse quant à l’incapacité des humains à se comprendre », a déclaré Vander dans une interview en 2015.

99 – Travis Barker

Travis Barker, du groupe Blink-182, est l’un des batteurs les plus célèbres du nouveau millénaire, grâce à sa sensibilité hardcore, son esthétique de skater, son énergie hip-hop et son attrait pour la pop – sans oublier sa facilité à travailler avec des superstars de l’EDM ou des rappeurs, et à faire le DJ pendant son temps libre. « Je peux faire des beats toute la journée, et c’est quelque chose qui me touche. Je n’ai jamais entendu parler d’un batteur qui sert des beats à des gens comme ça, qui les donne à mes amis hip-hop », a déclaré Barker à Drum ! Magazine. C’est un artiste au jeu féroce, qui n’a pas peur d’être théâtral.

98 – Steven Adler

Les débuts historiques de Guns N’ Roses, Appetite for Destruction, tirent une grande partie de leur dynamisme des rythmes à la fois tendus et swinguants de Steven Adler. « Au crédit de Steven, et à l’insu de la plupart des gens, l’ambiance et l’énergie d’Appetite lui sont largement dues, écrit Slash dans son autobiographie. Il avait un style de batterie inimitable qui ne pouvait pas vraiment être remplacé, une légèreté presque adolescente qui a donné au groupe son étincelle ». Le bassiste Duff McKagan est d’accord : « Sans son groove, nous n’aurions pas trouvé beaucoup de ces riffs, » a-t-il déclaré à The Onion A.V. Club en 2011. Adler, qui a été renvoyé du groupe en 1990, a été remplacé par des batteurs techniquement avancés comme Matt Sorum et Frank Ferrer. Remplacé mais jamais égalé !

97 – Cindy Blackman

En 1993, Cindy Blackman a changé le cours de sa carrière, passant d’une as du jazz à la Tony Williams à une rock star des arènes en tant que membre du groupe de Lenny Kravitz. « Mon travail [avec Lenny] consiste à jouer un rythme pendant des heures, à ajouter des remplissages et des couleurs excitantes, lorsque c’est approprié, a-t-elle déclaré à The Villager. Mon travail dans mon groupe ou dans une situation créative est une chose totalement différente. Nous pouvons commencer par un groove qui me plaît – je peux aussi jouer cela pendant des heures, mais je vais l’explorer, l’étendre et le modifier, jouer avec le rythme et intervenir avec les solistes. »

96 – Larry Mullen Jr

Le seul membre de U2 qui ressemble réellement à une rock star a débuté sa carrière à la fin des années 70 en tant qu’amateur post-punk. À un moment donné, ses camarades de groupe ont envisagé de le mettre à la porte, une décision encouragée lors de l’enregistrement de la première démo de U2, lorsqu’un producteur fut choqué par le chronométrage douteux de Mullen. Il a cependant renversé la situation pour devenir l’un des skinsmen les plus influents du rock. Technologiquement avisé et étonnamment funky, Mullen fait en sorte que les grooves de U2 soient toujours tournés vers l’avenir.

95 – Chris Dave

Bien qu’il ne soit pas un mainstream, le spécialiste du R&B de 42 ans, connu sous le nom de Daddy, est légendaire dans son milieu. À l’instar d’un ornement de capot de Cadillac ou d’un logo Tiffany, la présence de Chris Dave sur une session est une marque de pure classe ; il apparaît sur certains des albums les plus en vue de la pop contemporaine, dont 21 d’Adele et Black Messiah de D’Angelo. Même s’il a grandi en idolâtrant des grands noms du jazz comme Tony Williams – et, plus tard, en canalisant ces inspirations dans son travail aux côtés d’as de l’improvisation comme Robert Glasper – c’est en tant que batteur qu’il a eu le plus d’impact. Le grand don de Dave est de créer des rythmes qui font dresser l’oreille, souvent réalisés sur un kit bricolé avec jusqu’à cinq caisses claires, et qui se fondent parfaitement dans le son d’un groupe.

94 – Meg White

L’approche idiosyncrasique et primitive de Meg White à la batterie a été fondamentale pour la notoriété des White Stripes, qui ont porté leurs tenues aux couleurs bonbon et leur blues dépouillé jusqu’à la gloire au début des années 80. Des morceaux comme « Dead Leaves and the Dirty Ground » et « Blue Orchid » ont été animés par son jeu de batterie simple et trompeur, qui a contribué à définir le style des White Stripes. « Je la regardais souvent sur scène en me disant : « Je n’arrive pas à croire qu’elle soit là ». Je ne pense pas qu’elle ait compris à quel point elle était importante pour le groupe, pour moi et pour la musique », a déclaré Jack White à Rolling Stone en 2014. « Elle était l’antithèse d’un batteur moderne. Tellement enfantine, incroyable et inspirante. Tout le non-dit n’avait pas d’importance, parce que sur scène ? Rien de ce que je fais ne pourra dépasser ça. »

93 – Tomas Haake

Depuis le premier album de Meshuggah, Contradictions Collapse, paru en 1991, Haake a modifié son approche en ajoutant des rythmes électroniques et des motifs de batterie de plus en plus sophistiqués, grâce aux guitaristes Fredrik Thordendal et Mårten Hagström. « Les gars écrivent tous sur des ordinateurs, et j’émule ce qu’ils ont écrit, explique Haake. Cela rend parfois la batterie maladroite, mais en même temps, c’est un grand défi et un obstacle à surmonter. Cela me laisse vraiment en alerte. »

92 – Ralph Molina

Neil Young a joué avec de nombreux batteurs au cours des 50 dernières années, mais il revient toujours à Ralph Molina, qu’il a rencontré pour la première fois à l’époque de Buffalo Springfield, lorsqu’il était membre des Rockets. Comme ses comparses du Crazy Horse, Molina est tout sauf un virtuose à l’emporte-pièce. « Je peux commencer à jouer de la guitare, et Ralph peut la prendre sur le mauvais rythme et la jouer à l’envers, a déclaré Young au biographe Jimmy McDonough. Ça arrive tout le temps. Ça n’arrive jamais avec les groupes professionnels. » Il ne veut pas dire ça comme une insulte. C’est ce genre de jeu brut, qui vient des tripes – et un don pour les contretemps terreux qui se traînent avec une grâce élémentaire sous les envolées fuzzées caractéristiques de Young – qui a aidé Molina à poser les bases de « Down by the River », « Cinnamon Girl » et d’autres classiques intemporels. « Nous ne connaissons pas les chartes, nous n’avons pas de règles, a déclaré Molina en 2011 à propos de son travail avec Young. Nous commençons simplement à jouer. La magie semble se produire d’elle-même… « La preuve en est évidente sur n’importe quel enregistrement du Crazy Horse, de Everybody Knows This Is Nowhere de 1969 à Psychedelic Pill de 2012.

91 – Brian Chippendale

« Toutes nos œuvres sont un moyen de nous amener à quelque chose qui change la donne d’un point de vue musical, a déclaré Brian Chippendale. Ou juste ce sentiment de, ‘Je ne vais pas m’arrêter. Je vais continuer à jouer du tambour aussi longtemps que je le peux ». Le duo de longue date de Chippendale, Lightning Bolt, traite le noise-rock comme une musique corporelle, sa grosse caisse palpitant de manière experte aux côtés de la basse fuzz-gush de Brian Gibson. « Lightning Bolt est passé il y a quelques années et s’est produit en Angleterre [à] All Tomorrow’s Parties, et il y avait ce petit extrait que tous mes amis m’ont envoyé », a déclaré Björk à Pitchfork au sujet de la présence de Chippendale sur l’album Volta de 2007. « Je l’ai écouté tellement de fois, et je n’ai jamais pensé sur terre que je travaillerais avec quelqu’un comme ça. »

90 – Janet Weiss

« Janet a créé une partie de batterie, féroce et solide, nous pouvions pratiquement nous frapper la tête contre elle », Corin Tucker a raconté à Drum ! comment Janet Weiss a rejoint Sleater-Kinney. « Puis nous étions trois. » Depuis qu’elle a fait équipe avec Tucker et Carrie Brownstein en 1996, Janet Weiss a été la fondation de l’institution alt-rock, tout en apportant ses talents mordants à Bright Eyes, the Jicks, the Shins et bien d’autres. Mais c’est son travail avec Sleater-Kinney qui s’est avéré le plus influent. « La musique, pour moi, est la plus immédiate de toutes les formes d’art. Peut-être parce que je suis physique. … Je tape sur des objets. Il y a une physicalité dans notre musique. Nous utilisons toutes les parties de notre corps », a-t-elle déclaré à Paper dans une interview consacrée à son supergroupe Wild Flag. « Les femmes n’ont pas souvent le droit d’être des animaux. Et là, nous le sommes. »

89 – Bill Stevenson

Bill Stevenson a rythmé deux courants du punk révolutionnaire de SoCal. En 1977, alors qu’il était encore boutonneux et âgé de 14 ans, Stevenson a cofondé les Descendents, dont les hymnes protoémo déchirants ont inspiré de groupes comme Green Day, Blink-182, Fall Out Boy et Weezer. Au début des années 80, il a été le batteur de Black Flag, groupe emblématique de la scène punk de Los Angeles, pendant la phase sans doute la plus créative du groupe ; comme on peut l’entendre sur des albums tels que My War et Slip It In. Stevenson, qui est très occupé à tourner avec Descendents et le projet Flag, un hommage à Black Flag, attribue le caractère hyperactif de son jeu à la caféine. « Dans notre groupe, nous buvions un tas de café, ou je mangeais 50 barres Snickers, avant de jouer« , a-t-il déclaré en 2014.

88 – Jon Theodore

Jon Theodore a commencé à faire parler de lui au début des années 2000, en jouant un prog éblouissant aux accents latins avec les Mars Volta. « J’ai assisté à certaines de ses premières prestations en tant que membre de Mars Volta« , a déclaré Zack de la Rocha, de Rage Against the Machine, qui jouera plus tard avec Theodore dans le groupe de guérilla-funk One Day as a Lion. « Il était clair que la musique à L.A. ne serait plus jamais la même maintenant qu’il était dans les parages« . Mais c’est une recommandation de Dave Grohl qui a conduit Theodore à son rôle le plus prestigieux. Dave a dit : « Tu sais, le gars qui m’épate vraiment, c’est Jon Theodore« , se souvient Josh Homme, le leader de Queens of the Stone Age, qui a engagé ce dernier en 2013.

87 – George Hurley

Le punk hardcore existait à peine lorsque le trio monumentalement novateur de San Pedro, les Minutemen, a fait ses débuts en 1980, mais il le transcendait déjà, fusionnant le funk, le rock et la folk dans des éclats magnifiquement nerveux. La musique du groupe, frénétique et contre-intuitive – mais étrangement naturelle – aurait pu se transformer en chaos sans George Hurley, un fan de jazz dont la vitesse, la polyvalence et la nuance ont fait de lui le batteur le plus inventif de la scène indie-rock américaine des années 1980. « J’aime la musique R&B« , a-t-il déclaré. « J’aime la détente qu’elle procure. En même temps, j’aime aussi les choses saccadées et fragmentées, alors j’essaie de combiner les deux. Je suppose que c’est un peu comme une soupe de maïs et de noix ! »

86 – Phil Rudd

Phil Rudd, batteur de longue date d’AC/DC, a récemment fait couler plus d’encre pour avoir menacé de tuer un ancien employé que pour avoir rythmé le groupe australien pendant près de 30 ans. C’est dommage, car le style économique et le groove monstre de Rudd ont contribué à faire d’AC/DC un mythe. « Il joue de la batterie de la manière la plus économique et la plus efficace qui soit », a déclaré Eric Singer. « Son feeling est vraiment le cœur et l’âme du groupe ». Rudd a rejoint AC/DC en 1975, en remplacement de Peter Clark, et a joué sur sept albums studio avant que le chanteur Bon Scott ne décède de « mort par mésaventure ». Après une période de toxicomanie et une altercation physique avec le guitariste Malcolm Young, Rudd a été licencié en 1983. Il a retrouvé AC/DC fin 1993 et a joué sur quatre albums de plus.

85 – Tommy Lee

Les solos de batterie défiant la gravité et le penchant de Tommy Lee à porter le moins de vêtements possible ont fait de lui l’un des plus grands showmen du métal. Mais son rôle au sein de Mötley Crüe était tout aussi important que son aura de star. Le jeu frénétique de Lee a contribué à définir l’attrait glam-punk de Too Fast for Love, le premier album de Mötley Crüe, tandis que le rythme sous-tendant la chanson titre de Dr. Feelgood était aussi écrasant que ce que cette chanson raconte sur la décadence des années 80. Sa « batterie de rêve », qu’il a emportée lors de la dernière tournée de Mötley Crüe en 2015, est en accord avec son esthétique dépouillée : « J’ai maintenant un kit entièrement transparent pour que les gens puissent vérifier exactement ce que je fais« , dit-il. « La plupart des batteurs sont couverts d’un million de tambours et tout le monde se demande : « Qu’est-ce que tu fais là derrière ?« .

84 – John Stanier

« Quand on joue avec des boucles, elle est vraiment menée par le batteur, a déclaré John Stanier dans une interview de 2011. C’est vraiment, indirectement, le batteur qui dirige le spectacle. » Il ne fait aucun doute qu’à chaque fois que Stanier est sur scène, c’est lui qui est aux commandes, alimentant la performance de son groupe Battles, avec des rythmes mathématiques, furieusement dansants. Lorsque les rois du métal alternatif des années 90, Helmet, ont fait irruption dans le grand public en 1992 avec leur album Meantime, qui s’est vendu à un million d’exemplaires, ils ont redéfini le son du rock lourd – et leur ascension doit beaucoup à Stanier, dont l’approche du kit a poussé les riffs sculptés de Page Hamilton dans un nouveau royaume de précision. « C’était une réaction directe à la multi-instrumentalité et à la complexité des autres musiciens, » dit-il en parlant de son jeu dépouillé, équipé d’une cymbale crash imposante. Le don de Stanier est de faire en sorte que le minimal semble monolithique.

83 – Ronald Shannon Jackson

Si Ronald Shannon Jackson n’avait fait que jouer avec les icônes du jazz d’avant-garde Albert Ayler, Ornette Coleman et Cecil Taylor pendant 12 ans, entre 1966 et 1978, sa stature serait assurée. Mais Jackson, qui a ensuite incorporé des motifs de tambours de parade, des rythmes africains et du funk dans un style singulier et immédiatement reconnaissable, a ensuite formé son groupe Decoding Society, acclamé par la critique, dont sont issus le guitariste de Living Colour, Vernon Reid, et le bassiste du Rollins Band, Melvin Gibbs. « Il a synthétisé les shuffles blues avec les syncopes africaines à travers le prisme de quelqu’un qui donnait libre cours à toutes sortes d’émotions, a déclaré Reid à propos du défunt batteur-compositeur dans un article du Fort Worth Weekly de 2003. J’ai le sentiment que la collision des valeurs dans sa musique représente vraiment la culture américaine. » Le grondement sismique de Jackson a également animé des sessions dirigées par John Zorn et Bill Laswell, et a atteint son paroxysme dans Last Exit, un quartet punk-jazz sans prise de risque, avec Laswell, le saxophoniste Peter Brötzmann et le guitariste Sonny Sharrock.

82 – Glenn Kotche

Entouré sur scène de ce que le leader du groupe, Jeff Tweedy, appelle ses « in-Glenn-tions », Glenn Kotche apporte à Wilco la sensibilité d’un percussionniste d’orchestre, les pulsions expérimentales d’un rockeur indé et de solides compétences de papa-rock. Kotche, qui a rejoint le groupe à temps pour leur album Yankee Hotel Foxtrot, a équipé son kit d’un vibraphone, d’effets MIDI, de gongs, d’un enjoliveur, de cymbales anciennes accordées, de balles de ping-pong remplies de granulés et d’un tube d’air relié à son tom de sol. Il lui arrive de « préparer » ses tambours en posant des chaînes dessus ou en éparpillant des perles et du riz sur les peaux de tambour. Dans ses propres compositions, Kotche explore les sonorités en collaboration avec So Percussion et d’autres figures de musique contemporaine. « Je pense qu’il est l’un des plus grands batteurs du monde, a déclaré Tweedy, et nous avons une confiance musicale incroyable. » Ce à quoi l’hybride Jim Keltner-John Cage répondrait : « Je suis là pour servir les chansons. »

81 – JR Robinson

John « JR » Robinson se présente comme le « batteur le plus enregistré de l’histoire », ce qui devrait vous donner une idée de la volumineuse discographie de l’un des meilleurs batteurs de la pop : « I’m So Excited » des Pointer Sisters, « Higher Love » de Steve Winwood, « Ain’t Nobody » de Rufus et Chaka Khan, un morceau de Random Access Memories de Daft Punk… Plus important encore, Robinson a posé le socle disco-rock-funk-pop de l’album Off the Wall de Michael Jackson.

80 – Steve Jordan

Respectant la forte tradition de R&B et de soul, Steve Jordan était adolescent lorsqu’il a commencé à jouer avec Stevie Wonder et s’est rapidement transformé en un artiste polyvalent aussi doué pour le jazz fusion que pour le rock. Il est membre de Keith Richards and the X-Pensive Winos, a joué pour Neil Young dans les années 80, a fait de nombreuses tournées avec Eric Clapton et a même fait partie du groupe fictif des Blues Brothers. (Il a également établi des liens solides avec une génération plus jeune, en ancrant le trio signature de John Mayer). Détendu et confiant, Jordan est devenu un maître dans tous les domaines, imprégnant tout ce qu’il jouait de son swing caractéristique. « Si vous êtes une personne rigide, je ne pense pas que vous puissiez swinguer ou faire swinguer les autres, disait-il de sa technique. Je prendrais un batteur qui n’a aucune technique n’importe quel jour de la semaine plutôt qu’un batteur plus efficace, s’il swingue mieux. »

79 – Mick Avory

A mesure que Ray Davies, le leader des Kinks, mûrissait en tant qu’auteur-compositeur, Mick Avory s’imposait comme l’un des batteurs les plus novateurs des années 60. « Je ne sais pas si l’écriture de Ray s’est fondue dans ma façon de jouer ou si je me suis fondu dans sa façon d’écrire ». Avec sa polyvalence issue du jazz, Avory, qui avait été courtisé par les Rolling Stones en 1962, était en effet le contrepoids rythmique idéal pour le style sardonique et mature de Davies. Si le jeu d’Avory était raffiné et discret, ses bagarres scéniques avec le guitariste Dave Davies étaient légendaires : lorsque ce dernier a saccagé la batterie d’Avory pour clôturer un concert à Cardiff en 1965, il s’est vu lancer une pédale de batterie sur la tronche en retour. Pourtant, Avory a réussi à ne pas se faire virer du groupe avant 1984.

78 – Micky Waller

Formé au jazz, Micky Waller s’est imposé sur la scène blues à Londres lorsqu’il a rejoint le Jeff Beck Group en 1967. Son « Waller wallop » distinctif a alimenté une grande partie de Truth, le chaînon manquant entre le hard blues et le heavy metal. Waller a également joué de la batterie sur les premiers albums solo de Rod Stewart, son meilleur moment étant une session de 1971 à laquelle il s’est présenté sans cymbales. Rod ne pouvait pas se permettre de gaspiller le temps de studio, il a donc enregistré « Maggie May » quand même, avec le battement si féroce et régulier de Waller que le critique Greil Marcus a dit qu’il méritait le prix Nobel de physique. « Nous avons enregistré les cymbales plus tard, de sorte que vous les entendez plus faiblement, se souvient Stewart. Micky a oublié d’apporter ses cymbales, ce qui a donné à « Maggie May » un rythme plus brutal. »

77 – Moe Tucker

Elle est à l’origine du son qui a donné naissance à un million de groupes. C’est dire l’influence qu’a exercée l’excentrique Maureen « Moe » Tucker a au Velvet Underground, mais aussi sur des artistes aussi divers que Patti Smith, R.E.M., Galaxie 500 et Nirvana. En effet, Tucker a tenu tête aux leaders du Velvet, Lou Reed et John Cale, lorsqu’il s’agissait de l’iconoclasme sonore de l’avant-garde des années 60 – se tenir debout au lieu de s’asseoir derrière le kit, jouer avec des baguettes au lieu de bâtons, éviter les cymbales sauf en cas de nécessité absolue ou d’imprévu. Sur les classiques de VU comme « Heroin », Maureen Tucker semble se dispenser de garder le rythme, variant le battement en fonction de la chanson. « Je pense que Maureen Tucker est une batteuse de génie, a déclaré Lou Reed en 2003. Son style de batterie, qu’elle a inventé, est incroyable. »

76 – Earl Young

En 1973, sur le tube R&B d’Harold Melvin and the Blue Notes, « The Love I Lost », Earl Young a inventé le rythme disco – les quatre temps d’une mesure joués sur la grosse caisse. Ce motif rythmique adaptable à l’infini a été le pouls d’une décennie et est toujours omniprésent partout. En tant que membre de l’équipe de session MFSB, Young a également posé le cadre musical de la Philly Soul, contribuant aux disques des O’Jays, des Spinners et de son propre groupe, les Trammps. « Je n’ai pas de boîte à rythmes, dit-il. J’étais la boîte à rythmes à l’époque. »

75 – Earl Hudson

Le groupe de hardcore issu de Washington, Bad Brains, a commencé sa carrière en tant que groupe de jazz fusion, et Earl Hudson a su garder ses superbes aptitudes lorsque les choses ont évolué. Dave Grohl (Nirvana), admet s’être inspiré de ses mouvements pour l’intro de « Smells Like Teen Spirit » et a déclaré à Modern Drummer : « J’apprenais mot pour mot toutes ses combinaisons ». Lorsque le batteur de hard rock Chad Smith a rejoint les Red Hot Chili Peppers, le leader Anthony Kiedis lui a dit de se familiariser avec son jeu. Finalement, Bad Brains a ralenti la candence, s’est étendu au métal, au reggae et au funk, donnant à Hudson plus d’espace pour étaler sa polyvalence. Mais il restera toujours connu comme l’architecte en chef du hardcore américain.

74 – Michael Shrieve

Lorsque Santana est monté sur scène le deuxième jour du festival de Woodstock, coincé entre Country Joe McDonald et John Sebastian, il s’est retrouvé face à un océan de spectateurs qui n’avaient jamais entendu une note de sa musique, puisque le premier LP du groupe n’était pas encore dans les bacs. Mais dès la première note de « Waiting », le public a été hypnotisé par la fusion unique du groupe entre des rythmes latins contagieux et un rock psychédélique explosif. Le batteur Michael Shrieve, âgé de 20 ans, fut le plus jeune artiste de tout le festival. Avec le joueur de conga Michael Carabello d’un côté et le joueur de timbales Jose « Chepito » Areas de l’autre, Shrieve a exécuté un solo dégringolant, imprégné de jazz, au milieu de « Soul Sacrifice », qui reste absolument stupéfiant près de 50 ans plus tard. Santana se débarrasse de presque tous les membres de son groupe d’origine deux ans plus tard, mais Shrieve reste à ses côtés et coproduit même Welcome en 1973 et Borboletta en 1974. Le batteur a ensuite travaillé avec du beau monde, du Pat Travers Band aux Rolling Stones, démontrant ainsi son formidable éventail. « Michael Shrieve m’a fait découvrir Miles Davis et John Coltrane, a déclaré Carlos Santana en 2013. Il a ouvert une toute nouvelle dimension pour mon cœur. »

73 – Pete Thomas

En moins d’un an, Elvis Costello est passé du pub-rock nerveux de My Aim Is True à la frénésie punk bilieuse de This Year’s Model, et il n’aurait pas pu faire ce grand bond en avant sans Pete Thomas, fan ultime de Mitch Mitchell, derrière le kit. Alors que l’écriture de Costello exigeait davantage de nuances, Thomas est resté son complice rythmique idéal. « Pete Thomas est de très loin le batteur de rock and roll de sa génération, a tweeté Costello l’année dernière, et le fait que vous ne l’ayez jamais lu ça dans les toplist vous dit tout ce que vous devez savoir sur les « toplist » et rien sur les batteurs. »

72 – James « Diamond » Williams

Formé au jazz, James Williams joue dans des groupes de bar de Dayton dès son adolescence. Lorsqu’il rejoint les Ohio Players en 1974, le groupe existe déjà depuis une quinzaine d’années, mais leur série de tubes pour Mercury Records ne fait que débuter. Le jeu de batterie de Williams, qui n’est pas si technique mais qui est parfois explosif, fait avancer ces morceaux – son fond de funk constant peut éclater de façon inattendue, même sur des ballades comme « I Want to Be Free ».

71 – Butch Trucks et Jaimoe

Les batteurs de l’Allman Brothers Band, Butch Trucks et Jai Johanny « Jaimoe » Johanson, sont inséparables depuis la création du groupe, alimentant tout, des rythmes complexes de l’emblématique « Whipping Post » aux exercices subtils comme leur interprétation de « Trouble No More » de Muddy Waters. Le pedigree de Jaimoe en tant que batteur soul des années 60 avec des artistes comme Otis Redding se mêle à la pulsation bluesy et rock de Trucks pour former un rythme unique, qui leur est propre. Comme Jaimoe l’a raconté à Relix, lui et Trucks ont essayé de prendre des leçons de batterie auprès d’Elvin Jones en 1974, mais la légende du jazz leur a dit : « Qu’est-ce que vous voulez ? Je sais qui vous êtes. Qu’est-ce que je suis censé vous apprendre ? »

70 – Tommy Ramone

« Il a donné le pouls au punk rock » : c’est ce qu’on pouvait lire dans la rubrique nécrologique du New York Times, à la mort en 2014 d’un certain Tamás Erdélyi – plus connu sous son nom de scène, Tommy Ramone. Avec ses croches furieusement métronomiques et ses bombes tribales de tam-tam, il a fourni le rythme des trois premiers albums révolutionnaires des Ramones, en accord avec la guitare de Johnny Ramone. Il a également apporté une contribution importante à l’écriture des chansons du groupe, écrivant même « Blitzkrieg Bop », que Joey Ramone a qualifié d’« appel aux armes pour que chacun crée son propre groupe. » Cela inclut des artistes tels que les Clash, Metallica et pratiquement tous les groupes qui ont participé au Warped Tour ; en effet, le son caractéristique d’Erdélyi résonne toujours aussi fort.

69 – Dale Crover

« C’est le meilleur batteur du monde, a déclaré sans peser ses mots le batteur de Nirvana, Dave Grohl. J’ai toujours pensé que si les choses ne marchaient pas [avec moi], ils pourraient toujours prendre Dale. » Bien que l’on puisse l’entendre jouer sur neuf titres et faces B de Bleach, le principal boulot de Dale Crover est sa participation, depuis plus de 30 ans, à l’institution de l’art-sludge, les Melvins. Il est à la fois une machine à séisme, un showman et un mathématicien ad hoc qui suit les riffs de Buzz Osborne. Nourri par son amour pour Kiss et Led Zeppelin, le son distinct de Crover provient de tom-toms qui explosent comme des canons, de slats métalliques qui grésillent, de double kick qui crachent. Toujours plus fort que vos punks préférés.

68 – Jerome « Bigfoot » Brailey

En 1975, lorsque George Clinton a entendu pour la première fois le morceau « Fame » de David Bowie à la radio, il s’est tourné vers son nouveau batteur et lui a demandé de se souvenir de ce rythme. Jerome Brailey, la nouvelle recrue de Parliament-Funkadelic, s’est chargé de filtrer le style de Jabo Starks, le stickman de JB, à travers l’aura de Bowie sur « Give Up the Funk (Tear the Roof Off the Sucker) ». Brailey restera à bord du vaisseau-mère jusqu’en 1978, pilotant bon nombre des plus grands succès de P-Funk avec sa grosse caisse stable, son charleston et son motif de caisse claire complexe et imprévisible, avant qu’il parte former Mutiny. « Faire du funk est vraiment simple, a déclaré Brailey en 2010. Il s’agit de l’excitation sur le moment. Le funk vient de l’intérieur. »

67 – Greg Errico

Greg Errico n’a que 17 ans lorsque Sylvester Stewart invite le natif de San Francisco à rejoindre son nouveau groupe Sly and the Family Stone. Errico aidera à diriger l’une des sections rythmiques les plus importantes de la musique funk, depuis leurs premiers enregistrements jusqu’à l’inoubliable There’s a Riot Goin’ On. En 2015, Errico a déclaré à Rolling Stone qu’à son apogée, jouer avec Family Stone « me faisait dresser les cheveux sur la tête, où la scène décollait comme un 747. » En 1971, alors que Family Stone était en pleine tourmente, Errico a été le premier à partir et a fini par travailler avec Lee Oskar, Betty Davis et Funkadelic, non seulement comme batteur, mais aussi comme producteur et arrangeur.

66 – Kenny Aronoff

Connu surtout comme le batteur de John Mellencamp de 1980 à 1996, Kenny Aronoff dispose d’un jeu complexe et insaisissable. Mais il est tout aussi à l’aise pour garder un rythme solide et constant. « [En tant que batteur], je suis l’employé, a-t-il déclaré à Esquire. Mon travail consiste à écouter, à apprendre, à diriger. Et je comprends que je ne suis pas le patron. » Grâce à son talent et sa générosité, il est devenu un batteur de studio incontournable pour les Rolling Stones, Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Diamond, Eric Clapton, John Fogerty, Sting, les Smashing Pumpkins, Lady Gaga et bien d’autres.

65 – Sly Dunbar

Le batteur de reggae Lowell Fillmore Dunbar a joué avec tout le monde (ou presque) et, étant donné la fréquence à laquelle ses riddims ont été échantillonnés, il est probablement le musicien le plus enregistré au monde. Surnommé pour sa dévotion à Sly Stone, Dunbar a enregistré son premier morceau, « Night Doctor », avec les Upsetters à l’âge de 15 ans. En 1972, il fait la connaissance du bassiste Robbie Shakespeare, avec qui il travaillera toute sa vie, notamment dans les groupes de Peter Tosh et de Black Uhuru, ainsi que lors de la tournée Some Girls des Rolling Stones en 1978. Sly et Robbie ont transmis l’art du reggae dub sur scène comme personne. « Moi et Robbie n’avons pas réalisé ce que nous faisions jusqu’à ce que la musique jamaïcaine devienne dub et que la basse et la batterie vous arrivent en pleine figure, » explique-t-il. Un précurseur.

64 – Chad Smith

Depuis ses débuts avec les Red Hot Chili Peppers en 1989, Chad Smith a toujours su allier la rapidité du funk classique à la puissance et au volume d’un rockeur d’arène. « Il joue dur, mec, dit Sammy Hagar, qui a recruté Smith pour son groupe Chickenfoot. Ce type vient de Detroit, pour l’amour de Dieu ! » Après avoir travaillé pour la première fois avec RHCP, Rick Rubin a été tellement impressionné par la polyvalence de Smith qu’il s’est inspiré de son jeu sur ses autres productions. Cliff Martinez, ancien batteur des Chili Peppers, le qualifie de « virtuose monstrueux… avec un sens sophistiqué et aiguisé. » Anthony Kiedis attribue à Smith le mérite d’avoir inspiré l’évolution de RHCP : « Tout ce que j’ai à faire, c’est de fermer les yeux et d’écouter Chad. Ce serait contre productif si je ne le faisais pas. »

63 – Dennis Chambers

Issu de l’école Parliament-Funkadelic qui a donné naissance à Ramon « Tiki » Fulwood et Jerome Eugene « Bigfoot » Brailey (voir plus haut), Dennis Chambers a combiné le sens du funk de ces musiciens avec la fusion de Tony Williams, inspirant ainsi d’innombrables batteurs de gospel et de hip-hop. Travaillant en tant que batteur pour le label Sugar Hill (Chambers a joué sur « Rapper’s Delight ») et aux côtés du guitariste de jazz funky John Scofield, le natif de Baltimore a affiné un style construit autour de grooves explosifs et de rythmes brûlants à la Buddy Rich, qui semblent défier le temps. Depuis les années 90, Chambers a beaucoup joué avec Carlos Santana, Steely Dan et John McLaughlin. Les albums solo de Chambers – tels que Big City, Getting Even et Outbreak – sont des exemples tristement ignorés de sa puissance et de son sens aigu de la composition.

62 – Tony Thompson

Tony Thompson a créé les grooves impitoyables de Chic, le groupe de rock le plus éclatant de l’ère disco. Sa réputation n’a cessé de croître dans les années 70, mais son influence s’est étendue aux années 80, avec des compositions sur des tubes pop comme « Addicted to Love » de Robert Palmer et « Like a Virgin » de Madonna. Thompson a même été considéré comme le remplaçant de feu John Bonham lorsqu’il a été question d’un renouveau de Led Zeppelin. Et, bien sûr, c’est lui qui a créé le groove de la chanson originale « Good Times », la chanson de Chic reprise par d’innombrables batteurs. « Pendant toutes ces années, les gens ont voulu me sampler. Tout le monde a toujours supposé qu’il y avait une sorte de recette magique, Thompson a déclaré à Modern Drummer. Tout ce que c’était, c’était un kit Yamaha tout neuf dans un studio d’enregistrement très vivant, en briques. Je frappais les tambours très fort. C’est tout ! »

61 – Clem Burke

Clem Burke, membre de Blondie, a apporté un rythme inattendu au punk brut et à la new wave qui s’échappaient des clubs new-yorkais des années 70, comme le CBGBs. Avec Burke derrière le kit, Blondie a réussi sa percée : des grooves disco au reggae en passant par les rythmes hip-hop, dans les grands succès du groupe. Le batteur avait une présence et un charisme qui titillaient parfois l’attitude d’un frontman. « Il sautait sur sa batterie assez régulièrement, a déclaré la chanteuse Deborah Harry au Chicago Tribune. Clem est arrivé, et c’était une vraie star. Il savait jouer, et on voyait que c’était sa vie. »

60 – Mick Fleetwood

Avec son partenaire rythmique John McVie, Mick Fleetwood est resté une constante à travers les nombreux changements stylistiques de son groupe éponyme, du blues-rock de Peter Green à la fin des années 60 à la pop adulte de la formation populaire Stevie Nicks-Lindsey Buckingham. La personnalité rythmique de Fleetwood transparaît dans chaque morceau du best-seller du groupe, Rumours : Le remplissage stylisé qui introduit « Dreams » est aussi accrocheur que n’importe quel refrain, et le contrepoint de tom-tom qu’il fournit à la guitare rythmique de Buckingham fait partie intégrante de « Go Your Own Way ». Buckingham a fait l’éloge du style « instinctif » de Fleetwood et raconte une histoire sur le break de cloche de vache distinctif que le batteur a ajouté au premier single du groupe, « Oh Well ». « Mick l’a fait sur un coup de tête et quand il a essayé de le répéter, il n’y arrivait pas ! Il lui a fallu une semaine de répétitions pour apprendre ce qu’il avait fait en un instant. » En tant qu’interprète, le flair instinctif et la joie enfantine de Fleetwood derrière le kit restent intacts à ce jour.

59 – Jim Gordon

Le protégé de Hal Blaine était l’un des meilleurs batteurs de studio des années 60, participant à toutes les productions, de Pet Sounds à « Classical Gas ». Lors d’une tournée avec Delaney & Bonnie, Jim Gordon a rencontré Eric Clapton, qui a fait appel à lui (et à plusieurs de ses camarades) pour former Derek and the Dominoes. La combinaison du sentiment bluesy et de la finesse professionnelle de Gordon a donné naissance au double LP classique Layla and Other Assorted Love Songs. Gordon a ensuite enregistré avec des artistes comme Randy Newman et Steely Dan, et est devenu une figure improbable de l’essor du hip-hop lorsque le DJ Kool Herc a commencé à inspirer les danseurs du Bronx avec le break de batterie de Gordon tiré de « Apache » de l’Incredible Bongo Band. « Tout le monde a commencé à chercher le rythme parfait, à essayer de battre ce record », se souvient Herc. « Ils n’arrivent toujours pas à le battre, encore aujourd’hui. »

58 – Sheila E.

Née Sheila Escovedo, fille du percussionniste Pete Escovedo, Sheila E. était une prodige de la batterie, jouant dès son plus jeune âge avec des artistes comme Marvin Gaye et Herbie Hancock. Elle est devenue célèbre en apportant son style polyrythmique vif et pur au groupe post-Revolution de Prince à la fin des années 80, contribuant ainsi à façonner le rock, la pop et le R&B de cette décennie. Bien sûr, elle a également chanté sur ses propres tubes solo, comme « The Glamorous Life » en 1984, mais c’est son éminence en tant que batteuse, toujours très demandée, qui a assuré son héritage musical. « C’est assez intéressant que tout le monde dise comment [Prince] m’a influencée, mais en fait, c’est moi qui l’ai influencé en premier », a-t-elle déclaré à Fox News. « Quand je suis allée me présenter, il savait déjà qui j’étais, ce qui m’a choquée, et il a dit : ‘Je sais déjà qui vous êtes. Je suis votre carrière depuis longtemps, et vous êtes incroyable et j’aimerais que vous jouiez dans mon groupe.' »

57 – Manu Katché

Des artistes comme Peter Gabriel et Sting ont refusé de se reposer sur le plan rythmique à la fin des années 80 et au début des années 90 ; ils ont fait appel au très dynamique batteur français de la côte d’Ivoire Manu Katché pour traduire leurs visions expansives du worldbeat. Instantanément reconnaissable grâce à son travail nuancé de cymbales splash, il apporte la pulsation ouest-africaine de « In Your Eyes » de Gabriel et le groove trip-hop de « Digging in the Dirt » de l’auteur-compositeur-interprète. Pour « Englishman in New York » de Sting, il oscille entre le reggae lite, un break jazz et un boom ‘n’ pound hip-hop typique des années 80. « Quand nous avons fait la tournée Amnesty [en 1986], j’ai demandé à Manu Katché si je pouvais m’asseoir derrière lui et le regarder, raconte Larry Mullen Jr de U2, il était effrayé et ne savait pas ce que je faisais, mais je voulais juste voir ce que les vrais batteurs faisaient ! ».

56 – Richie Hayward

En tant que batteur du groupe de boogie surréaliste Little Feat, Richie Hayward avait tendance à embrasser le rythme dans son ensemble. Après avoir répondu à l’annonce de Lowell George dans le L.A. Free Press, Hayward a traversé les succès critiques et les échecs commerciaux de Little Feat. Hayward a navigué sur le prog-boogie désordonné et les structures de chansons peu orthodoxes de Feat à la batterie tout en ajoutant des harmonies vocales aiguës. Il a apporté un slide louisianais à leur son, introduisant le funk de manière habile, ce qui allait titiller les oreilles de futurs fans, comme Robert Plant et Bob Dylan.

55 – Max Weinberg

Au printemps 1974, Max Weinberg voit dans le Village Voice une annonce selon laquelle Bruce Springsteen et le E Street Band recherchent un nouveau batteur, en prévenant les candidats potentiels qu’ils ne veulent pas de « Junior Ginger Bakers ». Weinberg est un professionnel à la main sûre, formé dans les salles de spectacles de Broadway : en d’autres termes, il est tout le contraire du batteur de Cream. Il a époustouflé Springsteen lors d’une audition et a été embauché juste au début de l’ère Born to Run. Il est impossible d’imaginer comment cet album aurait pu sonner sans le pouls tendu de Weinberg – plus proche dans l’esprit des rois du studio des années 60 que des géants de l’arène des années 70 – et après son succès, le batteur s’est retrouvé à travailler avec tout le monde, de Meat Loaf à Bonnie Tyler. Lorsque le E Street Band s’est séparé en 1989, il a trouvé du travail comme chef d’orchestre de Conan O’Brien, mais lorsque le groupe s’est reformé en 1999, il a réussi à concilier les deux groupes dans son emploi du temps. « Max a trouvé un endroit où Bernard Purdie, Buddy Rich et Keith Moon se croisaient, et il l’a fait sien », a déclaré Bruce Springsteen lors de son discours d’acceptation au Rock and Roll Hall of Fame en 1999.

54 – Ahmir « Questlove » Thompson

Ahmir Thompson a endossé de nombreux rôles – superproducteur néo-soul, auteur polymorphe, chef d’orchestre de talk-show, consultant musical à Broadway – mais ces opportunités se sont présentées parce qu’il est avant tout un batteur incroyablement polyvalent.

53 – Jimmy Chamberlin

Selon le leader des Smashing Pumpkins, Billy Corgan, Jimmy Chamberlin s’est présenté à sa première répétition « avec un T-shirt rose, un jean délavé et une coupe de cheveux en mule. Nous nous sommes dit : « Ce n’est pas lui ». [Mais il avait appris toutes nos chansons, et en une seule répétition, nous étions prêts à jouer. Il est si bon. » En participant à Siamese Dream (1993) et Mellon Collie and the Infinite Sadness (1995), il est devenu indispensable au son du groupe. « Les parties de batterie de Jimmy sont si incroyablement techniques et nuancées que personne d’autre ne peut le remplacer pour les jouer. »

52 – Matt Cameron

Plus que tout autre batteur, Matt Cameron a posé les bases rythmiques de la révolution rock des années 90, en conciliant technicité prog et force écrasante. Dave Grohl déclare : « Personne ne joue de la batterie comme Matt. » Lorsque Soundgarden se dissout soudainement en 1997, Cameron ne reste pas longtemps sans travail : Pearl Jam l’invite en tournée l’année suivante. « Ils n’ont pas du tout essayé de m’atténuer », a-t-il déclaré, libre de son jeu et de sa folie créative.

51 – Alex Van Halen

Des millions de jeunes batteurs américains se sont rendus fous dans les années 80 en essayant de reproduire le travail des tom-toms et le swing galopant que Alex Van Halen apportait à « Hot for Teacher » ou le groove d’ouverture délicat de « Finish What You Start ». Sa dévotion et sa ténacité étaient également assez impressionnantes : Un article de Rolling Stone datant de 1984 décrivait un spectacle de première partie des Rolling Stones où Alex jouait entièrement avec sa main cassée. « Il ne pouvait même pas tenir une baguette de batterie », écrit la journaliste Debby Miller. « Il a donc attaché la baguette à son poignet avec un lacet et a continué le concert. »

50 – Cozy Powell

Depuis qu’il a fait irruption sur la scène au sein du Jeff Beck Group en 1970, Colin Trevor « Cozy » Powell s’est forgé une réputation de batteur et de musicien de session de premier ordre, essentiel au développement du hard rock et du heavy metal anglais. Bien qu’il ait régulièrement participé à ses propres projets, on se souvient surtout de Powell comme d’un atout pour des groupes tels que Rainbow et Whitesnake, comme un tiers de l’éphémère Emerson, Lake & Powell et comme une force motrice d’un Black Sabbath des temps modernes. Dans une interview de 1999, Emerson a raconté les souvenirs d’une répétition pour laquelle Powell a assemblé son énorme kit, mais s’est ensuite rendu compte qu’il avait oublié ses baguettes : « Il a envisagé d’utiliser des branches tombées de mon verger, jusqu’à ce qu’un fermier local se rende en ville pour en trouver de bonnes. Elles n’étaient pas du bon poids, mais suffisaient quand il les tenait à l’envers en utilisant le gros bout. Puis il faisait son solo de batterie, et c’était comme si la troisième guerre mondiale avait éclaté. »

49 – Vinnie Colaiuta

« Avant de le voir, je pouvais comprendre les choses, a déclaré Josh Freese, batteur de Devo, à Drum ! C’est le premier gars que j’ai vu et qui ne comprenait pas ce qu’il faisait ». Selon l’infiniment exigeant Frank Zappa, Vinnie Colaiuta a remporté le « premier prix » lorsqu’il s’agissait de fournir des polyrythmies complémentaires à ses solos de guitare « sur le vif » – il suffit de regarder les confabulations complexes guitare-batterie de Shut Up ‘n Play Yer Guitar pour s’en convaincre. Mais Colaiuta est aussi un maître de la finesse contenue, sollicité par tous, de Herbie Hancock à Joni Mitchell en passant par Sting. « Vous n’êtes pas là pour montrer un tas de conneries ou être le centre d’attention, dit-il de son métier. Vous êtes là pour vous fondre dans le décor et en faire partie. »

48 – John « Drumbo » French

John « Drumbo » French a rejoint le Magic Band du Capitaine Beefheart en 1966, apportant avec lui un style polyrythmique à base de toms lourds, qui allait devenir indispensable au groupe. French a été le directeur musical du chef-d’œuvre d’avant-garde du Magic Band, Trout Mask Replica, mais il en est revenu peu satisfait. « Jamais autant de personnes n’ont travaillé aussi dur pour si peu [d’argent] », a déclaré French à propos des sessions qui ont produit l’album, ajoutant : « Je n’ai jamais reçu un centime pour cela. » Pendant l’enregistrement de Replica, une visite du groupe à une exposition de Salvador Dali « a changé [sa] conception de la batterie » et a inspiré le talent de French pour la superposition rythmique. Le style de Drumbo n’a fait que s’affiner en 1970, avec Lick My Decals Off, Baby, peut-être le meilleur exemple de son approche fracassante et chaotique, mais farouchement contrôlée. Plus tard, French dirigera son propre Magic Band.

47 – Dave Lombardo

Dave Lombardo a gagné le surnom de « A.D.Dave » auprès de ses collègues de Slayer après avoir maintenu sans effort le rythme sur des morceaux comme « Angel of Death » – qui culmine à 210 b.p.m. et comprend l’un des breaks de batterie les plus impressionnants du métal – et « War Ensemble », tout en faisant allusion au swing du jazz latin. Des tensions au sein du groupe l’ont forcé à partir à de nombreuses reprises (il joue actuellement avec Dead Cross). « C’est une tête de mule, a dit un jour Kerry King, ancien membre du groupe Slayer. Il ne peut pas rester en place. »

46 – Dave Garibaldi

Avec Tower of Power, le jeu élégant de David Garibaldi a contribué à élargir l’audience de James Brown au tournant des années 70. Son intelligence rythmique a été un élément clé dans la création du tube « What Is Hip ? » du groupe soul-funk de Bay Area. « C’est lui qui a eu l’idée de demander à Rocko [Prestia] de jouer ces doubles croches à la basse, a déclaré Emilio Castillo, le leader de Tower of Power. C’est ce qui a rendu cette chanson entraînante. » Garibaldi a également eu une influence formatrice sur Chad Smith, le batteur des Red Hot Chili Peppers, qui a déclaré que « son jeu de batterie… m’a fait passer à un autre niveau ». Le « Funky Drummer » Clyde Stubblefield lui-même a un jour appelé Garibaldi « mon préféré », s’exclamant « Ce type était funky ! ».

45 – Billy Cobham

Au début des années 1970, Billy Cobham a établi une nouvelle référence en matière de batterie fusion, en mariant une dextérité jazz époustouflante à la puissance rock. Le batteur originaire du Panama a participé au révolutionnaire Bitches Brew de Miles Davis et, de manière plus frappante, à A Tribute to Jack Johnson, où son interaction avec le guitariste John McLaughlin a donné le ton pour la suite, avec le Mahavishnu Orchestra. L’influence de Cobham s’étend bien au-delà du jazz : les contemporains du prog écoutaient attentivement ce qu’il faisait, des batteurs plus jeunes comme Danny Carey de Tool ont appris en s’inspirant de son jeu. Même Prince a joué une version de « Stratus » de Cobham en concert. Il n’y a peut-être pas de plus grand fan que Phil Collins, qui a désigné Inner Mounting Flame de Mahavishnu comme une influence clé sur ses débuts. « Billy Cobham a joué l’un des meilleurs rythmes de batterie que j’ai jamais entendu sur ce disque », a-t-il déclaré.

44 – Jerry Allison

Jerry Allison a été le premier collaborateur de Buddy Holly, l’un des héritages les plus durables du rock ayant débuté par un duo guitare-batterie. Le batteur des Crickets a non seulement coécrit « That’ll Be the Day », mais il a également convaincu son ami de changer le titre de « Cindy Lou » en « Peggy Sue », le nom d’une femme qu’Allison espérait impressionner à l’époque. Cependant, la contribution la plus importante du batteur à ce dernier est d’ordre rythmique : entre les prises, le producteur Norman Petty a entendu Allison taper sur un paradiddle et a demandé au batteur de le jouer à la place. Buddy Holly and the Crickets ont été le premier groupe de rock’n’roll à utiliser le studio d’enregistrement « comme une combinaison de laboratoire et de terrain de jeu », comme l’a dit à l’époque le fan Marshall Crenshaw. Allison était prêt à tout essayer : sur « Everyday », il tape simplement ses mains sur ses genoux. En hommage à cette ingéniosité subtile, Ringo Starr a joué de la batterie sur une valise lorsque les Beatles ont enregistré « Words of Love » de Holly.

43 – Phil Collins

Avant que Phil Collins ne devienne l’un des chanteurs pop les plus célèbres des années 1980, il était l’un des batteurs les plus aventureux des années 1970, travaillant avec des artistes révolutionnaires comme Brian Eno, le collectif de jazz fusion Brand X et, bien sûr, la formation virtuose Genesis dirigée par Peter Gabriel. C’est au cours d’une session solo de Gabriel, fin 1979, que Collins a créé sa signature sonore « gated snare », rapidement imitée dans tout l’univers de la pop, devenant un élément clé d’innombrables disques des années 80. Il l’utilise à nouveau sur « In the Air Tonight ». Après le succès de cette chanson, Robert Plant, Eric Clapton et de nombreuses autres superstars l’ont fait venir en studio pour jouer de la batterie sur leurs albums. Il a subi de graves lésions nerveuses aux mains après la tournée de reformation de Genesis en 2007, ce qui l’a empêché de tenir des baguettes, un sort cruel pour un musicien innovant et influent. « J’adore son jeu de batterie et je n’ai pas peur de l’admettre, a déclaré Brann Dailor, batteur de Mastodon. En tant que batteur de Genesis, je pense qu’il est phénoménal et qu’on n’en parle pas assez. C’est juste un batteur tellement génial et complet. »

42 – Bill Ward

Compte tenu de son statut de batteur du groupe qui a incontestablement inventé le heavy metal, il est surprenant de constater à quel point Bill Ward a toujours été un joueur agile. Formé auprès de grands noms du jazz tels que Joe Morello et Gene Krupa, le cofondateur de Black Sabbath a apporté une certaine élasticité au rythme sinistre qui caractérisait les premiers travaux du groupe (« Black Sabbath », « Iron Man »). Au lieu d’imiter les riffs emblématiques du guitariste Tony Iommi, il dansait autour d’eux. Et quand il voulait l’être, comme sur le groovy « Hand of Doom », Ward était aussi funky que n’importe quel batteur R&B. « Bill Ward pouvait être échantillonné pendant des jours sur des disques de hip-hop, » note Brad Wilk, batteur de Rage Against the Machine. Les batteurs ultérieurs de Sabbath, comme Vinny Appice, plus grandiloquent, et Cozy Powell, plus flashy, ont apporté un professionnalisme digne d’une salle de concert, mais n’ont jamais pu reproduire le travail de Ward derrière le kit.

41 – Carter Beauford

Membre fondateur du Dave Matthews Band, Carter Beauford est un batteur de jazz à forte tendance, avec une sensibilité pop. Bien que son groupe soit tributaire du groove, il étoffe même les morceaux les plus populaires avec des rythmes incroyablement compliqués et chargés – par exemple, en donnant à « Ants Marching » un improbable motif de charleston avant d’accentuer de manière orchestrale les coups de voix de Matthews, en ajoutant un travail délicat de grosse caisse à « So Much to Say ». « Chaque public est différent, alors nous voulons essayer de nous adresser directement à ce public ou de délivrer un message différent à chaque fois que nous jouons, a déclaré Beauford à Guitar Center. Si vous jouez la même chose à chaque fois, le mot se répandra. »

40 – Jack DeJohnette

Pianiste depuis l’âge de quatre ans, Jack DeJohnette n’a commencé à jouer de la batterie qu’à 18 ans. Ce début relativement tardif ne l’a pas empêché de se lancer : un passage précoce au sein de l’institution d’avant-garde de Chicago, l’Association for Advancement of Creative Musicians, l’a conduit à travailler en direct avec John Coltrane, à occuper une place dans le quartette de Charles Lloyd, qui a atteint les sommets des hit-parades, et finalement à se produire avec Miles Davis, alors que le trompettiste se préparait pour Bitches Brew, l’album de fusion de 1970 qui a fait date. « C’était génial de jouer avec Miles, parce que Miles adorait la batterie, expliquait DeJohnette à Jazz.com en 2009. Tout venait de la batterie. Il aimait la boxe, il était un grand fan de boxe, et il voyait la batterie dans le jazz comme ayant des aspects similaires. » En tant que chef d’orchestre et compositeur, DeJohnette fusionne tout ce qu’il a appris – les expérimentations de l’A.A.C.M., l’intégrité de Coltrane, le groove pugilistique de Davis – avec son propre talent inné pour créer une mélodie mémorable.

39 – Ramon « Tiki » Fullwood

« C’était le batteur le plus costaud que j’ai jamais entendu« , confiait Grady Thomas, le chanteur des Parliaments, au sujet de Ramon « Tiki » Fulwood. La légende veut qu’à l’âge de 17 ans, il devait se faufiler dans les clubs pour se produire, et Clinton a dû supplier sa mère de le laisser l’emmener en tournée. Son style lourd – aux côtés de la guitare en roue libre d’Eddie Hazel – a marqué un tournant dans l’histoire du groupe. Ce que l’on entend sur des hymnes comme « Maggot Brain », c’est un jeu extraverti qui deviendra plus tard une source de samples pour les producteurs de hip-hop.

38 – Jim Keltner

Jim Keltner est l’un des batteurs de session les plus vénérés de tous les temps. Il est à l’origine de milliers de disques, dont « Imagine » de John Lennon, « Photograph » de Ringo Starr, une grande partie de la production solo de George Harrison, les deux LP des Traveling Wilburys, « Full Moon Fever » de Tom Petty, « Knockin’ on Heaven’s Door » de Bob Dylan et « Josie » de Steely Dan ; sans oublier son travail avec Harry Nilsson, les Bee Gees, Pink Floyd, Randy Newman, Carly Simon, Joni Mitchell, les Pretenders, Fiona Apple et Oasis. Né dans l’Oklahoma, il a grandi à Pasadena, en Californie, et a commencé à enregistrer dans les années 60. Keltner est connu pour sa subtilité et sa polyvalence qu’il doit à son éducation jazz. L’une des caractéristiques de son style est sa décontraction discrète. « Au fil des ans, beaucoup de gens m’ont dit : « Tu n’as pas l’air de jouer quand tu joues« , a-t-il dit un jour.

37 – Jeff Porcaro

Le jeu de baguettes du batteur de Toto a donné à « Beat It » de Michael Jackson une grande partie de son mordant, a permis à « I Keep Forgettin' » de Michael McDonald d’être inoubliable et a imposé le « Rosanna Shuffle » sur le tube du même nom de son propre groupe. « Jeff a toujours eu un rôle énorme dans le fait de transformer une simple chanson en hit », a déclaré son frère Steve au magazine Rhythm en 2013. « On ne s’ennuyait jamais en studio. (…) Il trouvait toujours les meilleurs rythmes instantanément, comme s’il avait joué la chanson pendant des années. » Porcaro est décédé en 1992, peu après l’achèvement du huitième album de Toto Kingdom of Desire ; il avait également joué sur Human Touch de Bruce Springsteen, et aurait refusé une offre d’un million de dollars de la part du Boss pour rester avec son groupe.

36 – Steve Smith

Bien qu’il ait passé la majeure partie de ces 30 dernières années à tourner sur la scène fusion jazz, les capacités surhumaines de Steve Smith ont permis aux rockers de Journey d’atteindre leur apogée. Son jeu sur le classique « Don’t Stop Believin' » est particulièrement complexe. Il est aussi exceptionnel que les envolés vertigineuses de Perry !

35 – Fred Below

Avant les Funk Brothers de la Motown ou les M.G. de Stax, des groupes de musiciens de session assemblés par des labels ont façonné le son du R&B au milieu du 20ème siècle – y compris des musiciens comme Fred Below des Aces, dont le travail délicatement énergique pour Chess Records à Chicago a été essentiel pour propulser la musique de Little Walter, Muddy Waters, Bo Diddley, Chuck Berry et Howlin’ Wolf vers de nouveaux sommets. Ayant débuté comme batteur de jazz, Below a dû trouver sa propre voie dans le blues. « Ce qui a rendu ce genre fascinant pour moi, c’est que c’était un type de musique qui ne m’était pas familier – et on ne l’enseignait pas à l’école ! » se souvient-il. « Il fallait donc que je la joue de manière à ce qu’elle ait un sens pour moi« . En écoutant « I’m Ready » de Muddy Waters ou « School Days » de Chuck Berry, la gamme et la virtuosité de Below sont claires comme de l’eau de roche ; sans chichi ni fioriture, il a alimenté le moteur électrique du blues de Chess.

34 – Mickey Hart et Bill Kreutzmann

Mickey Hart s’est joint au membre fondateur du Grateful Dead, Bill Kreutzmann, en 1967, faisant des Dead l’une des premières formations à deux batteurs rock. Aucun autre groupe de rock n’a poussé plus loin cette symbiose. « Le langage que Bill et moi partageons n’est pas parlé, dit Hart. C’est un langage corporel, des clins d’œil et des mouvements… un langage secret que nous ne pouvons pas décrire. »

33 – Tony Allen

« C’est incroyable, Tony Allen cite Fela Kuti, co-inventeur de l’afrobeat. La façon dont vous jouez, on n’aurait même pas besoin d’un percussionniste ». Machine à groove radicalement polyrythmique, cet innovateur nigéro-ghanéen a ajouté le jazz et le funk aux genres locaux d’Afrique de l’Ouest comme le highlife, l’apala et le mambo nigérian. Allen jouait du jazz à Lagos lorsqu’il a rencontré Fela, qui l’a engagé comme batteur et chef d’orchestre – d’abord au sein de Koola Lobitos, puis d’Africa 70 – de 1965 à 1979, date à laquelle Allen est parti en raison de l’« idéologie de dictateur » de Fela. Ce dernier a admis que l’afrobeat n’existerait pas sans Allen, dont l’influence s’est étendue aux Talking Heads, à Gorillaz et à d’innombrables groupes d’afro-fusion. Après avoir quitté Fela, Allen a continué à repousser les enveloppes dans des collaborations et des synthèses hybrides en solo qu’il appelle afrofunk. « Je suis une personne cool, admet-il. Je joue de ma batterie comme… je me comporte dans la vie. »

32 – James Gadson

Bien qu’il soit originaire de Kansas City, il est difficile d’imaginer un batteur plus important dans l’histoire de la musique de Los Angeles que James Gadson. Il s’est fait connaître à la fin des années 1960 en tant que membre du Watts 103rd St. Rhythm Band (célèbre pour « Express Yourself »), puis du groupe de Bill Withers, tout en restant l’un des musiciens de studio les plus prolifiques de la ville. Sa poigne ferme a tout enregistré, de « Dancing Machine » des Jackson 5 à « Happy People » des Temptations en passant par « I Want You » de Marvin Gaye. « Je veux dire, il a joué sur ‘Let’s Get It On’. … Gadson EST ce son, a déclaré Jamie Lidell à Pitchfork. Chaque fois que je joue avec lui, il se passe des choses folles que je n’ai jamais expérimentées avec un autre musicien, jamais. Il me regarde, sourit, et s’occupe de ce putain de rythme. Et quand il a fini le morceau, il dit : « C’est toi qui me l’as donné ». Il n’a aucun ego, putain. »

31 – Roger Hawkins

Jerry Wexler, le producteur qui a inventé le terme même de « rhythm & blues », a appelé Roger Hawkins « le plus grand batteur du monde ». Comme tous les Swampers, Hawkins excellait à adapter son style personnel aux besoins d’une session. Wilson Pickett a tapé le rythme qu’il voulait pour « Land of 1000 Dances » sur sa jambe et Hawkins l’a repris à partir de là ; Paul Simon recherchait une allure particulière pour « Kodachrome » et le batteur l’a capturée en un rien de temps. Le motif complexe de cymbales que Hawkins construit sur « Chain of Fools » d’Aretha, les motifs funk qu’il exécute sur « I’ll Take You There » des Staple Singers, le jeu subtil qu’il déploie sur « When a Man Loves a Woman » de Percy Sledge… tout cela fait de Hawkins un musicien hors pair.

30 – Clifton James

Né à Chicago avec 13 frères et sœurs, James a appris à jouer sur des chaises et des boîtes de conserve. Il a joué sur des disques pour tout un éventail de légendes du blues de Chicago – Muddy Waters, Howlin’ Wolf, Koko Taylor, Buddy Guy, Willie Dixon, Sonny Boy Williamson – mais sa plus grande contribution a été son rôle de batteur de Diddley de 1954 à 1970. De tous les batteurs différents que Bo Diddley a eus, il n’en a jamais eu un qui lui plaisait plus que Clifton James. En les mélangeant tous les deux, ils ont créé une chose si unique que l’un n’était pas bon sans l’autre.

29 – Carlton Barrett

Rien ne sonne plus authentiquement reggae que les tom-toms de Carlton « Carlie » Barrett, suivis de sa caisse claire qui a lancé un millier de morceaux. Sans doute le musicien le plus influent de l’histoire du reggae, Barrett a popularisé le rythme « one drop » caractéristique de cette musique au sein des Wailers et du groupe solo de Bob Marley. Son jeu de batterie sèche – que l’on entend sur des morceaux comme « Duppy Conqueror », « Soul Rebel » et « Small Axe » – et son charleston à triple effet ont servi de rayon tracteur aux fans de skanking jusqu’à son assassinat en 1987 à l’âge de 36 ans. « Parce que les tambours viennent de l’époque de l’esclavage et de l’Afrique, cela transpire d’histoire, a-t-il déclaré à Modern Drummer. Les bons batteurs de reggae font du jeu une expérience spirituelle. »

28 – Carmine Appice

Appice s’est fait connaître à la fin des années 60 avec le groupe psychédélique excentrique Vanilla Fudge – influençant un jeune John Bonham avec ses grooves funky agressifs et endiablés – avant de passer à un style blues-rock plus lourd avec Cactus et Beck, Bogert & Appice. Il a fait la preuve de son talent au sein du groupe de Rod Stewart à la fin des années 70, en apportant son aide à l’écriture de tubes tels que « Da Ya Think I’m Sexy ». Plus récemment, il s’est occupé de jouer aux spectacles « Drum Wars » avec son frère cadet et compagnon d’élite du hard-rock, Vinny (Dio, Black Sabbath).

27 – Dave Grohl

Le jeu de batterie implacable et musclé de Dave Grohl – forgé sur la scène punk de Washington, D.C. dans les années 80 – était le coup parfait nécessaire pour faire passer le groupe Nirvana de Seattle du statut de groupe grunge indépendant à celui d’icône. « Kurt m’avait appelé et m’avait dit : « J’ai le meilleur batteur du monde maintenant. Il joue plus fort que n’importe qui d’autre », raconte Butch Vig, producteur de Nevermind, à Martin James, biographe de Grohl. « Et je me suis dit : ‘Ouais, c’est ça’. Mais ils avaient totalement raison. … Il n’y avait pas de micros sur [les tambours] dans cette pièce et ils étaient aussi forts acoustiquement que les amplis ! ». Grohl a affiné son style unique dans la banlieue de D.C. en jouant sur des oreillers avec d’épaisses baguettes : « C’est pour ça que j’ai commencé à frapper la batterie si fort », a-t-il déclaré à Spin en 1997, « en jouant sur des oreillers (…) avec ces putains de battes en écoutant ‘Violent Pacification’ de D.R.I. Je faisais ça jusqu’à ce que les fenêtres de ma chambre dégoulinent de condensation à cause de la sueur dans la pièce. »

26 – Danny Carey

Après un passage peu prometteur à la fin des années 80 comme batteur dans le groupe de Green Jellÿ (sous le pseudonyme de Danny Longlegs), Danny Carey a rejoint le futur mastodonte de l’alt-metal Tool en 1990. Au cours des années qui ont suivi, ce natif du Kansas s’est imposé comme l’héritier naturel des géants du prog des années 70 tels que Neil Peart et Bill Bruford, et comme l’un des batteurs de rock les plus admirés de sa génération. Le style de Carey allie une ambition intellectuelle – et un don pour les polyrythmes et les mesures bizarres – à une force sans compromis et une sensation de fluidité. Son don est de rendre l’expérimental le plus naturel possible.

25 – Earl Palmer

L’un des batteurs les plus enregistrés de l’histoire, Earl Palmer était un artiste qui a défini le rôle du sideman. Improvisateur, joueur de poche et accompagnateur, Palmer, originaire de la Nouvelle-Orléans, a joué sur des chansons marquantes de la région comme « Good Golly, Miss Molly » de Little Richard, « I’m Walkin' » de Fats Domino et « Tipitina » de Professor Longhair. Après avoir déménagé en Californie, il est rapidement devenu l’un des musiciens de session les plus recherchés. Comme l’a dit son collègue du Wrecking Crew, Carol Kaye, « Earl a pris le dessus… c’était le meilleur batteur que j’avais jamais entendu ». La quantité de ses enregistrements signifie que ses rythmes ont contribué à définir le rythme de l’Amérique : « La Bamba » de Richie Valens, « Summertime Blues » d’Eddie Cochran, « You’ve Lost That Lovin’ Feeling » des Righteous Brothers et « You Send Me » de Sam Cooke ne sont que la partie émergée d’un iceberg qui comprend même des nouveautés comme le thème des Pierrafeu. « Lorsque le pouls du rock & roll vous saisit et ne vous lâche plus, il devient le Big Beat », a déclaré Max Weinberg. « C’est ce qui s’est passé quand Earl Palmer a joué ‘Lucille’ de Little Richard, comme s’il utilisait des battes de baseball et tapait sur une grosse caisse de 30 pieds. »

24 – Steve Gadd

À l’apogée de son travail sur la scène des sessions new-yorkaises dans les années 1970, Steve Gadd affirme jouer trois sessions par jour, donnant à une décennie de musique rock un funk profond et doux. Ses œuvres les plus connues sont les syncopes cérébrales de « 50 Ways to Leave Your Lover » de Paul Simon et les hi-hats et les fills monstrueux de « Aja » de Steely Dan. Gadd a insufflé un groove étourdissant à des centaines d’enregistrements, dont le numéro un disco de Van McCoy, « The Hustle ». « Tous les batteurs veulent jouer comme Gadd parce qu’il joue parfaitement, a déclaré Chick Corea. Il a apporté une pensée orchestrale et compositionnelle à la batterie tout en ayant une grande imagination et une grande capacité à swinguer. »

23 – Elvin Jones

Né en 1927 dans une famille de musiciens de Pontiac, dans le Michigan, Elvin Jones a fait partie d’une poignée de musiciens qui ont changé la définition du fonctionnement d’un batteur au cours des cinq années qu’il a passées au sein du John Coltrane Quartet. Chronométreur impeccable d’une délicatesse extraordinaire, Jones est surtout connu pour avoir poussé Coltrane dans la stratosphère grâce à sa puissance élémentaire, dispersant et déplaçant le rythme entre les quatre membres. « Il n’y a rien de nouveau dans le chronométrage, c’est juste que certaines personnes savent mieux chronométrer que d’autres, déclarait Jones à Down Beat en 1977. Certaines personnes sont plus sensibles aux impulsions rythmiques, et plus vous êtes sensible, plus vous pouvez utiliser les subtilités de la mesure du temps. » Les premiers batteurs de hard-rock qu’il a influencés – Ginger Baker, Mitch Mitchell, John Bonham – seraient certainement d’accord.

22 – Levon Helm

Dans son livre The Big Beat (1984), Max Weinberg rendait un hommage appuyé à Levon Helm, le légendaire batteur chanteur du groupe : « La cadence étouffée de ‘The Night They Drove Old Dixie Down’, les tom-toms déglingués de ‘Up on Cripple Creek’ et le backbeat fatigué mais déterminé de ‘The Weight’ montrent que Levon fait partie des rares batteurs capables de définir non seulement le rythme mais aussi la mise en scène d’une chanson ». Né dans la petite ville de Marvell, dans l’Arkansas, Helm a passé la fin des années 50 et le début des années 60 à jouer dans les bars de toute l’Amérique du Nord en tant que membre du groupe de Ronnie Hawkins. En 1965, Helm et ses collègues accompagnaient Bob Dylan lors de sa première tournée électrique. En 1968, ils se sont rebaptisés The Band et ont commencé à composer des chansons originales qui tournaient souvent autour du groove inimitable de Helm. À la fin de sa vie, alors que sa santé déclinait en même temps que ses finances, le batteur a organisé des concerts dans une grange sur sa propre propriété à Woodstock. Nuit après nuit, même lorsque les traitements contre le cancer de la gorge transformaient sa voix en un doux râle, il jouait joyeusement des airs anciens et nouveaux, gardant l’esprit du groupe lors de ces « Midnight Rambles ». « Il a été mon ami intime jusqu’à la fin, a déclaré Dylan à propos de Helm après sa mort, l’un des derniers grands esprits de ma génération ou de toute autre génération. »

21 – Ian Paice

Sans le seul membre permanent de Deep Purple, Ian Paice, le heavy metal n’aurait pas connu une telle évolution. Légende du rock épique qui n’a « jamais joué avec des bouchons d’oreille », Paice est un pro de la vieille école qui joue vite, furieusement et à fond. Fan de Frank Sinatra, Ringo Starr et du batteur de Count Basie, Sonny Payne, Paice a imprégné des tubes comme « Hush » et « Smoke on the Water » d’un swing étudié et contagieux. Le guitariste de Deep Purple, Steve Morse, a déclaré à Drum! : « Il a un swing qui semble juste. Et sa dynamique est formidable. Le batteur de mon trio, Van Romaine, l’appelle le ‘Steve Gadd du rock’. … C’est comme une gigantesque locomotive qui tonnait sur les rails, tout étant totalement synchronisé. »

20 – Bernard Purdie

Bien que Bernard « Pretty » Purdie ait été surnommé « Mississippi Bigfoot », ce joueur de studio prolifique a grandi dans le Maryland avant de déménager à New York au début des années 1960, où il a fait ses premières armes en participant à des sessions avec des artistes de jazz comme Nina Simone et Gabor Szabo. Connu pour ses « notes fantômes » complexes de charleston, Purdue est rapidement devenu l’un des batteurs les plus demandés de toute l’industrie. Il a été le directeur musical d’Aretha Franklin pendant plusieurs années, lorsqu’il n’était pas occupé à enregistrer avec de nombreux artistes, de Steely Dan à Mongo Santamaria en passant par Bob Marley. La question n’est pas de savoir avec qui Pretty Purdie a joué, mais plutôt avec qui il n’a pas joué. « Bernard faisait toujours quelque chose d’unique que l’on n’aurait jamais imaginé à l’avance et que personne d’autre n’aurait fait », se souvient Walter Becker de Steely Dan.

19 – Tony Williams

Les débuts de Tony Williams avec Miles Davis, en 1963, à l’âge de 17 ans, constituent l’une des émergences les plus étonnantes de toute la musique du XXe siècle. « Mec, rien que d’entendre ce petit enculé m’a rendu tout excité, a écrit le trompettiste dans son autobiographie. J’ai tout de suite compris qu’il s’agirait de l’un des pires enculés qui ait jamais joué de la batterie. » Au moment où il rejoint Miles, il avait déjà apporté de sérieuses contributions à l’avant-garde du jazz avec le saxophoniste Jackie McLean et d’autres. Mais c’est son rôle dans le « Second Great Quintet » de Davis qui a fait de lui une légende. Davis aimait travailler avec des sidemen qui n’avaient pas peur de le bousculer, et Williams, avec ses motifs de cymbales étourdissants, ses accents éruptifs et ses distorsions de tempo, était plus qu’heureux de rendre service. Il n’est que justice que, lorsqu’il quitte Miles en 1969, il devance le trompettiste dans le domaine du jazz-rock, en formant le groupe Lifetime, avec le futur guitariste du Mahavishnu Orchestra, John McLaughlin et l’organiste Larry Young. Au cours de la décennie qui a précédé sa mort prématurée en 1997, Williams s’est réengagé dans le jazz acoustique, jouant, comme toujours, avec une intensité qui ne souffre d’aucune réticence. Son inspiration transcende les genres. « Pour moi, il était non seulement un maître technicien, un maître batteur, l’innovateur de l’époque, mais aussi un innovateur sonore, a déclaré Cindy Blackman à propos de Williams. Il avait tellement de choses qui élevaient le son et le niveau de compétence requis pour jouer ce genre de musique. »

18 – Joseph « Zigaboo » Modeliste

Le journaliste de Rolling Stone Joe McEwen a un jour décrit la technique de jeu de Zigaboo Modeliste comme un rejet de « la technique standard… exécutant des rythmes endiablés. » Ce style pugilistique, qui caractérise le travail de Modeliste avec les Meters au début des années 1970, a consolidé son statut de batteur de funk le plus lyrique de tous les temps. Le style de Modeliste est imprégné de la tradition de sa Nouvelle-Orléans natale, où des générations de batteurs ont imprimé un style linéaire, presque mélodique, de syncopes. Sur des chansons des Meters comme « Cissy Strut » et « Just Kissed My Baby », le travail de Modeliste fait pratiquement chanter la batterie. Après avoir quitté les Meters au milieu des années 70, il a continué à prouver son talent pour apporter une approche locale au monde de la musique en travaillant avec des géants du rock comme Keith Richards et Ron Wood.

17 – Terry Bozzio

« Je ne suis pas du tout intéressé par les numéros de cirque, » a déclaré Terry Bozzio à Rolling Stone au milieu d’une tournée en solo avec ce qu’il a présenté comme « le plus grand ensemble de tambours et de percussions accordés du monde ». Cette déclaration peut sembler contre-intuitive de la part de Bozzio – qui s’est fait connaître en travaillant avec Frank Zappa au milieu et à la fin des années 70, maîtrisant à un moment donné l’œuvre « The Black Page » du compositeur, une œuvre diaboliquement difficile centrée sur les percussions – mais ce batteur chevronné a toujours été bien plus qu’un virtuose de la technique. Après son passage chez Zappa, Bozzio a fait partie intégrante du supergroupe post-prog U.K. et, plus tard, avec sa femme de l’époque, Dale, il a été l’un des architectes du groupe New Wave des années 80 Missing Persons, au sein duquel il a adapté ses capacités extraordinaires à un cadre pop épuré. Bien que, ces dernières années, on l’ait entendu le plus souvent en tant qu’interprète solo, ou au sein de divers supergroupes peu connus, ses passages dans des groupes allant de Korn à Fantômas du chanteur de Faith No More, Mike Patton, témoignent de son étonnante diversité.

16 – Bill Bruford

Percussionniste doté des prouesses techniques d’un musicien classique, de la subtilité et de la spontanéité d’un improvisateur de jazz et de l’énergie d’un batteur de rock, Bill Bruford était un artiste à part entière lorsqu’il a été révélé au public par les cinq premiers albums de Yes. En 1972, alors que le groupe était sur le point de devenir un mastodonte, Bruford a rejoint King Crimson. Pendant les deux années qui ont suivi, il a montré de quoi il était capable, soir après soir, tout en créant des nouveaux sons, à partir de rien. Au cours de deux autres sessions au sein de King Crimson, Bruford s’est réinventé en tant que savant funk polymétrique (1981-84) et en tant qu’agent du chaos dans une formation à deux batteurs (1994-96), tout en réservant beaucoup de temps pour son projet passionnel, Earthworks. Retiré de la scène depuis 2009, il a obtenu son doctorat – vous pouvez l’appeler Docteur Bruford maintenant.

15 – Buddy Rich

L’influence de Buddy Rich s’est étendue bien au-delà de l’ère des big bands ou même du jazz : il a été le premier batteur américain que beaucoup des premiers rockeurs britanniques ont entendu, apprenant à des fans comme John Bonham et Bill Ward à dépasser un simple backbeat pour se lancer dans des motifs d’improvisation percutants, encourageant Phil Collins à abandonner une configuration hasardeuse pour se concentrer sur son travail de charleston, et faisant tout simplement plancher Roger Taylor. « Je dirais qu’en termes de technique pure, il est le meilleur que j’aie jamais vu, se souvient le batteur de Queen. Je me souviens qu’il a fait une sorte de rouleau de pression qui a duré environ cinq minutes. Cela a commencé par un murmure, que l’on entendait à peine, et cela a pris une telle ampleur que la salle entière, qui comptait environ 3 500 personnes, a été remplie comme un coup de tonnerre. »

14 – Ringo Starr

« Je me souviens du moment où je me tenais là, je regardais John, puis George, et l’expression de nos visages était du genre « Va te faire foutre ». Qu’est-ce que c’est que ça ? », a déclaré Paul McCartney, en se remémorant la première fois que les Beatles ont joué avec Ringo Starr. « Et c’était le moment, c’était le début, vraiment, des Beatles. » Bien qu’il ait souvent été sous-estimé à la fin des années 60, époque flamboyante qui a vu naître Keith Moon et Mitch Mitchell, Ringo n’a pas seulement fondé le plus grand groupe de tous les temps, il a contribué à donner à leur musique une forme et une orientation. Sur le plan personnel, sa générosité a fait de lui le membre le plus accessible du groupe. « John avait tendance à s’emporter, mais Ringo était toujours très doux. Et il croyait vraiment à la paix et à l’amour. » En tant que batteur gaucher jouant sur un kit de droitier, Starr a inventé un style unique pour créer des « funny fills », sa fiabilité constante est devenue un standard d’or pour les joueurs de rock qui n’ont pas froid aux yeux, servant chaque chanson avec du feeling, du swing et une fiabilité inébranlable. « Ringo est le roi du feeling », a déclaré Dave Grohl. Jim Keltner ajoute : « Il est le type de musicien que nous essayions tous d’imiter en studio. »

13 – D.J. Fontana

Sur des centaines d’enregistrements d’Elvis Presley, Dominic Joseph « D.J. » Fontana était à la pointe du rock & roll. Fontana était l’un des princes de la batterie rock & roll, faisant swinguer la musique hillbilly à une époque où les groupes de country et de bluegrass évitaient complètement la batterie. « Il avait une technique incroyable et des mains rapides, ce qui lui permettait de déployer ces roulements de presse de Buddy Rich quand il le voulait. Il jouait comme un batteur de big-band, à fond, a dit un jour Levon Helm. Elvis avait maintenant une vraie base, une certaine architecture, et il en a tiré le meilleur parti. D.J. a libéré Elvis. »

12 – Charlie Watts

Keith Richards a dit un jour que lorsque les Rolling Stones se sont formés, ils n’avaient « pas les moyens » de se payer le batteur Charlie Watts, qui était déjà le fidèle drummer du groupe Blues Incorporated d’Alexis Korner. Les Stones ont fini par le convaincre et il a demandé à les rejoindre. « Vous êtes super, mec », a-t-il dit à Richards, « mais il vous faut un putain de bon batteur. » À part quelques détours occasionnels dans des projets parallèles de jazz, Watts a parfaitement complété Jagger, Richards et le reste de la bande avec des grooves swinguants (« Brown Sugar »), des rythmes pieds au plancher (« Satisfaction ») et de l’expérimentation (« Sympathy for the Devil »)… Le tout en restant discret, pendant plus de 50 ans. « Quand on a eu Charlie, ça a vraiment été un nouveau chapitre pour nous, dit Richards. Charlie peut se précipiter comme un fou et faire en sorte que ce soit génial. C’est son style », a déclaré Jim Keltner à Drum ! « Il ne peut pas l’expliquer et je n’aime pas forcément entrer dans trop de détails avec lui à ce sujet. Je me contente de m’en émerveiller. » Le batteur des Stones nous a quittés le 24 août 2021, à l’âge de 80 ans. Qu’il repose en paix !

11 – Benny Benjamin

Pendant des années, Berry Gordy a refusé d’enregistrer sans la présence de Benny Benjamin dans le studio. « Il avait un don particulier pour jouer différents rythmes en même temps« , a déclaré le fondateur de la Motown à propos du batteur de session clé de son label. « Il avait une impulsion, une constance, qui battait la mesure mieux qu’un métronome. » Benjamin a enregistré des tonnes de tubes pour la Motown, de « Money (That’s What I Want) » de Barrett Strong à « My Girl » des Temptations, aux côtés de ses compagnons de session qu’il a surnommés les Funk Brothers et qui l’appelaient « Papa Zita ». L’addiction l’a souvent tenu éloigné du studio avant qu’il ne meure d’une attaque en 1969, mais Benjamin a été le mentor du jeune Stevie Wonder, qui attribue son propre style de batterie au musicien. « J’ai appris en l’écoutant« , a déclaré Wonder en 1973.

10 – Stewart Copeland

Ce sont peut-être les mélodies de Sting qui sont devenues cultes, mais si The Police sonne comme ça, c’est grâce à la subtilité et l’agressivité de Stewart Copeland. Il est certainement le batteur le moins intéressé par le jeu de la caisse claire (qui est toujours d’une brillance et d’un tranchant peu communs) et ses parties les plus iconiques comprennent souvent des motifs complexes de charley (comme sur « Red Rain » de Peter Gabriel). Son père Miles était diplomate, et Copeland a grandi dans divers endroits du Moyen-Orient. C’est cette éducation unique qui a permis à The Police d’avoir des sonorités peu communes dans leur Angleterre natale !

9 – Al Jackson Jr.

Al Jackson Jr, batteur de session pour le légendaire label soul Stax, a été surnommé « le chronomètre humain » jusqu’à sa mort en 1975 à l’âge de 40 ans. À cette époque, les grooves de Jackson ont propulsé Wilson Pickett, Otis Redding et Al Green (avec qui Jackson a coécrit le tube « Let’s Stay Together ») sur le devant de la scène ; et à mesure que sa réputation grandissait, des superstars extérieures au monde du R&B comme Eric Clapton ont commencé à vouloir travailler avec lui. En tant que cofondateur et membre clé de Booker T. & the MGs, Jackson a contribué à ouvrir la voie au funk et du hip-hop. « Je le mets dans le même sac que Ray Charles ou Billy Preston, dans une classe à part« , a déclaré Sam Moore de Sam & Dave à propos de Jackson, avec qui il a joué sur des classiques comme « Soul Man » et « Hold On, I’m Coming ».

8 – Mitch Mitchell

Stewart Copeland, du groupe The Police, a admis : « Toutes ces choses que j’ai faites et dont j’étais plutôt fier, je pensais les avoir inventées. Mais non, elles ont toutes été inspirées par Mitch. » Cependant, en 1966, lorsqu’il s’agit de choisir un batteur pour le Jimi Hendrix Experience, la décision est littéralement prise à pile ou face – on tire à pile ou face pour choisir entre Mitch Mitchell et Aynsley Dunbar. Mitch Mitchell l’a emporté et ce disciple d’Elvin Jones a apporté une grande qualité d’improvisation au power trio de Jimi Hendrix, construisant généralement un groove lourd et tendu, avant de se lancer dans un contrepoint fluide mais structuré à la guitare furieuse de Jimi.

7 – Gene Krupa

« A de très nombreux égards, c’était le premier batteur de rock« , a déclaré Neil Peart à NPR à propos de Gene Krupa en 2015. « Il était le premier batteur à être célébré pour ses solos… Il faisait des choses fondamentalement faciles, mais les rendait toujours spectaculaires. » Le jeu foudroyant de Krupa, influencé par les batteurs de la Nouvelle-Orléans Baby Dodds et Zutty Singleton – ont propulsé le big band innovant des années 30 de Benny Goodman vers de nouveaux sommets et ont ainsi inspiré une génération de futurs géants du rock, dont Keith Moon et John Bonham.

6 – Clyde Stubblefield et John « Jabo » Starks

Les percussions de James Brown étaient ancrées par non pas un mais deux maîtres batteurs : le tristement sous-estimé John « Jabo » Starks et M. Funky Drummer lui-même, Clyde Stubblefield. Starks a commencé sa carrière en accompagnant des musiciens de jazz et de blues, Stubblefield était plus porté sur le R&B et, par coïncidence, les deux ont commencé à jouer dans le groupe de Brown à quelques semaines d’intervalle. Chacun apportait un style distinctif et se complétait. Ensemble, leur partenariat contribuera à façonner certaines des plus grandes chansons de Brown, notamment « Cold Sweat », « Superbad » et bien sûr « Funky Drummer ».

5 – Hal Blaine

« Si Hal Blaine n’avait joué de la batterie que sur le morceau « Be My Baby » des Ronettes, il serait quand même entré dans la légende« , a un jour déclaré Max Weinberg. Mais le batteur né Harold Simon Belsky a fait bien plus, enregistrant avec Sinatra, les Beach Boys, Elvis et les Supremes, pour ne citer que quelques-uns de ses fameux collaborateurs. Leader du Wrecking Crew, Blaine est le batteur le plus prolifique de l’histoire. Mais son véritable héritage réside dans son adaptabilité à n’importe quelle chanson – et pas seulement derrière un kit conventionnel. Pour « Caroline, No » des Beach Boys, il a tapé sur des bidons en plastique, et pour « Bridge Over Troubled Water » de Simon & Garfunkel, il a traîné des chaînes de pneus sur un sol en béton. « Je ne suis pas un batteur tape-à-l’œil« , a-t-il un jour confié. « Je voulais être un grand accompagnateur. » Mission accomplie.

4 – Neil Peart

Lorsque Neil Peart a rejoint Rush en 1974, ses camarades ont vu en lui une chance d’émuler les Who. « Nous avons été époustouflés par le jeu de Neil« , se souvient le guitariste Alex Lifeson dans une interview accordée cette année. « Il nous rappelait Keith Moon, et il frappait sa batterie si fort. » Ironiquement, la contribution de Peart au rock allait se révéler être l’exact opposé esthétique de celle de Moon : les percussions les plus précises et les plus minutieuses que le genre ait jamais connues. Au fur et à mesure que les ambitions de Rush se développent dans les années 70, Peart se révèle être à la fois un grand technicien et un artiste extrêmement ambitieux. Puis son jeu devient plus pop dans les années 80. Il commence alors à incorporer avec goût des percussions électroniques et à s’inspirer d’innovateurs tels que Stewart Copeland, pour le plus grand plaisir des fans.

3 – Ginger Baker

Doté d’un immense talent et d’un tempérament bien trempé, Ginger Baker a combiné une formation en jazz avec un style polyrythmique puissant au sein du premier, et du meilleur, power trio du monde. Tout en se heurtant constamment à ses camarades de Cream, Jack Bruce et Eric Clapton, le batteur né à Londres a contribué à faire du rock un véritable spectacle grâce à sa virtuosité. Après la dissolution de l’éphémère Blind Faith, Baker s’est installé au Nigeria pendant plusieurs années. « Il comprend le rythme africain mieux que tout autre Occidental« , a déclaré Tony Allen, co-créateur de l’afrobeat. Au cours des années qui ont suivi, Baker s’est occupé d’un éventail impressionnant de projets, dans des combos de jazz avec des solistes comme Bill Frisell, et aux côtés de Public Image Ltd et Masters of Reality.

2 – Keith Moon

Le « plus grand batteur du monde« , comme il se décrivait lui-même, abhorrait les répétitions tant à la batterie que dans la vie. Moon, qui a inspiré le Muppet Animal, a cassé son lot de batteries et de chambres d’hôtel avec une férocité qui suggère qu’il était plus un performer qu’un simple « batteur » de rock. Il était célèbre pour son refus de jouer des solos de batterie et considérait son instrument comme la pierre angulaire des Who. « Ses breaks étaient mélodiques« , a déclaré le bassiste John Entwistle à Rolling Stone, « parce qu’il essayait de jouer avec tous les membres du groupe en même temps« . Moon the Loon trouvait toujours comment caser ses roulements de batterie dans des endroits où ils n’étaient jamais censés aller et seules les pistes de synthé utilisées sur Who’s Next stabilisaient son sens du tempo constamment vacillant. La cascade préférée de Moon, cependant, était de jeter des explosifs dans les toilettes des hôtels, un tour qu’il a fait jusqu’en 1978, date à laquelle il est mort d’une overdose. Il avait 31 ans.

1 – John Bonham

Dés le tout premier morceau du tout premier album de Led Zeppelin, John Bonham a changé à jamais le jeu de batterie du rock. Des années plus tard, Jimmy Page s’amusait encore de l’impact désorientant que « Good Times Bad Times », avec sa grosse caisse à couper le souffle, avait sur les auditeurs : « Tout le monde pariait que Bonzo utilisait deux grosses caisses, mais il n’en avait qu’une. » Virtuose, cette performance a permis de définir le son de Bonham, jusqu’à sa mort prématurée en 1980. Même dans sa forme la plus brutale, il n’a jamais matraqué son kit sans raison, et dans sa forme la plus rythmée, il ne s’est jamais abaissé à un riff inutile. « J’ai passé des années dans ma chambre – littéralement des putains d’années – à écouter la batterie de Bonham et à essayer d’imiter son swing, sa vitesse ou sa puissance« , a écrit un jour Dave Grohl dans Rolling Stone. Et presque tous les batteurs qui l’ont suivi ont fait de même, pour finalement trouver leur propre groove.

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Ephemeride

Interview – Stereophonics : le retour des princes de Galles

Publié

03/06/2024

Par

La Rédaction

James D Kelly

A l’occasion de la sortie d’Oochya!, 12e album de Stereophonics, nous avons interviewé Kelly Jones. Selon lui le “monde d’après” est marqué par l’optimisme et la nostalgie.

3 juin 1974 : naissance de Kelly Jones, chanteur de Stereophonics

Comment avez-vous vécu la pandémie ?

Nous venions de finir notre tournée quand nous sommes entrés en confinement… C’était en avril. Ma femme a accouché de notre quatrième enfant, le 1er mai… La 1re année, j’ai donc consacré mon temps et mon énergie à ma famille. Puis, progressivement, j’ai commencé à redevenir créatif, à faire de la musique… et plein d’autres choses !
Cette pandémie a été pour moi la première occasion en 25 ans où il m’a fallu arrêter de bouger, de me produire sur scène… Et pourtant, il n’y a pas eu de relâchement ! C’était vraiment une période intéressante entre ce que ma tête ressentait (l’envie de bouger) et les envies de mon corps (s’arrêter). Il a donc fallu faire en sorte que les deux se rejoignent…

En quoi cela a influencé l’atmosphère de l’album ?

Ce disque est né d’un catalyseur, d’une idée : je voulais à l’origine faire une compilation de 25 ans de chansons… Mais, très vite, ça s’est transformé en compilation de chansons, certes, mais non-terminées ou non-utilisées jusque-là… Je suis donc très content de ce revirement ! Certaines démos ont été retravaillées. Un tas d’autres a été écrit pour l’occasion… Le groupe s’est réuni et nous avons enregistré quasiment tout l’album en sept jours, avant d’aller le mixer à Londres.

Qu’en pensez-vous, aujourd’hui, avec le recul ?

C’est un disque qui montre beaucoup de facettes différentes du groupe. Il y a vraiment des chansons rock’n’roll ! Mais ça n’a pas non plus empêché d’y joindre quelques titres pleins d’âme. Un équilibre entre moments magnifiques, suspendus, légers et d’autres qui sont plus… sombres. Réalistes.

La mer et le soleil sont des thèmes qui reviennent souvent… Est-ce parce que c’était le contexte d’écriture ?

Ah oui ? [il réfléchit] Je pense que les saisons et le climat peuvent permettre de décrire comment les gens se sentent et… leurs perspectives de vie. Le soleil qui se lève puis se couche représente le temps qui passe, le fait que demain est un autre jour. C’est une métaphore très pratique, accessible… en plus d’être universelle ! Mais, oui, j’ai toujours utilisé des descriptions assez cinématographique et pittoresques dans mes textes.

Vos textes sont d’ailleurs très optimistes. Est-ce l’amour, la nostalgie… ?

Il n’y a pas de thème général qui se dégage, de fil conducteur… Comment pourrait-il y avoir une unité, étant donné que l’ensemble a été écrit à des époques et avec des sentiments différents ?
Prenez “Right Place Right Time”… C’est une chanson consciente. Idem pour “Every Dog Has Its Day” ! Tout l’inverse d’un “Forever” très optimiste… “Hanging On Your Hinges” est très rock’n’roll à la Stooges ! Et puis, oui, il y a parfois de la nostalgie : “Close Enough To Drive Home” et “Seen That Look Before”, par exemple. C’est cette diversité d’idées et d’intention qui a inspiré le titre de l’album, pouvant autant signifier la surprise que la vengeance.

Samuel Degasne

Retrouvez cette interview de Stereophonics en intégralité dans l’hebdo de Rolling Stone n°74, disponible ici.

Oochya!, le nouvel album de Stereophonics, est disponible à l’achat et à l’écoute.

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Ephemeride

Bruce Springsteen : 10 anecdotes sur “Darkness on the Edge of Town”

Publié

02/06/2024

Par

La rédaction

Le quatrième album studio de Bruce Springsteen, Darkness on the Edge of Town, est sorti le 02 juin 1978. (Re)découvrez comment le punk, la country et d’autres genres musicaux parsèment ce disque culte.

« Il y a quelque chose d’effrayant à voir nos rêves se réaliser, parce qu’ils peuvent ou non surpasser ce à quoi l’on s’attendait, » confiait Bruce Springsteen à Rolling Stone en 1987 au sujet de la genèse de son iconique Darkness on the Edge of Town, réédité depuis. « Je crois que lorsque les gens rêvent, ils rêvent d’une vie sans complication. Et ça n’existe pas. »

Les rêves de rock and roll de Bruce Springsteen devinrent réalité en 1975 avec la sortie de son troisième album, Born to Run. Encensé par la critique, il s’est hissé jusqu’à la troisième place du Billboard 200, son single éponyme grimpant quant à lui à la 21ème place du hit-parade, ce qui a permis à Springsteen de figurer simultanément en couverture du Time et de Newsweek, et d’établir sa réputation comme nouveau héro rock des seventies.

Mais avec le succès de Born to Run vinrent un déluge de prises de têtes et d’embûches, qui colorèrent de façon significative le ton du prochain album de Bruce Springsteen, et en retardèrent l’enregistrement. « Born to Run m’avait permis de m’offrir un piano Steinway et une Corvette Chevrolet de 1960, » écrivait-il dans son autobiographie en 2016. « Pour le reste, ce n’était que des factures que Mike [Appel, le manager de Springsteen] avait dissimulé pour nous garder à flot. »

En plus des complications sus mentionnées et de la pression de faire mieux, Springsteen et le E Street Band ne pouvaient légalement pas entrer dans un studio d’enregistrement sans l’approbation de leur manager… que Springsteen poursuivait en justice pour annuler le contrat qu’il avait signé avec sa société en 1972. Tandis que Bruce Springsteen et les E Streeters avaient tenté de planifier le début de l’enregistrement de la suite de Born to Run en juin 1976, ils ne commencent à enregistrer les morceaux qui deviendront par la suite Darkness on the Edge of Town qu’un an plus tard, après qu’Appel et Springsteen aient enfin réglé leur différent hors des tribunaux.

Darkness sorti dans les bacs le 2 Juin 1978, révélant un artiste dont le son et la vision avait dramatiquement changé depuis la sortie de Born to Run. Remballés les personnages se battant pour être libres ; les voilà remplacés par des chansons plus dures que tout ce que Springsteen avait enregistré jusque là, racontant les histoires de personnes écrasées par les mêmes réalités sociales auxquelles les personnages de Born to Run avaient désespérément essayés d’échapper.

« Avec Darkness, j’étais prêt au combat. » écrivait-il dans Born to Run. « Mes protagonistes devaient se défaire de tout ce qui était inutile pour survivre. Dans Born to Run, une bataille personnelle était engagée, mais une guerre collective continuait. Dans Darkness, les implications politiques des parcours de vie que je décrivais étaient au premier plan. »

Darkness on the Edge of Town était le premier album que Bruce Springsteen a être enregistré des les conditions du live par le E Street Band, cependant ça ne veut pas dire que ça été rapide ou efficace.

A l’été 1977, le E Street Band – alors composé du guitariste Steve Van Zandt, du saxophoniste Clarence Clemons, du pianiste Roy Brittan, de l’organiste Danny Federici, du bassiste Garry Tallent et du batteur Max Weinberg – pouvait se plier presque immédiatement à tous les caprices musicaux de Bruce Springsteen, c’était donc logique que les chansons de Darkness soient enregistrées dans les conditions du live. Malheureusement, la recherche perpétuelle de Springsteen du son ultime a contrecarrée tout ce qu’un tel arrangement aurait pu avoir d’efficace. Mécontent de ce qu’il obtenait aux studios Atlantic de New York, Springsteen déplaça les séances d’enregistrements à la Record Plant. Le co-producteur Jon Landau et l’ingénieur Jimmy Iovine passèrent d’interminables semaines à essayer de trouver le mix de batterie idéal.

« Des journées durant, les seuls sons qui émanaient du Studio B de la Record Plant étaient l’interminable bruit sourd des coups de baguettes de Max sur les toms, » écrivait Bruce Springsteen dans Born to Run. « Lorsque le jeu de batterie est énergique mais que le mix est en sourdine, ça laisse pas mal de place pour les guitares. Lorsque les guitares sont puissantes mais ne font pas de vague, on peut avoir des batteries la taille d’une maison. Reste qu’il faut faire des choix » Entre le challenge sonique que représentaient un tel enregistrement et le nombre important de chansons écrites par Springsteen, il fallait bien un an.

Des classiques américains comme La Prisonnière du Désert et A L’Est d’Eden ont lourdement influencé l’album.

Même si Darkness on the Edge of Town n’était un pas un concept album dans le sens classique du terme, Springsteen voulait que les chansons de l’album ait un aspect cinématographique, un désir qui est né de ses heures passées à regarder des films tels que La Prisonnière du Désert de John Ford et des films noir des années 40 et 50.

« Il n’y a pas de répit qui tienne, » expliquait-il à Rolling Stone peu après la sortie de l’album. « On capture une action en train de se dérouler, et à un certain moment, la caméra s’éloigne et peu importe ce qui se passe, ça se pase. Les chansons que j’écris, elles n’ont pas de début ni de fin. La caméra fait le point et elle repart. »

Chuck Plotkin, qui a mixé l’album, se rappelle dans le documentaire The Promise : The Making of Darkness on the Edge of Town que Springsteen voulait que l’album soit cinématographique dans la façon dont il allait passer d’une chanson à l’autre. En ce qui concerne la transition de « Badlands » à « Adam Raised a Cain », Springsteen a dit à Plotkin : « Voilà ce que je veux que tu fasses. Imagine que tu es au cinéma et qu’à l’écran il y a deux amants en train de pique-niquer. Et ensuite la caméra coupe brutalement sur un cadavre. Cette chanson c’est le cadavre. »

Le son et le ton de Darkness on the Edge of Town sont en partie inspirés par le punk anglais.

« Je recherchais un son plus épuré, un peu plus énervé, » se rappelait Springsteen dans The Promise. « Je voulais endurcir les chansons. Je voulais que l’album ait du mordant. » Alors qu’un son plus énervé fonctionnait pour des titres comme « Badlands » ou « Adam Raised a Cain », Springsteen s’engage dans la voie des groupes punks Anglais comme les Sex Pistols et les Clash. « Darkness a été également influencé par l’explosion du punk à l’époque, » confiait-il au public du Festival SXSW en 2012. « J’ai acheté tous les nouveaux albums estampillés punk… Ils étaient courageux, vous mettaient au défi… et vous rendaient courageux. Beaucoup de cette énergie est présente dans le sous-texte de Darkness. En 1977, on ne pouvait pas ignorer ce genre de musique. Des pairs l’ont fait. Et ils ont eu tort. On ne pouvait pas ignorer ce défi. »

Le nouvel amour de Bruce Springsteen pour la country l’a aidé à écrire les paroles de l’album.

Si le punk a impacté la musique de l’album, les paroles de Darkness, et particulièrement des chansons comme « Factory » et « Prove It All Night », révèlent une influence grandissante de la musique country sur l’écriture de Springsteen. Ayant ignoré longtemps la country traditionnelle, il s’est retrouvé attiré par la simplicité de ces paroles, la nature brute de ces sujets et son attitude souvent fataliste.

« J’ai trouvé le blues dans la country, » se rappelle Springsteen à l’ouverture du Festival SXSW. « C’était ‘le blues du travailleur’ : la réalisation stoïque de la réalité du quotidien, et les petits riens qui vous permettent de mettre un pied devant l’autre. J’ai trouvé que le fatalisme de la country me plaisait. C’était réfléchit. C’était drôle. Mais c’était assez fataliste. »

Les deux plus grands hits issus des sessions d’enregistrement de Darkness on the Edge of Town furent enregistrées par d’autres artistes.

La période séparant Born to Run et Darkness on the Edge of Town fut une des plus prolifique de Springsteen en tant qu’auteur-compositeur. Il avait écrit tellement de chansons pour l’album que d’autres artistes finirent par profiter de ce surplus, à commencer par Southside Johnny, Robert Gordon, Greg Kihn et Gary U.S. Bonds. Alors que « Prove it All Night » était le seul single de Darkness à atteindre la 33ème place du Top 40, deux artistes ont connu un succès phénoménal avec des compositions du Boss : Les Pointer Sisters grimpèrent à la deuxième place des charts avec leur enregistrement de « Fire » et Patti Smith connu le plus grand succès de sa carrière avec « Because the Night, » qui a atteint la 13ème place des charts américains et la 5ème des britanniques.

Smith enregistrait Easter avec Jimmy Iovine au moment où ce dernier travaillait sur Darkness. Elle a pris le morceau inachevé « Because the Night » et y a ajouter un couplet inspiré par sa relation longue distance avec son futur mari Fred « Sonic » Smith. « Je savais que je n’allais pas terminer la chanson, parce que c’était une chanson d’amour, et à cette époque j’avais le sentiment de ne pas être capable de les écrire, » se rappelle Springsteen dans The Promise, expliquant sa décision de donner la chanson à Patti Smith. « J’étais réticent à écrire une vraie chanson d’amour comme ‘Because the Night’. Je crois que j’étais trop peureux pour écrire ça à l’époque. Mais elle, elle était courageuse. »

« Darkness on the Edge of Town », “Racing in the Street” et “Badlands” ont tout d’abord été des titres, Bruce Springsteen complétant le reste des paroles plus tard.

Peut-être est-ce du à sa fascination grandissante avec le cinéma, mais Springsteen s’est retrouvé a essayer plusieurs manières d’écrire des chansons… dont l’écriture de simples titres qui sonnaient bien dans ses cahiers. « Quand on choisis un titre de chanson comme ‘Racing in the Street,’ on sait que ce sera une chanson difficile à écrire, » confiait-il à Rolling Stone en 2010. « Donc j’inventais les titres, et je partais à la recherche des chansons qui les mériteraient. »

Le riff principal de ‘Badlands’ est tiré de ‘Don’t let Me Be Misunderstood’ de The Animals.

Durant sa carrière, Springsteen a souvent rendu hommage à The Animals, que ce soit en chantant leurs louanges en interview, ou en reprenant les hits du groupe britannique « We Gotta Get Out of This Place » et « It’s My Life » en concert. « Pour certains, c’était juste un des meilleurs groupes des Sixties, » expliquait-il dans son discours au SXSW en 2012. « Mais pour moi, The Animals était une vraie révélation. Leur premiers albums sont impressionnants. »

Durant son discours, Springsteen a aussi mentionné l’influence du groupe sur Darkness on the Edge of Town avant de joyeusement démontrer comment il avait tiré le riff principal de « Badlands » de « Don’t Let Me Be Misunderstood ». « C’est le même putain de riff, mec. » confiait-il, jouant les intros des deux chansons l’une à la suite de l’autre. « Écoutez bien les jeunes : c’est comme ça que l’on vole avec succès d’accord ? »

A l’origine l’album de Bruce Springsteen devait s’appeler Badlands et le département artistique de Columbia Records avait même crée une pochette d’album correspondante.

Malgré le fait que Springsteen et le E Street Band avaient travaillés plusieurs fois sur la chanson « Darkness on the Edge of Town » durant les premiers stades de l’enregistrement de l’album, la chanson ne fut complétée qu’en mars 1978. Columbia s’était alors contenté de « Badlands » et avait même commandé à son département artistique une maquette de la pochette de l’album en octobre 1977.

La liste des chansons de cette version précoce de l’album incluait « Badlands », « Streets of Fire », »Promised Land », « Prove It All Night », « Candy’s Room » (sous son titre provisoire « Candy’s Boy ») et « Racing in the Streets ». Figurait aussi deux chansons qui n’ont pas été inclut dans l’album définitif : « Don’t Look Back » fut remplacée par « Darkness on the Edge of Town » et « Independence Day » qui se retrouverait sur The River en 1980 aux côtés de « Drive All Night », « Sherry Darling » et « Ramrod », trois autres chansons qui furent originalement écrite et enregistrée durant les sessions d’enregistrement de Darkness.

Le solo de saxophone de Clarence Clemons sur « Badlands » a été ajouté à la dernière minute.

Alors que les chansons de Darkness commençaient à prendre forme, Springsteen réalisa que le son plus tendu qu’il cherchait demandait de se concentrer davantage sur son jeu de guitare, même si cela signifiait laisser moins de place au saxophoniste Clarence Clemons. « La guitare a fait son retour dans Darkness parce qu’il était devenu moins urbain. Si on réduit le saxo, ça laissera plus de place à la guitare, » expliquait-il à Rolling Stone en 2010. « Le sax est un instrument chaud et mélodique. Si je voulais quelque chose de plus sale et brut, il fallait de la guitare. »

Darkness en état déjà à l’étape du mixage quand Springsteen a réalisé qu’il devait faire machine arrière. Il a donc appelé Clemons et lui a fait enregistrer le désormais célèbre solo de « Badlands ». « C’était un solo de guitare à la base, » se rappelle Springsteen dans The Promise. « À la fin de l’enregistrement, je pensais que nous manquions de saxophone. J’ai sorti ma guitare et Clarence a joué par-dessus. »

Les photos de Bruce Springsteen sur les pochettes de Darkness on the Edge of Town et The River proviennent de la même session avec le photographe Frank Stefanko.

« Je connaissais un peu Patti Smith au travers de notre travail sur ‘Because The Night’, » se rappelle Springsteen dans Born To Run. « Quand je lui ai rendu visite pendant une de ses représentations au Bottom Line, elle m’a donné le nom d’un photographe de South Jersey et m’a dit que je devrais le laisser me photographier. » Son nom était Frank Stefanko, et sa sensibilité visuelle brute était en parfaite adéquation avec la crudité de Darkness on the Edge of Town. Springsteen a tellement adoré le résultat de leur session photo de quatre jours qu’il utilisa les images pour la couverture de Darkness, mais également de The River.

« Bruce est allé en Californie pour travailler sur The River, » confiait Stefanki à Rolling Stone en 2017. « »Il m’a appelé. Il avait en sa possession toutes les photos de la session Darkness. Il les feuilletait. Pendant deux semaines, on a eu de nombreux échanges. Il m’appelait depuis la Californie à deux heure du matin et me disait juste : ‘Sors la photo 28. Regarde le négatif numéro quatre. Est-ce qu’on peut rendre le côté droit un peu plus sombre ?’ Je passais la nuit dans ma chambre noire et je lui envoyais le tout par FedEx. On a fait ça jusqu’à ce qu’il choisisse un portrait en gros plan pour lequel il portait la même chemise à carreaux que dans ‘Corvette Winter’ [La photographie de Stefanko utilisée sur la couverture du livre Born to Run]. »

Par Dan Epstein

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Ephemeride

Blink-182 : retour à roulettes

Publié

01/06/2024

Par

La Rédaction

Nicko Guihal / Live Nation

Le 9 octobre, Blink-182 était de retour avec son line up emblématique dans une Accor Arena remplie et acquise à la cause du trio.

1er juin 1999 : sortie d’Enema of the State de blink-182

Les venues des trois Californiens s’étaient faites rares en France. L’annonce du retour de Tom DeLonge au sein de blink-182 couplée avec celle du passage à l’Accor Arena, près de dix-neuf ans après leur dernière venue dans la salle parisienne, a suffi à faire bouger les foules. Ainsi, la salle remplie et le public motivé donne même quelques miettes de son enthousiasme à The Story So Far, groupe de punk-rock qui assure la première partie.

Mais l’enthousiasme explose en même temps que les feux d’artifice lorsque les musiciens, remontés comme jamais, arrivent sur scène et enchaînent les tubes comme “Dammit” ou “All The Small Things”, sans oublier leurs nouveaux morceaux, à l’approche de la sortie de One More Time, leur nouvel album. Avec une scène avancée dans la fosse, Mark Hoppus a la place pour sautiller en beau diable lorsqu’avec Tom DeLonge au chant ils ne se renvoient pas la balle. Côté batterie, Travis Barker montre qu’il n’a perdu ni son talent de batteur ni son sens de la démesure, en jouant sur une batterie suspendue à quelques mètres du sol le temps de quelques morceaux.

Si le spectacle foisonne d’effets délirants, blink-182 sait aussi amuser la galerie avec diverses blagues plus ou moins graveleuses entre Mark Hoppus et Tom DeLonge, offrant une capsule temporelle vers les années 2000. Le trio californien digne représentant du mouvement “punk à roulettes” montre qu’il est bel et bien de retour et que les années n’ont pas atteint sa forme juvénile. “What’s My Age Again?” On peine à y répondre.

Setlist :

Anthem Part Two
The Rock Show
Family Reunion
Man Overboard
Feeling This
Violence
Up All Night
Dumpweed
Aliens Exist
Dysentery Gary
MORE THAN YOU KNOW
EDGING
DANCE WITH ME
Happy Holidays, You Bastard
Happy Holidays, You Bastard
Stay Together for the Kids
Always
Down
Bored to Death
I Miss You
Adam’s Song
Ghost on the Dance Floor
What’s My Age Again?
First Date
All the Small Things
Dammit
ONE MORE TIME

Mathieu David

Retrouvez ce live report dans Rolling Stone l’Hebdo n°133, disponible via notre boutique en ligne.

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Ephemeride

31 mai 1948 : naissance de John “Bonzo” Bonham

Publié

31/05/2024

Par

Samuel Regnard

Batteur mythique du non moins mythique Led Zeppelin. La disparition de John Bonham entérine la fin de l’un des plus grands groupes de rock’n’roll de l’histoire. Hommage

John Bonham, membre mythique de Led Zeppelin, est considéré comme l’un des plus grands et influents batteurs de rock de tous les temps. Bonham est né le 31 mai 1948 et mort le 25 septembre 1980 à l’âge de 32 ans.

On ne peut pas parler de la fin de Led Zeppelin – on ne peut pas parler de façon éloquente de Led Zeppelin en bien ou en mal – sans prendre en compte John Bonham. D’une certaine façon, il était le centre de l’histoire du groupe et la force qui propulsait sa musique. Bonham avait grandi un verre à la main dans le Black Country et se retrouva sur une scène musicale où, à l’époque, on buvait beaucoup. Le problème était que Bonham était alcoolique au plus haut degré. Beaucoup le décrivaient comme le plus chaleureux et réaliste des membres de Led Zeppelin quand il était sobre, mais après quelques verres, il pouvait être très agressif. Richard Cole pensait que le tempérament de Bonham venait de la tension qu’il éprouvait à être loin de sa femme et ses enfants. Dans Mojo, Nick Kent rapporta un souvenir que Bryan Ferry avait d’une nuit en compagnie de Bonham à Los Angeles : “Ferry a raconté que Bonham s’est mis à pleurer et l’a supplié de le ramener à la maison, dans sa famille dans les Midlands, terrifié par son appétit insatiable sur la route.”

« Jones dit plus tard à Cameron Crowe que sa mort avait l’air ‘terriblement arbitraire' »

Impitoyable

Mais parfois la conduite de Bonham était impitoyable. Un jour, d’après Hammer of the Gods, il tituba hors de la cabine du jet Starship, saoul, attrapa une hôtesse de l’air et annonça qu’il comptait la violer. Grant et Cole durent le ceinturer. Une autre fois, Bonham débarqua dans le bar rock le plus célèbre de L.A., le Rainbow, but dix Black Russians d’affilée, lança des regards mauvais à l’assemblée et quand une jeune femme le reconnut et lui sourit, il lui donna un coup de poing en plein visage et retourna boire.

Le 24 septembre 1980, Led Zeppelin se retrouva pour répéter avant la tournée américaine à venir. Bonham avait surmonté sa dépendance à l’héroïne et prenait un médicament pour calmer l’anxiété et la dépression – mais il avait aussi bu de la vodka toute la journée et l’alcool faisait empirer sa déprime. Plant se souvint que Bonham était fatigué et inconsolable : “Il disait, ‘Je ne veux pas faire ça. Tu joueras de la batterie et je chanterai.’ ” Bonham but pendant la répétition jusqu’à ce qu’il soit inutile de continuer à jouer. Puis le groupe se retrouva dans la nouvelle maison de Jimmy Page à Windsor. Bonham but plusieurs doubles vodkas et s’écroula vers minuit. Il fut installé dans une chambre d’amis par un assistant. Le lendemain, dans l’après-midi, John Paul Jones alla réveiller Bonham, accompagné par l’assistant de Plant, Benji LeFevre. Bonham était mort ; il s’était retourné dans son sommeil, avait bu de l’eau, vomi dans ses poumons et s’était étouffé. Jones dit plus tard à Cameron Crowe que sa mort avait l’air “terriblement arbitraire”.

« Il y avait aussi une sorte d’horrible innocence et d’intensité et, au milieu de tout ça, un génie magnifique. »

Anéantis

Ils n’en dirent pas plus pendant deux mois, mais tout était alors fini. “C’était si… définitif, dit Plant. Je n’ai jamais pensé à l’avenir du groupe ou de la musique.”

Dans l’histoire de Led Zeppelin, il y avait de l’orgueil et des fins tragiques. Il avait des jugements sévères et des sentiments anéantis – certains mérités, d’autres pas. Aussi une sorte d’horrible innocence et d’intensité et, au milieu de tout ça, un génie magnifique.

Il y avait surtout un poids à porter. Robert Plant – le membre du groupe qui semblait avait mûri le plus, mais à quel prix – garda ses distances vis-à-vis de l’histoire et de la musique de Led Zep pendant des années. À l’inverse, Jimmy Page, aimait l’histoire et la musique du groupe et en resta proche. Remasterisant les albums, compilant des lives inédits en CD et en DVD et jouant du Led Zeppelin sur scène dès qu’il le pouvait. De son côté, John Paul Jones vit calmement avec sa famille. Il travaille comme arrangeur et producteur et enregistre sans tapage (il a surmonté ses problèmes de drogue en 1983).

Page, Plant et Jones jouèrent ensemble quelques fois après 1980 – au Live Aid en 1985, au 40^e anniversaire d’Atlantic Records en 1988 et lors de l’intronisation du groupe au Rock & Roll Hall of Fame en 1995 – mais aucune de ces occasions ne les combla. Pas même ce tout dernier concert en 2007 à l’O2 Arena de Londres en hommage à Ahmet Ertegun. Avec Jason Bonham, fils du regretté John, derrière les fûts. Ils savaient ce qui manquait.

Belkacem Bahlouli

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Tom Morello : « Mes seules armes, une guitare et quelques micros »

Publié

30/05/2024

Par

Samuel Regnard

Le guitariste militant Tom Morello fête aujourd’hui ses 60 ans ! Il embarque ses riffs et ses effets dans ses univers inédits pour lui… Entretien

Jouer avec les mots, les faire claquer surtout, Tom Morello a toujours aimé ça, presque autant que de… trafiquer sa guitare. Fut un temps, celui de Rage Against the Machine, le diplômé d’Harvard laissait ça à Zack de La Rocha mais n’en pensait pas moins. Les formules et les phrases choc s’enchaînent quand il évoque son nouveau projet, Atlas Underground, amalgame assez étourdissant, musicalement comme dans ses textes sur lequel il a commencé à se pencher il y a maintenant quatre ans. Pour ce qu’il nomme volontiers une “conspiration sonore clandestine”, Morello le metalleux – il est le premier à reconnaître que c’est là son berceau musical – est allé se frotter aux cadors du hip hop américain (Big Boy, Killer Mike, Vis Mensa, GZA et RZA du Wu-Tang Clan, etc.) et de l’electro (Whethan, Josh Carter de Phantogram, Nico Stadi…), de la pop (Portugal the Man), de la folk (Marcus Mumford) ou du blues (Gary Clark Jr.) avec la volonté assumée de bouger les lignes et de ne rien abandonner de son activisme. Avant de retourner en studio avec les Prophets of Rage, Tom Morello se pose – brièvement – et s’explique.

Votre ambition affichée avec ce nouvel album était d’en faire un “Hendrix d’aujourd’hui”. Or, lui ne s’est jamais montré ouvertement politique dans ses textes.

C’est juste. Mais pour ce qui est du son, c’est autre chose. Si l’on devait établir un Top 10 des chansons les plus politiques de tous les temps, son interprétation de l’hymne américain à Woodstock y figurerait à coup sûr. Redéfinir, re contextualiser une telle chanson comme il l’a fait a remis en question la définition même de ce que signifie la musique ; et ça c’est profondément politique. Tu n’as pas besoin de mot pour ça.

Ce serait donc l’idée derrière ce nouvel album.

D’une certaine façon. À ma façon. Je vois en quelque sorte ce projet comme un cheval de Troie. Il veut se frayer un chemin sur un terrain, l’electro ou le hip hop, où les idées qu’il défend et la manière de les défendre ne sont peut-être pas forcément les bienvenues. La guitare n’a plus vraiment sa place dans les charts et ne l’a pas non plus sur les dancefloors. Idem pour les messages de révolte et de libération. Or c’est de ça qu’il s’agit ici. La guitare fait le lien avec tout ça, l’entremetteuse aussi (rires).

Atlas Underground serait-il le Judgment Night d’aujourd’hui ?

J’avais détesté cet album. Tout le monde avait trouvé ça génial, pas moi. Son résultat en tout cas, au-delà de la bonne idée [mêler pour les besoins d’une bande originale en 1993 artistes orientés rock ou metal avec d’autres venant de l’univers du hip-hop : Slayer avec Ice-T, Pearl Jam et Cypress Hill, etc.] Mais il contenait les graines de ce qui allait provoquer plus tard mes collaborations avec The Prodigy ou Crystal Method sur leur album Tweekend qui sont elles-mêmes à la base du concept d’Atlas… D’ailleurs à l’époque, s’ils n’avaient été aussi lents à travailler et sans cesse rivés sur leurs ordinateurs, j’aurais pu pousser plus loin l’expérience avec les gars de Crystal Method (rires).

« Ma seule responsabilité en tant qu’artiste est de rendre le travail que je fais et aime le plus authentique possible. »

Sur “We Don’t Need You”, Vic Mensa parle du 11 septembre comme d’un hoax. Tom Morello verserait-il dans les théories du complot ?

Non, non, je ne souscris à rien de tout ça et je suis certain que lui non plus (rires) ! Faudrait que l’on mette ça au clair. Je ne sais pas ce qui lui est passé par la tête…

Le riff de “Vigilante Nocturno” date des sessions d’Evil Empire, le second album de Rage Against the Machine en 1996. Vous en avez beaucoup comme ça au frigo ?

Un paquet (rires) ! Mon ordinateur en est rempli. Vous voulez un autre exemple ? Les toutes premières notes que l’on entend sur un album de Rage, à savoir celles de l’intro de “Bombtrack”, c’est quelque chose que j’avais composé à 19 ans lors de ma première année à l’université. Je l’avais gardé sur une cassette. Chaque fois que j’attaque un nouvel album ou un nouveau projet, je passe en revue les idées que j’ai pu stocker pour savoir si elles peuvent avoir une nouvelle vie.

On a pu lire encore que vous considériez cet album comme l’occasion d’une prise de conscience, qu’il était temps de sauver à la fois la planète et nos âmes d’artistes. En quoi ces âmes sont-elles en danger ?

Il s’agit de transformer nos convictions en vocation. Nous arrivons à un moment crucial de l’histoire du monde où il nous fait choisir. Faut-il prendre le risque en tant qu’organisation collective de poursuivre l’activité qui est la nôtre depuis deux siècles ? Mes seules armes, ce sont une guitare et quelques micros dans un studio. Je vais donc utiliser ce mégaphone du mieux que je peux pour que ma créativité me permettre de me battre tant qu’il en est encore temps.

À qui cherchez-vous à vous adresser ? À ceux qui vous suivent depuis Rage Against the Machine ou à un nouvel auditoire qui viendrait à vous via l’electro ou le hip-hop ?

Je ne vois pas les choses comme ça et je ne sais pas si le public de Vic Mensa ou de Knife Party veut entendre un solo de guitare. Ma seule responsabilité en tant qu’artiste est de rendre le travail que je fais et aime le plus authentique possible. Le public de ces artistes est en effet à des années-lumière de celui de Rage Against the Machine ou Audioslave. Mon envie était de les exposer tous à quelque chose qui ne leur est pas coutumier. Après, advienne que pourra.

Propos recueillis par Xavier Bonnet

Cet entretien a été initialement publié en 2018.

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